Die 15 besten Filme von François Truffaut

Jeden Tag ein neues mitbringen Francois Truffaut Film zum Kriteriumsammlung ist ein guter Tag, daher ist der heutige Tag ein guter Tag. Obwohl jedes Cinephile-Lieblingslabel bereits einen Spruch aus der französischen New Wave-Legende enthält, vor allem “;Jules et Jim ”; und die Antoine Doinel Serie erscheint heute eine neue Ausgabe von “;Die weiche Haut, ”; Ein früher, oft unterschätzter Film des Filmemachers. Obwohl wir letztes Jahr ein Essentials-Feature veröffentlicht haben, um die Blu-Ray-Neuveröffentlichung von „Jules und Jim„Wir neigen dazu, bei jeder Gelegenheit über Truffaut zu schreiben. Wir haben dieses Feature hier auf 15 Titel erweitert, die chronologisch aufgelistet sind (ja, wir bereiten uns auf eine vollständige Retrospektive vor).



Truffaut ging vom entlaufenen Schuljungen zum bösen Jungen Kino-Notizbücher Kritiker, der vor seinem 27. Lebensjahr als Filmemacher hoch gelobt wurde und an einem Gehirntumor starb, der erst 52 Jahre alt war. Infolgedessen kann seine Karriere manchmal kurz, wenn auch brillant erscheinen. Truffaut steckte viel in seiner Arbeit aus einem Vierteljahrhundert und tanzte zwischen Autobiografie (seine Antoine Doinel-Serie), Krimidrama, Stundenspiel, schlauer Komödie und manchmal all dem oben Genannten. Werfen Sie also einen Blick auf unsere fünfzehn Lieblingsbilder von Truffaut: Wenn nur ein Leser inspiriert ist, nur einen dieser Filme zu entdecken, dann ist es heute ein sehr Schönen Tag.

'Die 400 Schläge' (1959)
'Die einzige Möglichkeit, einen Film zu kritisieren, um einen anderen Film zu drehen', erklärt Truffauts großartiger Freund, Rivale und Kollege Jean-Luc Godard Einmal
sagte. Und um fair zu sein, haben die beiden ihr Geld dort hingelegt, wo sie sind
Münder waren: Nach dem Umkippen des kritischen Establishments mit seiner Arbeit an
In den 1950er Jahren wechselte Truffaut zu Cahiers du Cinema
1955erEin BesuchUnd nachdem ich mich inspirieren lassen habe Orson Welles'Hauch des Bösen1958 gab er sein Spielfilmdebüt mit dem autobiografischen Titel 'The 400 Blows'. Während die Messer bei der Premiere um 1958 noch nicht dabei waren
Cannes, Truffaut hatte die bestmögliche Antwort: Er hatte einen glorreichen gemacht
Film, der den Regisseur von einem Brandkritiker zu einem von einem verwandelte
die größten Hoffnungen des Kinos. Gestützt auf seine kriminelle Jugend, die
Der Film ist der erste von fünf Filmen, die Truffaut gemacht hat, um sich auf seinen Stellvertreter zu konzentrieren
Antoine Doinel (gespielt von Jean-Pierre Leaud, damals erst 14 Jahre alt und wer hat den Regisseur getroffen
Englisch: emagazine.credit-suisse.com/app/art...1007 & lang = en (durch einen Castingbesuch in einer Zeitung), der sich hier den schlimmsten Schwierigkeiten seines jungen Lebens gegenübersah, als Schwierigkeiten bei
Haus und Schule führten dazu, dass er versuchte, seine Schreibmaschine zu stehlen
Stiefvater, was dazu führt, dass er verhaftet und in ein Zentrum für
gestörte Jungen. Eine Art gallische Antwort auf den Angry Young Man
Erzählung, die fast genau zur gleichen Zeit über die entstand
Kanal und Atlantik mitWütend zurück blicken' und 'Rebellieren ohne ein grund, '
es ist ein zutiefst bewegendes und menschliches Bild,
Genau wie alles, was jemals durch die Wirkung grassierender Hormone hervorgerufen wurde, wenn Sie vierzehn Jahre alt sind und Ihre hassen
Eltern, Ihre Lehrer und so ziemlich alle, vor allem dank der laserbeständigen Ausrichtung auf Antoine. Womit wir Truffaut meinen: Dies ist im Wesentlichen Kino in der ersten Person, wobei der Filmemacher in der Praxis demonstriert, was er gewesen ist
Ich rede so lange über die Autoren-Theorie. Mit Abstand,
Es ist leicht zu vergessen, was für ein technischer Kracher es gewesen sein muss - auch wenn das Budget begrenzt ist, sieht das schwarz-weiße Cinemascope aus
durch und durch hinreißend, und sein Befehl, wo seine Kamera hinschaut und
wo er schneidet, ist immens zuversichtlich. Der Film, der Truffaut Best gewann
Regisseur in Cannes (ein Festival, von dem er als Kritiker des
Jahr zuvor), widmet sich Andere Bazin, der große Kritiker
die gerade bestanden hatte, als sich der Regisseur auf den Film vorbereitete, und
wer war ein Mentor und so etwas wie ein Retter für ihn. Wir haben alle eine
Grund, Bazin dankbar zu sein.



