20 Jahre Hass: Warum „La Haine“ aktueller ist als je zuvor


Heute vor 20 Jahren, am 9. Februar, wurde Mathieu Kassovitzs „La Haine“ in ausgewählten Theatern eröffnet und begann seinen Kinostart in Amerika. Der Film war zu diesem Zeitpunkt bereits eine internationale Sensation, da er 1995 bei den Filmfestspielen von Cannes Schockwellen auslöste. Er erhielt lange stehende Ovationen und den Preis für den besten Regisseur, aber nichts hätte das heimische Publikum auf die politische und soziale Macht des Films vorbereiten können wie eine viszerale Abrissbirne.





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In der Hauptrolle von Hubert Koundé, Saïd Taghmaoui und Vincent Cassel (in seiner Breakout-Performance) spielt „La Haine“ über 19 Stunden hintereinander im Leben von drei jungen Erwachsenen, die in den verarmten, multiethnischen französischen Projekten leben. Weit entfernt von der goldenen Stadt der Liebe, die wir normalerweise auf der großen Leinwand sehen, fängt „La Haine“ den urbanen Realismus seiner Kulisse durch eine strenge Schwarz-Weiß-Kamera ein und folgt diesen jungen Männern, während sie sich bemühen, zu überleben und ihre Familien zu ernähren unter zunehmenden rassischen und sozialen Spannungen von der Polizei und französischen Puristen.



In den 20 Jahren seit der Veröffentlichung des Films in den USA ist „La Haine“ einer der brisantesten ausländischen Titel aller Zeiten geblieben. Anlässlich seines Jubiläums reflektiert Indiewire, wie der Film auch zwei Jahrzehnte später relevant bleibt.



Es sagt so viel über die Gegenwart aus wie über die Vergangenheit.

„La Haine“ ist eine Geschichte von sozialen Unruhen und beweist, dass es eine doppelte Vision hat, die die Vergangenheit widerspiegelt und gleichzeitig die Zukunft vorwegnimmt. Die Geschichten von Makome M ’; Bowole und Malik Oussekine, Opfer der Brutalität der Polizei, inspirierten Kassovitz, das Drehbuch zu schreiben und sich auf den Konflikt zwischen der französischen Polizei und der Jugend der Banlieue zu konzentrieren. Die Banlieue bezieht sich auf die Vorstadtzonen, die französische Städte umgeben. Dies entspricht dem, was die USA als „Wohnprojekte“ bezeichnen. Der Film konfrontiert die Entfremdung und Beschränkung der entrechteten Jugend des Banleieu.

Ähnlich wie in Spike Lees Metapher von steigenden Temperaturen in 'Do the Right Thing' können die Charaktere in 'La Haine' nur so viel Hitze vertragen, bis sie an ihre Grenzen stoßen. Die städtischen Unruhen, die auf Gewalt zurückgreifen, werden ebenso vom Überleben getrieben wie vom Protest. Der Film ist nicht subjektiv zu seiner Zeit und seiner sozialen und politischen Situation, sondern universell in seinem Kontext. In Anbetracht der jüngsten Proteste über Vorfälle von Polizeibrutalität in Amerika ist der Film aktueller denn je. Die Prämisse ist zeitlos und grenzenlos, weil sie denjenigen eine Stimme gibt, die zum Schweigen gebracht werden, wenn sie dringend gehört werden müssen.

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Es zeigt die Kraft der Medien.

„La Haine“ zeigt, wie umfangreich die Macht der Medien sein kann. In dem Film sind die Nachrichtenmedien voreingenommen und stellen die Jugend als bedrohlich dar, während sie ihre Stigmatisierung nicht erkennt. Dies trägt nur zur negativen Rückkopplungsschleife bei, in der der Mangel an legitimer Vertretung der Jugend ihren Zugang zu Gelegenheiten weiter behindert. In einer Szene versuchen Nachrichtenreporter, Hubert, Vinz und Said über die Unruhen der Nacht zuvor zu befragen. Kassovitz rahmt seinen Bildschirm innerhalb eines Bildschirms ein, als die Jungen eine Wand aus Fernsehbildschirmen beobachten und sie in der Box-Ratio der Medien einfangen. Die Nachrichtensendung, die den Tod ihres Freundes bestätigt, unterbricht eine Montage von Kriegsbildern aus Bosnien. Die tägliche Exposition gegenüber solchen brutalen Inhalten normalisiert und legitimiert Gewalt in ihren Augen. Folglich agieren sie nicht intuitiv und setzen Gewalt als Katalysator des sozialen Wandels ein. Ironischerweise war der Film selbst ein Beispiel für die Macht der Medien, da er nur wenige Tage nach seiner Veröffentlichung in Frankreich die Unruhen von Noisy-la-Grand auslöste.

