Die Filme von Rainer Werner Fassbinder: Eine Retrospektive

'Ich wäre gern für das Kino, was Shakespeare für das Theater, Marx für die Politik und Freud für die Psychologie war: jemand, nach dem nichts mehr wie früher ist, ”; Deutscher Regisseur Rainer Werner Fassbinder einmal erklärt, wahrscheinlich halb ernst, halb scherzhaft.



Fassbinder starb 1982 im Alter von 37 Jahren an einer tödlichen Kombination von Schmerzmitteln und reichlich Kokain. Der Legende nach arbeitete er bis zu seinem Tod, und Seiten und Notizen aus einem nicht gefilmten Drehbuch wurden neben seinem Körper gefunden. In jedem anderen Fall mag dies ein Mythos sein, aber Fassbinders hinterer Katalog beweist, dass er ein Mann war, der ständig am Werk war: Im Laufe seines kurzen Lebens machte der überproduktive Filmemacher, als ob er Emotionen und Ideen in Mitleidenschaft ziehen würde, erstaunliche 40 Spielfilme, zwei Fernsehserien, drei Kurzfilme und 24 Theaterstücke. Was wirft die Frage auf, was wir mit unserem Tag gemacht haben? Dieses rasende Tempo forderte jedoch einen hohen Tribut. Seine drogenabhängige Arbeitsmoral war weder für ihn noch für die, mit denen er zusammengearbeitet hat, und für viele seiner Beziehungen (insbesondere zur Schauspielerin) von Vorteil Irm Hermann) waren komplex (hier spielt die Bisexualität von Fassbinder eine Rolle) und grenzüberschreitend missbräuchlich. Er stieß in der Presse auf erbitterte, persönliche Kritik, war aber gleichzeitig seinen Mitarbeitern gegenüber äußerst loyal und beschäftigte häufig immer wieder dieselben Schauspieler, zumindest bis er sie entfremdete. Er war zweifellos ein schwieriger Mann, der mit kreativer und chemischer Energie so weiß, dass es im Nachhinein unvermeidlich erscheint, dass er, wenn er so hell brennt, früh ausbrennt.

Inmitten seines turbulenten Privat- und Berufslebens wurde er zu einem großartigen Regisseur, der in seinen besten Momenten ein handwerkliches Niveau und tief empfundene Emotionen erreichte, die seinem Ruf als Gonzo-Wildkind eher widersprechen. Seine besten Filme zeigen einen Filmemacher, der sowohl mitfühlend als auch fast aggressiv unsentimental in seinen unromantisierten Porträts von leidenden, verlorenen Seelen ist. Eine zentrale Figur in der Generation des deutschen Kinos, die auch produzierte Werner Herzog und Wim WendersNatürlich hat es niemand, der so viele Filme wie Fassbinder gemacht hat, jedes Mal aus dem Park geworfen - er selbst hat das Filmen mit dem Bauen von Häusern gleichgesetzt, und einige Filme waren Klempnerarbeiten oder unordentliche Verkabelungen -, aber es gibt mehrere düstere Klassiker in seinem ouvre, und es ist selten, einen seiner Filme zu finden, der es nicht wert ist, bis zu einem gewissen Grad gesehen zu werden.



So etwas wie ein obskurer verlorener Klassiker des Regisseurs, der TV-taugliche zweiteilige Science-Fiction-Film “Welt auf einem Draht, “Wird derzeit in den Kinos in den USA neu aufgelegt (lesen Sie unsere Rezension hier und sehen Sie auf der offiziellen Website nach, wann es in Ihrer Nähe läuft), und wir dachten, wir würden dies als Ausrede verwenden, um ein Auge auf Fassbinders zu werfen zurück Katalog. Es ist eine einschüchternde Sammlung - wir sind nicht sicher, ob irgendjemand im Team mehr als 45% seiner Filme gesehen hat -, aber wir haben eine anständige Kluft zwischen uns, und für jeden, der diese faszinierende Filmografie noch nicht entdeckt hat, hoffen wir, dass Sie Ich finde hier einen guten Ausgangspunkt. Schau es dir nach dem Klick an.