“Shoot The Piano Player” (1960)
Godard folgte den Spuren seines Freundes in den Spielfilmen der 1960er Jahre.Atemlos'
(was das Paar zusammen schrieb), doch im selben Jahr folgte Truffaut
sein Debüt mit seinem eigenen verspielten Noirbild, einer Adaption von David Goodis' Roman 'Dort unten. '' Shoot The Piano Player '
ist eine eindeutige Reaktion gegen 'The 400 Blows' - Truffaut in Betracht gezogen
der letztere film sehr französisch und wollte seine liebe zum amerikanischen zeigen
Kino und gegen die Erwartungen treten und zu der Zeit sagen: „Ich wollte
Bitte die echten Filmfans und nur diese, auch wenn sie am meisten verwirrend gemeint sind
der Leute, die 'The 400 Blows' mochten. Am Ende 'Shoot The Piano
Spieler, kann jeden verwirren, aber was soll's. '
Film ist jedoch wahrscheinlich das experimentellste Werk des Regisseurs
experimentell könnte das falsche Wort dafür sein - es ist ein spielerischer Film,
boshaft und unruhig und komischer, als Sie vielleicht erwarten. Die Handlung
konzentriert sich nominal auf singende Sterne Charles Aznavour als die
Musiker des Titels in die Unterwelt gezogen, um seinen Bruder zu schützen,
aber Truffaut könnte nicht weniger an der Geschichte interessiert sein - es gibt eine
lose, freilaufende Energie näher an “Hellzapoppin‘” Als, sagen wir, Nicholas Ray,
sich an die Übertretungen und Randleisten des Regisseurs zu gewöhnen
schick. Es sagt wahrscheinlich etwas aus, dass die gesamte zweite Hälfte der
Der Film besteht hauptsächlich aus einer Rückblende. Es sollte sich wie ein Klassiker anfühlen
zweites Album-Syndrom - nachsichtig und selbstverantwortlich -, aber es gibt
etwas zutiefst ansteckendes und erfreuliches an dem Bild. Das Medium zum ersten Mal in den Griff bekommen, ist dies nun ein Regisseur
nehmen Orson Welles„Sprichwörtlich
best-train-set-a-boy-could-ask-for und bauen es in loop-the-loops
und Korkenzieher. Es ist wahrscheinlich das Godard-Bild von Truffaut
Wege, aber als ob Godard auf dem Land aufgewachsen wäre Marx Brothers und Ernst Lubitsch. Während es ein kritisches und kommerzielles Versagen ist, bedeutete dies, dass der Regisseur
Das Experiment wurde nie wirklich wiederholt. Die DNA des Films ist in vielen der folgenden Elemente enthalten.



'Jules Et Jim' (1962)
1962 'Jules et Jim'
ist der Film, der tausend rom-coms und eine Million startete
Auslandsaufenthalt in Paris mit seiner losen Liebesgeschichte
Dreieck zwischen zwei Freunden (Henri Serre und Oskar Werner) und ein freilaufendes böhmisches Mädchen (Jeanne Moreau).
Wahrscheinlich der beliebteste und zugänglichste Film von Truffaut
Szenen - das Rennen über die Eisenbahnbrücke, der Sprung in den See, die
Musikalischer Verzicht auf 'Onsest connus' - sind offensichtliche Quellen für die
montagen von delirious capering, die in vielem für romantische storylines passen
des aktuellen Kinos. Aber 'Jules et Jim' ist technisch und erzählerisch gesehen ein bemerkenswertes
abenteuerlicher und komplexer Film, den Truffaut wohl nie besser gemacht hat. 'Jules et Jim' wurde von erschossen Raoul CoutardGodards Kameramann in den 60er Jahren Costa-Gavras'Ein “;mit” ;,
und beim Anschauen dieses Films merkt man das mehr als
einer der New Wave - Direktoren (und trotz ihrer Treue zu
Autorentheorie) Es war Coutard, der die Kamera befreite und das Ganze transformierte
Gefühl des Kinos in den frühen 60er Jahren, Dreharbeiten zu Teilen von 'Jules et Jim'
von einem Aussichtspunkt auf einem fahrenden Fahrrad. Aber während der Stil ist
hyper-modern und die rebellische Stimmung fühlt sich schon sehr 1960 an
Das unterschätzte Herz von „Jules et Jim“ ist historisch. Jules et Jims
Freundschaftsgründer teils über das Thema Catherine, aber ebenso über die Tatsache, dass Jim Österreicher ist, Jules Franzose und der Film dauert
Ort vor, während und nach dem Ersten Weltkrieg: Es ist erstaunlich, wie
leicht wird dies von Leuten vergessen, die Moreaus Outfits als
letzte Wort in den 60ern cool. Obwohl es nur ein paar Features gibt
Momente der Wochenschau aus den Schützengräben, 'Jules et Jim' ist einer der großen Krieg und
Antikriegsfilme, da oben mit RenoirsDie große Illusion' und Powell und Pressburger ’;s “;Das Leben und der Tod von Colonel Blimp”;
(von dem es die Grundlagen seiner Handlung entlehnt) als Aussage über die
Mitleid und Sinnlosigkeit des europäischen Krieges. Insofern ist es seltsam
altmodischer Film, der unbequem neben dem Rest des Neuen steht
Waves Fantasien von revolutionärer Gewalt Aber es ist so
Hintergrund der Geschichte und der persönlichen Tragödie, die 'Jules et Jim' erfährt
tiefe emotionale Tiefe, die den Film noch lange nach seiner Veröffentlichung fasziniert
technische Innovationen sind in den Mainstream eingeflossen.