Es verwendet Archivmaterial, um seine Zeitlosigkeit zu kontextualisieren.

Der Film beginnt mit authentischem Archivmaterial von städtischen Unruhen. Die Eröffnung eines Erzählfilms mit einem Dokumentarfilm ist eine clevere Möglichkeit, ein Gefühl des Realismus zu entwickeln und einen historischen und politischen Hintergrund zu schaffen. Aktuelle Hits wie 'Argo' und 'Milk' haben eine ähnliche Strategie verwendet. Aus dem Filmmaterial ist ein Molotow-Cocktail zu sehen, der sich auf ein Satellitenbild des Planeten Erde zubewegt. Passend zur Geschichte einer fallenden Gesellschaft entzündet sich die Leinwand vor der Explosion, bevor sie auf das Archivmaterial zurückschneidet. In den Clips zu Bob Marleys 'Burnin' und 'Lootin' bereiten sich Randalierer und Polizisten vor, als würden sich zwei Armeen für den Kampf anstellen. Die Verwendung von Archivmaterial ist eine wertvolle Technik, da sie sofort den Ton angibt und die fiktive Geschichte mit den sozialen Realitäten kontextualisiert.

Kassovitz machte als Filmemacher technische Fortschritte durch intertextuelle und innovative Aufnahmen.

Kassovitz beweist mit seiner beeindruckenden Kameraarbeit in „La Haine“, dass er ein Meister des Handwerks ist. Seine technischen Tricks erfordern große Aufmerksamkeit, oder man kann sich täuschen, als wäre es ein Zaubertrick. Seine innovativen Techniken, wie die der Luftsequenz, sind lobenswert. Vom DJ am Plattenteller schwebt die Kamera vom Fenster weg und um das Banleieu herum. Kassovitz eröffnet mit einem innovativen, drohnenartigen Gerät dem Publikum neue Perspektiven aus der Vogelperspektive der Vororte. Er fügt Inter-Text durch Verweise auf bestimmte Aufnahmen anderer berühmter Filme hinzu. In der Spiegelaufnahme verzieht Vinz (Kassel) seine Hand in die Form einer Pistole und zeigt auf sein Spiegelbild. Er ahmt einen Mitbewohner der Gesellschaft nach, Travis Bickle (Robert De Niro), von 'Taxi Driver'.

Die Kamera startet hinter Vinz, bewegt sich auf ihn zu und dann über ihn, während er in die Spüle spuckt. Ohne schneiden zu müssen, verwandelt es sich in eine POV-Aufnahme. Aber wie macht Kassovitz das, ohne den Kameramann versehentlich im Spiegel festzuhalten? Ob Sie es glauben oder nicht, Kassovitz verwendet keinen Spiegel. Er verwendet zwei Schauspieler, einen Körper, der mit dem Rücken nach hinten gedreht ist, und einen offenen Rahmen mit Cassel auf der anderen Seite, um die Illusion des Spiegels zu erzeugen, so dass er die Aufnahme in einer einzigen Fortsetzungsbewegung festhalten kann. In einer weiteren Einstellung aus der Zeit, als die Jungs das erste Mal im Zentrum von Paris ankamen, erstellt Kassovitz eine Aufnahme aus Hitchcocks „Vertigo“, indem er die Kamera auf einem Dolly vorwärtsbewegt und dabei im gleichen Tempo herauszoomt. Das Dolly-Zoom erzeugt ein verwirrendes Gefühl wie das des tatsächlichen Schwindels, um das körperliche Unbehagen des Trios in der seltsamen neuen Umgebung widerzuspiegeln.