“; Liebe ist kälter als der Tod ”; (1969)
Fassbinders Debütfilm, der in Berlin gebohrt wurde und nun den Beweis für die Ankunft eines wirklich talentierten Menschen liefert, bietet eine persönliche Sicht auf das Gangster-Genre in einer französischen New-Wave-Palette. Der Schläger Bruno (Ulli Lommel, der später Stammgast bei Fassbinder wird) wird in den Plan eines Verbrechenskonsortiums verwickelt, den gemeinnützigen Zuhälter Franz (der gute Rainer Werner im Fleisch) zu töten, nur damit eine Freundschaft zwischen Franz und Bruno entsteht. Nach einer erfolgreichen Operation beschließt das Team (mit der Prostituierten Joanna), eine Bank auszurauben, obwohl das Vertrauen zu schwanken beginnt und die Dinge nicht wie geplant verlaufen. Wie eine Mischung aus „Band of Outsiders“ und „Le Samurai“ mit einer vagen Prise von „The Trial“ von Orson Welles ist „Love is Colder Than Death“ ein leidenschaftlicher Film, der aus einem Kopf voller kreativer, grenzüberschreitender Ideen sprudelt . Ständig werden zuversichtlich lange Einstellungen verwendet, die vierte Wand ist zusammenzuckend gebrochen, und gelegentlich überzieht ein ätherischer, etwas dissonanter Soundtrack die Szenen (selbst ein Ausflug in das Lebensmittelgeschäft fühlt sich himmlisch an). Einige mögen das sehr offensichtliche Low-Budget-Verhalten entschlüsseln; der größte Schuldige ist das Fehlen von Schusswunden (POP, der ermordete Sturz). Fassbinder macht jedoch seinen Mangel an Kratzerarbeit: Seine Charaktere sind so unglaublich nihilistisch, dass sie das Gewicht ihrer Handlungen unmöglich nachvollziehen können. Indem der Anblick von Einschusslöchern und Blut irrelevant erscheint, konzentriert sich der Regisseur stattdessen auf das Gewicht des Todes - in einer erstaunlich geduldigen Sequenz tötet Bruno einen Mann, und die Kamera folgt ihm, während er sich bemüht, die Leiche ins Auto zu bekommen, fährt zu eine Müllkippe und fährt fort, den Körper zu begraben. Abgerundet mit einem Sinn für Humor (das Trio hat die Sonnenbrille gestohlen, um sich mit der Verkäuferin zu verabschieden; ein Waffenhändler arbeitet in einer Schuhreparaturwerkstatt), ist 'Liebe ist kälter als der Tod' nicht perfekt, aber es ist die eine Art erster Streifen, der die jungen Filmemacher dieser Generation zu Energie und Optimismus anregen sollte … wenn sie noch nicht in Studentendarlehensschulden ertrunken sind. [EIN-]

“; Warum läuft Herr R. Amok? ”; (1970)
Wahrscheinlich das einfachste Merkmal des Mannes (nicht inhaltlich, sondern im Stil des Erzählens). Herr R. versucht, die Umstände zu untersuchen, unter denen ein äußerst durchschnittlicher Mensch einen Mord begehen kann (oder auch nicht). Fassbinder untersucht das Leben des Titelcharakters bis ins kleinste Detail, von der Unterstützung seines Sohnes bei den Hausaufgaben bis zum Aushalten der Stand-up-Routine seiner Kollegen. Diese Szenen werden bei einer Analyse nach dem Screening (oder der zweiten Beobachtung) noch schwerer zu schlucken, da die Ausdruckskraft von Kurt Raab viele Komplexitäten mit sich bringt - es wäre einfach gewesen, die Figur leer oder neutral zu spielen, aber der tschechische Schauspieler lümmelt herum und nimmt sie auf Jeder Moment auf eine Art und Weise, die darauf hindeutet, dass sich jede Verärgerung, jede Respektlosigkeit und jeder unangenehme Moment langsam häufen und ihn vielleicht gleich brechen werden. Oder vielleicht doch nicht. Man kann sicherlich die Auswirkungen einer bestimmten Szene diskutieren und darüber streiten, ob sie für sich allein den Schalter umlegt. Man kann aber auch immer auf die andere Seite der Medaille schauen und für Unschuld plädieren. Die Art und Weise, wie der Filmemacher die komplizierte Entstehung von Gewalt darstellt, ohne konkrete Antworten zu geben, verleiht dem Verfahren sowohl psychologischen Respekt als auch einen fast unerklärlichen Horror - Fassbinder weiß, dass Menschen für vereinfachende und reduzierende Bezeichnungen viel zu kompliziert sind. Sein Ansatz ist verlockend; Tatsächlich hat Michael Haneke das Brot und die Butter daraus gemacht, und eine modernere Interpretation dieser langsamen Beobachtung ist in Cristi Puius „Aurora“ zu sehen. Es ist zwar ein bisschen geduldig, aber es gibt unbestreitbar etwas Faszinierendes darüber. Es ist erwähnenswert, dass die Autorenschaft dieses Films etwas umstritten ist: Hanna Schygulla, eine der Lieblingsschauspielerinnen von Fassbinder, behauptet, dass Co-Regisseur Michael Fengler im Grunde für den Film verantwortlich war. [B +]