“; Die weiche Haut ”; (1964)

Bechdel Test Wunder Frau

Der achte Film von Truffaut, der die Criterion-Behandlung 'The Soft Skin' erhält, ist die perfekte Wahl für eine Neubewertung, insbesondere da er kritisch geteilt wurde
Stellungnahme zur Freilassung. Es hat nicht geholfen, dass es einem der meisten gefolgt ist
spektakuläre Läufe in der Kinogeschichte mit den letzten drei von Truffaut
Solo-Regisseure wie 'Jules et Jim', 'Shoot the Piano Player'
und 'Die 400 Schläge'. Aber im Gegensatz zu der Überschwänglichkeit und
Das Experimentieren mit 'Jules', 'The Soft Skin', fühlt sich klassisch an, fast langweilig
zuweilen ist eine akribische, quasi prozedurale Darstellung des Melodramas bemerkenswert
für seinen kühlen, gleichmäßigen Blick auf die Moral seiner Charaktere. Nach Pierre
(Jean Desailly), ein verheirateter, spätmittelalterlicher, berühmter Balzac-Gelehrter
als er sich auf eine Affäre mit Stewardess Nicole begibt (Francois Dorleac),
Truffaut scheint die absolute Kontrolle zu haben und wirkt irgendwie bescheiden
Folgen mit der Spannung eines Thrillers und dem banalsten Austausch
mit diamantgeschliffenen Einsichtsblitzen. Pierre und Nicole (die übrigens
ist das Thema der Zeile 'Tu dors Nicole?'
Titel für Stephane Lafleur'S wundervoller Film von 2014, den wir in Cannes rezensiert haben)
in Paris wiederverbinden, und wenn die Beats dieses Beziehungsdramas sind
markiert, als ob es ein Krimi wäre, ist das zentrale 'Versatzstück'
Zweifellos ihre abortive Reise nach Reims, während der der düstere Comic
Folgen, die bloßen Unannehmlichkeiten und die Demütigungen, die ihre
Situationsbesuch auf ihnen werden nach Hause in Kraft gebracht. Wie so oft ist es
häusliche Details wie ein Paar Strümpfe oder die Unfähigkeit, unhöflich zu sein
eine irritierende Bekanntschaft, die ihre Pläne zunichte macht und zum. führt
unverkennbare Entmannung des leicht pompösen Pierre. Aber dann in der
Das letzte Drittel, ein höchst unerwarteter Köderwechsel, ereignet sich als Pierre's Frau
Franca kommt in den Fokus - fängt seine Lügen auf, schmiedet Rache,
schreien ein Kriechen auf der Straße in einem brillanten Rückruf an Nicole
früher vorgeschlagen. Plötzlich fühlt es sich nicht mehr so ​​an
Experimentalfilm ist in der Tat sehr viel, nur auf einer Meta-Erzählung
Da es erst spät ist, taucht Franca möglicherweise als die eigentliche Hauptrolle auf
Charakter. Und erst zum Zeitpunkt des Todes ist der Film fertig
wird vollblutig zum Leben erweckt, in einem Höhepunkt, der auf Ungeduld aufgebaut ist
Querschnitt würde das tun Alfred Hitchcock stolz. Elegant, unvollkommen
und tief einnehmend.

“; Die Braut trug Schwarz ”; (1968)

Basierend wie im folgenden Jahr ’; s “;Mississippi-Meerjungfrau”; über einen Roman von
krimi Autor Cornell Woolrich, “; Die Braut trug Schwarz ”; ist angeblich eine von Truffauts breiigeren Gaben: eine reine Rachegeschichte mit einem
ikonische Spur, auf die viele als Inspiration für “;Töte Bill”;
(obwohl QUentin Tarantino verweigert es jemals gesehen zu haben). Das Bild hat sicherlich
ein Fuß in der Genrewelt, aber in Truffauts Händen verwandelt es sich in
etwas völlig Fremderes und Geisterhafteres, und obwohl es nicht so ist
Trotzdem ist es absolut erfolgreich und faszinierend. Der Film beginnt mit
trauernde, schwarzgekleidete Witwe Julie (Jeanne Moreau, wieder vereint mit
Truffaut zum ersten Mal seit dem Versuch, Jules und Jim zu töten
selbst, nur von der Mutter daran gehindert. Stattdessen hat sie
kanalisiert ihre Trauer in einen tosenden Rachefeldzug gegen die Fünf
Männer (die Charakterschauspieler wie Michael Lonsdale und Charles
Denner)
die ihren Mann an ihrem Hochzeitstag getötet haben. Es könnte einfach sein
Exploitation Tarif und wurde etwas als solche verkauft, aber Truffaut
verkompliziert die Dinge und führt ein willkommenes Element moralischer Ambivalenz ein:
Die fünf Männer zielten nicht auf den verstorbenen Mr. Julie, sondern erschossen ihn
versehentlich beim herumwedeln mit einem geladenen Gewehr, wodurch Moreau ’; s
Quest deutlich schattiger als die durchschnittliche Rache Saga (die Szene in
was sie Lonsdale's Familienvater in einem Schrank unter der Treppe versiegelt
und lässt ihn ersticken ist positiv erschreckend). Es gibt auch einige
gerissener, wenn auch kaum schräger Gebrauch der Metapher bei jedem Mann
eine andere Art und Weise darstellen, in der Männer unterdrücken, manipulieren oder
Herablassen zu Frauen, mit Moreau, der ihre Sexualität verwendet, um sie zu verursachen
Verhängnis. Mehr als jeder seiner frühen Filme 'The Soft Skin'
eingeschlossen, ist dies Truffaut, der dem Stil seines Idols Tribut zollt
Hitchcock (rechts unten zu a Bernard Herrmann Gäste), aber er ist ein sehr
anderer Filmemacher, und die Dichotomie funktioniert nicht ganz: Truffaut hat eine
lockerer Stil und hier zumindest ist er nicht
als daran interessiert, die präzisionsgefertigte Spannung seines Helden zu erzeugen.
Vielleicht stimmte Truffaut deshalb der negativen Reaktion größtenteils zu
der französischen Kritiker das Gefühl, dass der Film bestenfalls eine kompromittierte Anstrengung war
(Es war seine erste Farbe und er kollidierte mit langjähriger DoP Raoul
Coutard,
Berichten zufolge hatte er das Gefühl, er habe den Schauspielern keinen Ton gegeben
genug Aufmerksamkeit als Ergebnis). Aber während es zweifellos ein wenig mehr ist
Es ist immer noch ein betörender, reicher als einige seiner Arbeiten
Bild mit viel mehr zu entpacken als ein durchschnittlicher Rachethriller.