Es geht über den Begriff der französischen Identität hinaus.

Der Film ist eine unkonventionelle Coming-of-Age-Geschichte, aber auch eine Erkundung der modernen französischen Identität, da die Freundschaft zwischen Said, Vinz und Hubert ein kultureller Schmelztiegel ist, der der Reinheit des alten französischen Images widerspricht. Die multiethnische Dynamik spiegelt die damalige Realität Frankreichs wider und tauscht die Nationalfarben des alten Frankreichs, Bleu-Blanc-Rouge (Blau-Weiß-Rot), gegen die Farben des neuen Frankreichs, Schwarz-Blanc-Bleur ( 'Schwarz-weiß-arabisch'). Kassovitz enthüllt ironischerweise die fehlerhafte Logik hinter Frankreichs relativer Definition von sozialer Solidarität. Es sind nicht Unterschiede in der Rasse, sondern in der Kultur, die sie öffentlich als „andere“ ausgeben und ihre schlechte Behandlung vorantreiben. Nach der Entkolonialisierung war das Banleieu eine politische Lösung für den Wohnungsbau, um den Zuzug von Einwanderern zu kompensieren. Jeder Junge repräsentiert einen anderen Ort und eine andere Kultur: Hubert hat karibische Wurzeln, Said is beur, eine umgangssprachliche Bezeichnung für Franzosen mit Großeltern nordafrikanischer Abstammung, und Vinz ist für die jüdischen Osteuropäer verantwortlich. Ähnlich wie in der Doppelvision des Films verwischt der historische Kontext ihrer unterschiedlichen ethnischen Identität die Grenze zwischen Gegenwart und Vergangenheit und hinterfragt, ob sie wie Bürger oder Kolonialpersonen behandelt werden.

Der Film zeigt die Bedeutung der geografischen / topografischen Lage.

Kassovitz betont in Form und Inhalt die räumlichen Beziehungen zwischen den Figuren und ihrer Umgebung. Sein Einsatz, wenn Standort und Mobilität die Beschränkung verarmter Gruppen auf bestimmte städtische Korridore untersuchen, erinnert an amerikanische Filme wie „Boyz n the Hood“ und „Menace II Society“. „Boyz“ beginnt mit einer Einzelbildaufnahme eines Stoppschilds. In „Menace“ wird eine Straßenlaterne zum richtigen Zeitpunkt rot. Sie untersuchen nicht nur den wörtlichen Mangel an Transportmitteln, sondern auch die auferlegten institutionellen Grenzen, die zu Haft und sozialer Unbeweglichkeit führen.

In „La Haine“ kommen die Charaktere dort an, wo sie hin wollen, aber auf der anderen Seite der Strecke ist das Gras nicht grüner. Die Hälfte des Films spielt in den Vororten und die andere Hälfte im kosmopolitischen Zentrum von Paris. Obwohl man nur eine Zugfahrt entfernt ist, ist das Gehen von einem Ort zum anderen wie das Betreten eines anderen Universums. Kassovitz umfasst visuell das Verhältnis der Charaktere zur Umwelt. In den Banlieue-Szenen, die tagsüber stattfinden, strahlt Kassovitz mit kurzen Gläsern und langen Einstellungen Komfort und ein Gefühl der Nähe zwischen Mensch und Umwelt aus. Im Gegenteil, in den Pariser Szenen wird das Trio als Fisch aus dem Wasser dargestellt. Die Dunkelheit der Nacht baut auf der Verwendung langer Linsen und kurzer Einstellungen durch den Regisseur auf, um eine verzweifelte Ästhetik zu schaffen, die die Jungen aus der Landschaft herausholt.

Es zeigt, wie die Popkultur ihre Wurzeln in der jugendlichen Anarchie hat.