Acht Stunden machen keinen Tag

“Gestohlene Küsse” (1968)
Truffaut hatte Antoine Doinels Geschichte mit dem Kurzfilm von 1962 aufgegriffen.Antoine und Colette, 'Sein ohnmächtiger, federleichter Beitrag zum Anthologiebild'Liebe um zwanzig'Aber das Alter Ego des Regisseurs bekam sein nächstes echtes abendfüllendes Schaufenster fast ein Jahrzehnt später als' The 400 Blows 'mit den' Stolen Kisses 'von 1968.
und es könnte einfach das schönste der Doinel-Bilder sein. Nach dem Flirten
mit der Idee, Jean-Pierre Leaud und seinen Charakter in ein Drehbuch zu schreiben
wie „Shoot The Piano Player“ oder GodardsBande Ein Teil' und
Beginn der Arbeit an einem ausrangierten Drehbuch, basierend auf seinen Anfängen in
Journalismus, Truffaut stattdessen macht unser Held eine treibende zwanzig etwas unehrenhaft aus der Armee entlassen, schwimmt zwischen einer Reihe von Jobs
Er ist schnell entlassen worden (einschließlich eines denkwürdigen Aufenthalts als Privatmann)
Kriminalbeamter) und umkreist seine Liebste Christine (eine entzückende Claude Jade, der später in HitchcocksTopas“), Während er sich auch nach der Frau seines Chefs sehnt (Delphine Seyrig).
Es ist ein lockerer und weniger fokussierter Film als 'Blows' oder 'Antoine &
Colette “mit einer Struktur, die der Farce (wieder) sehr nahe kommt
Lubitsch und sogar Preston Sturges sich unter der Oberfläche präsent zu fühlen, und das erneute Betrachten zeigt, dass es einen offensichtlichen Einfluss aufFrances Ha').
Es hilft, dass Leaud, zu der Zeit 24, zu einem enorm beeindruckenden Menschen herangewachsen ist
Performer, der geschicktes Comic Timing sowie die Fähigkeit besitzt, das zu machen
Das Publikum identifiziert sich genauso gut wie Truffaut. Während es ein
direkter Nachfolger von 'The 400 Blows', der spirituell so viel gemeinsam hat
mit 'Shoot The Piano Player' aus dem Licht noir Fallen der
Detektivszenen zu den plötzlichen, aber durchaus wirksamen, Tonverschiebungen.
Die folgenden Doinel-Bilder, 1970erUnterkunft und Verpflegung'Und 1979'Liebe auf der Flucht, '
sind absolut sehenswert, aber der Charakter ist am besten
hier im mittelpunkt der folge konkretisiert und voll verwirklicht.

'Das wilde Kind' (1970)
Das Genre seiner Arbeit Ende der 1960er Jahre hinter sich lassen (die Thriller vonDie Braut trug Schwarz' und 'Mississippi-Meerjungfrau, 'Die Science-Fiction von'Fahrenheit 451') Um zum Thema der Kindheit zurückzukehren, Truffauts'Das wilde Kind'
markiert sein erstes Stück seit “; Jules Et Jim ”; und etwas
einer spirituellen Fortsetzung von 'Die 400 Schläge'
unkontrollierbares Kind hatte Truffaut seit einiger Zeit interessiert
(Er hatte versucht, das Recht zu erlangen,Der Wundertäter,' Über Helen Keller, wurde aber in den frühen 1960er Jahren bis auf die letzten Zentimeter geschlagen Arthur Penn), und inspiriert von einem Artikel in Le Monde, entwickelte er die Geschichte von Victor von Aveyron (Jean-Pierre Cargol), der zu Beginn des 19. Jahrhunderts auftauchte und seine Kindheit scheinbar ohne menschlichen Kontakt verbracht hatte. Das
Das Ergebnis ist bemerkenswert - ein ruhiges, intimes Bild
anders als alles, was der Filmemacher zuvor gemacht hatte. Meisten meiden
die Techniken, die er mit dem Kommen der französischen Neuen Welle popularisierte,
Stattdessen wirkt das Verfahren spärlich und fast dokumentarisch
scheint näher zu sein Bresson als zu Godard und einem Reichtum an
die Themen, die es als offensichtliche Gegenleistung für diejenigen markieren, die das finden
Regisseur leicht; Es ist ein Film über die
Schönheit der Bildung, aber auch eine Frage der Kosten, um die das
Bildung könnte kommen. Was den Film strafender klingen lässt als er ist,
weil es auch voller Schönheit, Wärme und Humor ist wie das
andere Filme des Regisseurs. Und er schafft es auch, sich persönlich zu fühlen,
Zum Teil, weil er sich in seiner ersten Hauptrolle als Dr.
Itard, der Arzt, der den Jungen aufnimmt und dessen Erzählung (oft
aus den Notizen der realen Inspiration abgeleitet) erzählt die Geschichte. Es ist
keine egoistische Note. Obwohl sein Charakter mitfühlend ist, bleibt Truffauts Film als solcher skeptisch,
Aber das Casting zeigt deutlich, wie man dem Film eines seiner Herzen schätzt
sein bestes muss gewesen sein.


“Bed and Board” (1970)

Der vierte Film (einschließlich eines Kurzfilms) in Truffauts Antoine Doinel
serie (die dieKindheit“-Esque Trick des Castings Hauptdarsteller
Jean-Pierre Leaud als Doinel in verschiedenen Stadien seines Lebens von der Jugend bis zur
bis Anfang dreißig) geht „Bed and Board“ sprudelnd und schaumig weiter
Vene von 'Stolen Kisses', und platzt so ziemlich aus allen Nähten mit
ansteckend gute Laune und eine sehr ähnliche Lebensfreude, auch wenn die
Leben ist nicht einfach. Hier holen wir mit Doinel nach seiner Heirat um
Christine (Claude Jade), mit der er den letzten Film seiner Karriere verbracht hatte
zufällige schambolische Art und Weise, und hier geht er über die Ehe in einer ähnlichen
Mode, beide klappern fröhlich herum, während sie Geige unterrichtet
und er hat einen Quatschjob Blumen für einen Laden an der Ecke zu färben. Kleine und große Ereignisse ereignen sich: Christine wird schwanger (eine Offenbarung, die geliefert wird)
in drei einfachen Szenen, die eine Meisterklasse in wirtschaftlicher sind,
serio-comic storytelling); Antoine bekommt aus Versehen einen neuen Job. ein
unheimlicher Nachbar entpuppt sich als Fernsehstar; Antoine verliebt sich in einen
Japanische Frau (Hiroku Berghauer) und beginnt eine Affäre; und Christine
entdeckt es. Doch diese Possen der Seifenoper werden mit Herz, Witz und Truffauts Markenzeichen geliefert: der Wohnung
Block erinnert an HitchcocksHeckscheibe“; die Art und Weise der
plaudernde nachbarn schweigen, als der finstere mann vorbeigeht
gerade aus Lubitsch'S'Ninotchka.Aber viel von dem
Der unbändige Optimismus des Films entspringt dem Charme von Doinel selbst: Er ist manchmal so skurril und kindlich, dass er unmöglich ist
nicht mögen, selbst wenn er gedankenlos grausam gegenüber seiner Liebsten ist,
Sonnenschein-y Frau. Der Schlüssel zu Doinel in den Filmen nach 'The 400 Blows' ist
immer nur das: Er kann egoistisch und gereizt sein, aber er ist es
fast ganz ohne böswilligkeit, was sich in der szene wo perfekt zusammenfasst
Er verlässt wiederholt den Tisch seiner Geliebten, um sich über sie zu beschweren
rufe seine entfremdete Frau an. Hier steckt so viel Witz, aber auch Weisheit, die 'Bed and Board' eine hoffnungsvolle Substanz verleiht
Unter seiner schwindelerregenden Oberfläche: Beim letzten Mal verhandelte Doinel mit dem
Fallstricke jugendlicher Leidenschaft, aber hier hat Truffaut eine ebenso liebenswürdige Sichtweise
von der Art von Beziehung, die durch das Bild von Antoine und Christine einfach hervorgerufen wird
Seite an Seite im Bett lesen, bevor das Licht ausgeht - obwohl sie jeweils Bücher lesen
natürlich in Bezug auf ihre geheimen Lustobjekte.

“Zwei englische Mädchen” (1971)
Gegeben
Dass 'Jules Et Jim' einer seiner größten Erfolge war, können Sie nicht verurteilen
Truffaut für die Rückgabe an den Autor des Ausgangsmaterials des Films, Henri-Pierre Roche
(der bekanntermaßen 74 Jahre alt war, als er seine eigentliche Karriere als Schriftsteller begann) und die zweite anpasste
seiner beiden großen Romane auf dem Bildschirm. Aber es ist immer noch überraschend, dass
Trotz 'Two English Girls' dreht sich auch alles um eine Liebe
Dreieck fühlt es sich dabei genauso wild anders an als sein Vorgänger
unerlässlich im Truffaut-Kanon. Wie der Titel vermuten lässt, diesmal
In der Geschichte dreht sich alles um einen jungen Mann und seine Romanzen mit zwei
Britische Frauen - in diesem Fall Claude (Jean-Pierre Leaud, eine Kreation ganz anders als Antoine Doinel), die sich in die jungfräuliche, kränkliche Muriel Brown verliebt (Stacey Tendeter),
nur damit eine erzwungene Trennung zu einer Beziehung mit ihr führt
ältere Schwester Ann (Kika Markham). Trotz seiner Beziehung zu 'Jules Et Jim' wirkt dieser Film eher wie ein Begleiter von 'The Wild Child' und nutzt eine Zeiteinstellung und eine
leiser, literarischer, auch dank des intensiven Gebrauchs von
Erzählung und Buchstaben. 'Jules Et Jim' fühlte sich wie ein Film über das Sein in
das Herz einer Liebesbeziehung, aber 'Two English Girls' ist ein wehmütiger
und melancholisches Stück, das lange nach der Tatsache zurückblickt. Nicht, dass es so wäre
Mangel an Leidenschaft - die Szene, in der Claude und Muriel endlich schlafen
zusammen ist eine der unvergesslichsten und herzzerreißendsten Szenen von Truffaut
jemals geschossen. Und bei aller Melancholie ist es auch an manchen Stellen sehr lustig.
Zusammen mit 'The Wild Child' markiert 'Two English Girls' das Ende von
Truffauts wilder junger Mann beweist aber, dass sein Eintritt in
Das mittlere Alter könnte dazu führen, dass die Arbeit genauso lohnend wird wie alles, was kommt
Vor.