In der Luftbildsequenz ist das Lied, das der DJ spielt, ein Mashup von NTMs 'Nique la police'. und Edith Piafs 'Je ne regretted rien', der die enorme Kluft zwischen den Generationen von Arbeitern hervorhebt. Die Kamera bewegt sich wie musikalische Schallwellen durch die Luft und reflektiert die amerikanische Hip-Hop-Bewegung. Mit der Bewegung einer Wolke am Himmel ahmt die Kamera die Bewegung der Popkultur nach, während sie sich über den Globus ausbreitet und den Gangster-Lebensstil, der in den Texten verherrlicht ist, populär macht. In Übereinstimmung mit der Referenz „Taxifahrer“ verweist Vinz auf MacGyver, um das Verdrahten eines Autos zu rechtfertigen. Vinz ist ein Nebenprodukt gefährlicher Interpretation. Er ahmt nicht nur Filmstars nach, sondern beruft sich auch auf ihre Subversion. Die Kleidung, die Musik, einschließlich der unvergesslichen Breakdance-Szene und sogar die Sprache tragen zur Darstellung der Jugend-Popkultur bei. Die lebhafte Sprache ist bekannt als 'verlan', eine wiederbelebte Form des schwarzen Slang der 1970er Jahre, in der die Silben umgekehrt werden ('té-ci' anstelle von 'ci-té'). Der Film ist nicht nur eine Kritik der Institutionen, die die Jugend der Banlieue entfremden, sondern auch eine Kritik der Popkultur, die die Jugend dazu veranlasst, sich auf eine gewalttätige Waffenkultur als Lösung zu stützen.

Die Elemente des Surrealismus sind wesentlich.

„La Haine“ ist dialektisch und kombiniert die gegensätzlichen Stile von Surrealismus und Realismus, um die Bedeutung und Wirkung des Films zu verbessern. Da sich die Prämisse nicht leicht ausdrücken lässt, vereint Kassovitz unterschiedliche thematische Elemente, weil sie mehr als Paket aussagen als einzeln. Der Realismus gibt dem Film seine Kulisse, während der Surrealismus und die Momente der dunklen Komödie den lebendigen Rhythmus und Unterhaltungswert erzeugen. Der Surrealismus ist aufgrund seiner Offenheit von Natur aus selbstreflexiv, aber er spielt sich zu Gunsten des Films aus, indem er mit Hilfe von make believe eine Wahrheit über die Realität preisgibt, die so schwer zu erkennen ist.

Strahlenspiel der Throne

Zum Beispiel helfen die riesigen Gesichter der beiden berühmten Dichter Rimbaud und Baudelaire, die an den Seiten von Gebäuden gemalt sind, die Idee der kulturellen Überwachung zu konstruieren, obwohl sie fehl am Platz erscheinen. Die surrealen Momente, wie Vinz zufällig eine Kuh sieht, unterstreichen seinen Status als Träumer. Er träumt davon, einen Polizisten zu ermorden, aber das Ende beweist ironischerweise, dass er nicht in einem Traum, sondern in einem ewigen Albtraum lebt.

Es endet mit dem Schuss, der in der Banlieue zu hören ist.

Im Geiste von Filmemachern wie Spike Lee kreiert Kassovitz unangenehme Szenarien, um den Zuschauern keine Antwort zu geben, sondern sie zu inspirieren, mehr Fragen zu stellen. Am Ende des Films werden Sie durch die Explosion der tickenden Zeitbombe vom Platz springen. Vinz gibt schließlich die Gangsterphantasie auf und trifft eine verantwortungsvolle Entscheidung, indem er die Waffe an Hubert übergibt. Eine Gruppe rachsüchtiger Polizisten hält sie jedoch auf und drückt Vinz gegen das Auto. Der Offizier richtet die Waffe auf seinen Kopf und drückt versehentlich den Abzug. Der Schuss friert die Menge ein, als Vinz auf den Beton fällt. Hubert rennt zur Szene und zieht die Waffe heraus. Es ist ein Stillstand. Hubert und der Polizist richten ihre Waffen wie ein altmodisches Duell aufeinander. Der Bildschirm wird schwarz und ein Schuss ertönt.

Der Film endet mit dieser offenen Notiz und enthüllt nie, wer lebt oder wer stirbt. Kassovitz zeigt nicht, wer der Held ist, noch zeigt er, wer der Bösewicht ist. Die Gesellschaft drückt den Auslöser und jeder fühlt sich teilweise schuldig. Es ist ein letzter Moment, der garantiert, dass der Film Jahrhunderte lang weiterlebt.



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