“Tag für Nacht” (1972)
Der wohl größte Film, der jemals über das Drehen von Filmen gedreht wurde, 'Day For Night'
ist Truffauts Liebesbrief an die
Medium, das sein Erwachsenenleben beherrschte. Passenderweise auch
eines seiner Meisterwerke aus massivem Gold. Der Film ist reichhaltig und fast schon romanhaft und beschreibt die Entstehung eines ziemlich schrecklichen historischen Dramas mit dem Titel „Meet
Pamela “, eine Szene voller Drama und Katastrophen, die sich auszahlen würde Terry Gilliam
ein wenig verängstigt, als der Regisseur (gespielt von Truffaut selbst)
ringt mit kleinen und großen Problemen und die Besetzung und die Crew machen
raus, aufbrechen und miteinander schminken. Locker strukturiert ohne
fett sein (es ist so etwas wie ein Vorläufer des Stils, Robert Altman
ungefähr zur gleichen Zeit entwickelt wurde), ist es näher an a
Anekdoten im Wert von mehr als einem Jahrzehnt, aber das ist alles
angenehmer dafür, mit einer All-Star-Besetzung (einschließlich Jean-Pierre Leaud in einer seltenen und etwas metafremden Nicht-Antoine-Doinel-Aufführung als junger Schauspieler, ein Karriere-Bester Jacqueline Bissetund in einer neugierigen Kamee, Graham Greene)
klar die Chance zu genießen, sich und ihre zu senden
Kollegen. Nur wenige Filme haben das langweilige, bekämpfende, seifige Drama eingefangen
und zurückhaltende Panik, einen Film tatsächlich besser zu machen, und noch weniger
zeigte die Magie und Trickserei bei der Dreharbeiten sogar als
hacky und mittelmäßig wie 'Meet Pamela' - Truffaut unterstreicht die Kunstfertigkeit
seiner eigenen Technik, auch wenn er sich mit der des
Film im Film. Der Film ist verblüffend in Ungnade gefallen
etwas in den letzten Jahren, aber es ist
eine der besten und unterhaltsamsten Errungenschaften von Truffaut. Das Ergebnis von
häufiger Mitarbeiter Georges Delerue ist übrigens auch eine Freude.

'Die Geschichte von Adele H' (1975)

'Eine musikalische Komposition für ein Instrument', so beschrieb Truffaut
'Die Geschichte von Adele H', und es ist keine Untertreibung in Bezug auf die Zentralität
der leuchtende, dann 19-jährige Isabelle Adjani in der Titelrolle.
Aber basierend auf den echten Tagebüchern der Adele Hugo, der jüngsten Tochter
des berühmten Victor Hugo, der an einer akuten Form der Erotomanie (und möglicherweise Schizophrenie) litt, die sie bei dem Objekt in den Wahnsinn trieb
ihrer Besessenheit lehnte sie ab, nachdem sie kurz mit Truffauts gereizt hatten
Film ist viel weniger streng, als diese Beschreibung vermuten lässt. Tatsächlich ist es eine wilde, großartig leidenschaftliche Zeitsaga, die ihre umwerfende Schönheit ausTage des Himmels”DP Nestor Almendros
makellose Kameraführung und das außergewöhnliche Bühnenbild und Kostümdesign sowie Adjanis bemerkenswertes Gesicht: sowohl jugendlich als auch jugendlich
Ausdrucksvoll gequält. Während
es gibt keine übernatürliche Aktivität, 'Adele H' fühlt sich an wie eine Geistergeschichte,
mit Adele benimmt sich wie eine Frau besessen, als sie ihrem Geliebten Leutnant folgt
Pinson (die ebenso atemberaubende Bruce Robinson -Ja, Das Bruce Robinson wer
würde später leiten “Withnail und ich“) Von Kontinent zu Kontinent, unter der Annahme falscher Identitäten, bevor sie ihre Sinne endgültig verlässt
und für vierzig Jahre in eine Anstalt eingewiesen werden (13 Jahre später, Adjani
Ich würde auch Camille Claudel spielen, einen anderen berühmt instabilen Franzosen
Heldin, die jahrzehntelang in einer Nervenheilanstalt lebte). 'Adele H' kann
Für Truffaut mit seinem korsettierten, ausdrucksstarken Gesicht atypisch
Performances, die dem modernen, gesteigerten Naturalismus, den er war, zuwiderlaufen
besser bekannt für. Und doch ist es ein ähnlicher falscher Vergleich, der behauptet 'Das Alter der Unschuld' ist kein echt Scorsese movie —Truffaut’s
Auch hier zeigt sich ein homagistischer Stil (obwohl er sich vielleicht auf den bezieht)
Hitchcock von “Rebecca' oder 'Jamaica InnEher als alle anderen) und die
mühelose Anmut, mit der er diese üppige, hoch angespannte macht
Ein Melodrama, das so zwanghaft zu sehen ist, ist unverkennbar. Es ist jetzt bekannt
vor allem für Adjanis Kraftpaket: Es ist die erste von vielen verrückten Frauen
sie würde in ihrer angesehenen Karriere spielen, aber 'Die Geschichte von Adele H'
verdient einen weiteren Blick auf Truffauts Kanon. Es ist
wahrscheinlich der nächste, den er jemals einem allumfassenden „Frauenbild“ und dem kam
quasi gespickt mit emotionalem Drama.


“Kleingeld” (1976)
Der Abschluss einer inoffiziellen Trilogie über die Kindheit begann mit „The 400 Blows“ und endete mit „The Wild Child“, „Small Change“.
ist der Höhepunkt von fast zwanzig Jahren Arbeit - Truffaut hatte begonnen
Notizen für ein Projekt zu machen, das eine Reihe von Geschichten über sich vereinen würde
Kindheit Mitte der 1950er JahreDie Mistonen' kam heraus
dieser Notizen). Ohne viel Notwendigkeit, es in die Erzählung zu schieben, die
Der Film besteht nicht so sehr aus Episoden, sondern aus Ausschnitten von
das Leben einer Gruppe von Kindern, und in weniger guten Händen könnte dies leicht sein
drohte in eine Art hochkarätige Version von 'schlüpfenKinder sagen die tollkühnsten Dinge. '
Eine Schlussfolgerung in diese Richtung wäre jedoch, die Fähigkeiten von Truffaut zu unterschätzen. Lehnend
Dieser Film ist mehr auf Dokudrama als auf 'Das wilde Kind' spezialisiert
improvisiertes Gefühl, was darauf hindeutet, dass diese nicht Schauspieler sind (was sie sind)
aber echte Kinder hüpfen für ein paar Minuten auf den Bildschirm
Zeit. Und zum Glück sind die Kinder wunderbar, von der herzzerreißenden,
Antoine Doinel-like Julien zum fast lautlos-komödiantischen Wechselspiel
zwischen einem 2-jährigen und einem Kätzchen in der Nähe eines gefährlich offenen Fensters. Selten
für einen Film, der sich ausschließlich mit Kindern befasst (einige Eltern oder Lehrer tun dies auch)
erscheinen, aber als Nebenspieler) gibt es wenig
Sentimentalisierung oder Heiligung der Kindheit - das sind nur Kinder
Als Kinder erzählen Sie schmutzige Geschichten, die Sie nicht wirklich verstehen
lernen, für sich selbst zu kämpfen. Lassen Sie sein Kind auf sich wirken
screen ist eine knifflige Angelegenheit, aber sie funktioniert. Steven Spielberg, der kurz darauf mit dem Regisseur zusammengearbeitet hat “Begegnungen dritter Art“, Behauptet er, er habe dank Truffauts Rat gelernt, Kinder zu leiten.

“The Green Room” (1978)
Truffaut
größte finanzielle Katastrophe und ein Film viel düsterer und dunkler als
Der größte Teil seiner Arbeit ist auch eine seiner besten und mit Sicherheit eine seiner
am meisten unterschätzt. Zwei anpassen Henry James Kurzgeschichten, 'Der Altar der Toten' und 'Das Biest im Dschungel'In diesem Film wird Truffaut selbst als todbesessener Journalist und traumatisierter Überlebender des Ersten Weltkriegs gezeigt, der auf Cecilia stößt.'Nathalie Baye),
eine jüngere Frau, die auf demselben Friedhof rumhängt. Truffaut (wer war
nur noch sechs Jahre von seinem eigenen Tod entfernt) waren zunehmend geworden
vom Tod beschäftigt, vor allem nach dem Tod der Cinematheque
Französischer Regisseur Henri Langlois und Freund Roberto Rossellini und nach dem Anschauen von 'Shoot The Piano Player' und dem Realisieren dieser Hälfte von
die auf dem Bildschirm waren nicht mehr am Leben. Die Frage, wie wir als
Gesellschaft Ehre der Toten wurde ein großes Interesse des Filmemachers, der
Der Höhepunkt war dieses zurückhaltende eindringliche Bild, das ganz von einem anderen Filmemacher zu stammen scheint. Als die Arbeit eines fairen
engagierter Atheist, es ist ein bemerkenswert seelenvolles und nachdenkliches Bild in
seine Behandlung von Tod und Trauer, aber sein Markenzeichen Menschlichkeit ist nie
weit weg von der Oberfläche und die langsame, allmähliche Bindung zwischen Truffauts
Julien und Bayes Cecilia und ihr gemeinsamer Schreinbau sind
einer der bewegendsten Aspekte des gesamten Schaffens des Regisseurs. Nicken zu
Bergman im Thema und zu Tarkovsky in der Form (die Fotografie durch häufiges
Mitarbeiter Nestor Almendros, der Truffauts Ansprechpartner war
'ernsthaftere' Kost, könnte der auffälligste aller seiner Filme sein),
Es ist definitiv ein Outiler in seiner Karriere und wahrscheinlich der am wenigsten zugängliche
Film, aber ist umso lohnender, wenn Sie ein wenig Zeit damit verbringen.

“; Die Frau von nebenan ”; (1981)

Truffaut begann die 1980er Jahre mit einem seiner größten Erfolge, dem
Oscar-nominierte, mehrfache Cesar-Gewinner-Kassenschlacht “;Die letzte Metro. ”;
Einige Truffaut-Fans werden denken, dass es Gotteslästerung ist, aber wir sind es tatsächlich
mehr in das Follow-up des Regisseurs verliebt, seine zweite Zusammenarbeit mit
Star Gerard Depardieu, die straffe, zurückhaltende Hitchcock-Beziehung
Tragödie “; Die Frau von nebenan ”; Entwickelt aus einem ungemachten Projekt von der
Anfang der 1970er Jahre als “;Auf den Schienen”; das hätte Jeanne Moreau zusammengebracht
und Charles Denner und locker auf den Mythos von “ riffing;Tristan &
Isolde
, ”; Der Film spielt Depardieu als Bernard, dessen Existenz mit seiner
Ehefrau (Michele Baumgartner) und Kinder wird bei einem Pärchen unterbrochen
nebenan ziehen: die neue Braut von Philippe (Henri Garcin) ist Mathilde
(Fanny Ardant in ihrer ersten Großbildaufführung: sie und Truffaut
wurde romantisch beteiligt während der Produktion und waren zusammen
bis zu seinem Tod), sein Ex-Liebhaber aus einem Jahrzehnt oder so früher. Es war
eindeutig eine instabile, leidenschaftliche Angelegenheit, und die beiden versuchen es zu vermeiden
einander zunächst, aber es ist klar aus der Art und Weise, die keiner erwähnt
ihre Geschichte zu ihren jeweiligen Ehepartnern, die
sie werden am Ende mit schrecklichen zueinander zurückgezogen
Konsequenzen für alle Beteiligten. Fast mythisch erzählt von Behinderten
Tennisclubbesitzerin Madame Jouve (Veronique Silver), der das trägt
Narben einer unglückseligen Romanze (Truffaut fügte das Rahmungsgerät hinzu)
Postproduktion, und es ist schwer, sich den Film ohne sie vorzustellen), es ist eine
von den dunkelsten Bildern des Regisseurs, die an die Spätzeit erinnern
Hitchcock und ein viel erfolgreicherer Versuch, die Meister zu fangen
Stil als sagen wir, “;Die Braut trug Schwarz, ”; komplett mit einem elegant tragischen und
straffes Drehbuch und kontrollierte, sorgfältige Gestaltung, unterstützt von grandiosen
Foto von William Lubtchansky (“;Holocaust”;). Und in Depardieu
(Um wen wollte Truffaut einen Film nach seinem kleineren Teil in bauen
“; The Last Metro ”;) und Ardant, Truffaut hatten zwei der besten
Auftritte, die er jemals erhalten hat: der erstere eine freundliche Nase
Wer hält seine leidenschaftliche Seite weg, der lenkt hilflos in
Etwas, von dem sie weiß, dass es eine Katastrophe sein wird. Das
Der Film findet seine perfekte Metapher, als Depardieu und seine Frau a
Paar schreiende Katzen: Kämpfen sie oder ficken sie? Es ist ein
feine Linie in der Mitte eines der mehr
unterbewertete Filme im Truffaut-Kanon.

David Thewlis Fargo

'Vertraulich Ihre' (1983)
Dies
ist wahrscheinlich in einigen Bereichen eine kontroverse Entscheidung, aber wir werden bereitstehen
it: Truffauts letzter Film ist zweifellos ein kleines Werk, aber
fühlt sich im Nachhinein (auch von Truffaut, der
abgetan) und ist vielleicht sein meist voll erreichtes und erfreuliches
Experiment in Verbrechen Noir. Beyogen auf 'Die lange Samstagnacht' durch Charles Williams (wer schrieb auch das Buch, dass “Totenstill”Basiert auf), es ist ein schlauer Umschwung des Mystery-Thriller-Genres, das Barbara (Fanny Ardant), der Sekretär des Immobilienmaklers Julien (Jean-Louis Trintignant), treten Sie ein, um den Namen ihres Chefs zu löschen, wenn er beschuldigt wird, den Liebhaber seiner Frau getötet zu haben. Nicke mehr zu etwas wie „Der dünne Mann'
und sogar eine Screwball-Komödie (Truffaut bat Ardant, ihre Zeilen aufzuführen
Dies ist auch eine Rückkehr zu dem Einfluss, den Hitchcock hatte
an diesem Punkt einen Rücksitz eingenommen. Aber während “Die Braut trug Schwarz'
Manchmal fühlte es sich eher nach Nachahmung als nach Hommage an: „Vertraulich
Mit freundlichen Grüßen “fühlt sich zu 100% wie ein Truffaut-Bild an. Das
Schwarzweißfotografie ist authentischer - es scheint oft, als wäre sie ein verlorenes Juwel aus einer früheren Zeit
irgendwie gerade erst ausgegraben worden. Es ist vielleicht umso rührender als
Der Film ist eindeutig ein tief empfundener Liebesbrief an Ardant. Truffaut hatte
Beziehungen zu vielen seiner Hauptdarstellerinnen, aber keine sind mehr
glühend gewürdigt als Ardant. Während
Es ist verlockend zu wünschen, dass Truffaut seine Karriere mit einem Valedictory Note beendet hätte. Es wäre schwer, ihm dies abzusprechen, auch wenn es nicht sehr lustig war.

Anerkennungen: Sie könnten das Argument vorbringen, dass Truffaut niemals
Wir haben einen wirklich schlechten Film gedreht, aber wir hatten nicht die Zeit, über alles zu berichten
hier (obwohl ich diesen Raum irgendwann für die vollständige Retrospektive betrachte)
bald). Aber in Kürze gibt es auch frühe Shorts “;Ein Besuch,”; “;Das
Unfug Makers
”; und “;Eine Geschichte von Water ”; (Letzteres in Ko-Regie mit
Godard), zusammen mit 1961 ’; s “;Das Armeespiel”; Co-Regie mit Claude aus
Givray
und 1962 ’; s “;Antoine und Colette, ”; sein Segment der “;Liebe bei
Zwanzig
”; Portmanteau-Film und der zweite Film in der Antoine Doinel
Reihenfolge.

Gordon Ramsey unbekannt

1966 ’; s Ray Bradbury Anpassung und Truffauts englischsprachiges Debüt “;Fahrenheit 451”; hat den Ruf einer Fehlzündung, ist aber immer noch eine
interessantes und leistungsfähiges Bild, das in kritischem Respekt vorbei gewonnen wird
die Jahre. 1969 ’; s “;Mississippi-Meerjungfrau, ”; isn ’; t
so effektiv wie “; Die Braut trug Schwarz ”; und ist definitiv einer der
Die am wenigsten erfolgreichen Unternehmungen des Regisseurs, obwohl es immer noch Elemente dafür gibt
singen, vor allem die Führung dreht sich durch Jean-Paul Belmondo und Catherine
Deneuve.

Im Vergleich dazu wurde 1979 ’; s “;Liebe auf der Flucht”; fühlt sich an wie der minderjährige,
Clip-Show-esque näher an der Doinel-Serie, aber 1972 ’; s “;So eine wunderschöne
Kind wie ich
”; Es könnte sein am wenigsten würdiger Film sein, eine ungleiche Mischung aus Verbrechen
Film und Farce, die starke Momente haben, aber nicht als Ganzes funktionieren.
1977 ’; s “;Der Mann, der Frauen liebte”; funktioniert viel besser als komödie hat aber
weniger gut gealtert als einige der Filme des Regisseurs, während 1980 ’; s “;Das Letzte
U-Bahn
”; ist für jemanden eines seiner größten Meisterwerke, aber für uns ist es
eher selbstwichtiger und selbstbewusster als die
Andere Ausgabe des Regisseurs. Was hätten wir Ihrer Meinung nach auf unsere Liste setzen sollen?
Lassen Sie es uns in den Kommentaren wissen, denn wir könnten den ganzen Tag über mit Truffaut sprechen. - Es gab Lyttelton, Jessica Kiang, Ben Brock









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