'Der amerikanische Soldat' (1970)
Sein dritter Spielfilm ('Warum führt Herr R. Amok?') Und sein zweiter in diesem Jahr, wenn Sie an die Sirk-ian-Melodramen des Fassbinder-Mittelteils gewöhnt sind Karriere, die Französisch New Wave-ish “; The American Soldier ”; sticht hervor wie eine grelle Anomalie; ein stilvolles noir-krimi-bild, das sich anfühlt, als hätte es von gemacht werden können Jean-Luc Godard (Aber es ist tatsächlich das dritte in seiner frühen Gangstertrilogie.) Fast. Verwenden von Gangstertropen, um die Frustrationen der Liebe auszudrücken - und in der Tat den gleichnamigen Hit-Mann, der von dem bekannten und softspoken Fassbinder-Schauspieler gespielt wird Karl Scheydt scheint viel Zeit nackt mit Frauen im Bett zu verbringen, ohne jemals eine echte Begeisterung zu verspüren - das Bild sieht aus wie eine Raoul WalshGangster-Bild gemacht, aber fühlt sich existenzieller in Stimmung und Tenor (der engste Vergleich könnte Godard sein ’; s “;Alphaville,”; aber es ist nicht ganz so seltsam). Die Handlung dreht sich um Scheydt, einen unruhigen Amerikaner aus Vietnam, der vom Staat als Attentäter angeheuert wurde, um die Münchner Unterwelt auszulöschen. Er tut genau das, gerät dann aber in Schwierigkeiten, als drei Polizisten ihn einstellen, um ihre eigenen Gegner auszuschalten, aber ein Doppelkreuz planen. Die Handlung spielt in diesem Bild, in dem Fassbinder eine kleine Rolle als kollaborierender Schläger spielt, jedoch kaum eine Rolle. es ist einzigartig Fassbinder: ein Genrebild, das als Maske für etwas viel Undurchschaubareres verwendet wird. [B]

“; Vorsicht vor einer heiligen Hure ”; (1971)
Der gute alte Film über das Filmemachen. Einige unserer besten Autoren haben sich mit diesem Subgenre befasst. Künstler wie Francois Truffaut, Woody Allen, Olivier Assayas und Federico Fellini haben alle dazu beigetragen, die oft lächerlichen Momente hinter der Kamera in Szene zu setzen. Es ist leicht zu erkennen, wo diese Profis solch reifes Material gesehen haben - verwenden Sie das Medium, um das ihm innewohnende Chaos zu entschlüsseln -, aber es ist schwieriger zu verstehen, warum es uns als Publikum letztendlich interessieren sollte. Aufgenommen als der Regisseur 25 war und basierend auf persönlichen Erfahrungen während der Produktion von 'Whity', leidet das unglaublich betitelte 'Beware of a Holy Whore' an den gleichen Mängeln, die die meisten dieser Filme aufweisen (mit der wahrscheinlich einstimmigen Ausnahme ' 8 1/2 ”; die andere Ausnahme wird wahrscheinlich von dem Regisseur sein, auf den Sie besonders scharf sind). Die Handlung betrifft eine Crew, die, angeführt von einem schwankenden Filmregisseur (Lou Castel, der auch in „Irma Vep“ auftritt) und einem abgehaktem Produzenten (gespielt von einem wütenden Fassbinder), Probleme hat, sich zusammenzureißen, um eine Single zu blockieren Szene. Geld wird fallen gelassen, Spannungen steigen, Ego wird verletzt - immer die Zutaten für ein solides Drama. Als Regisseur spielt Fassbinder die Dinge zuerst langsam, dann, wenn der Abstieg in die Frustration einsetzt, kommen und gehen die Szenen viel hektischer. Es ist nicht ohne Momente (wie der Eröffnungsmonolog über Goofy als gescheiterte Kindergärtnerin), aber es ist unvermeidlich, dass das Ganze etwas zart ist. Vielleicht liegt es daran, dass wir all diese Schrecken bereits kennen. oder vielleicht ist es das, Fellinis Opus ausgeschlossen, dass sie alle einen ähnlichen Weg zurücklegen, um zu dem gleichen Ergebnis zu gelangen. Zu 'Inside Baseball'? Zu 'wink-winky' für Filmemacher? Schwer zu sagen, genau. Die Selbstdarstellung des Filmemachers, gemessen an Berichten über sein persönliches Leben und Verhalten, scheint genau das Richtige zu sein, und es lohnt sich auf jeden Fall, ihn von seiner rauesten Seite zu sehen. Wenn Sie jedoch kein Fanatiker sind, werden Sie den Rest des Verfahrens vielleicht als etwas unaufschlussreich empfinden. [C +]

'Die bitteren Tränen von Petra Von Kant”(1972)
Der Begriff Melodram hat mittlerweile negative Konnotationen: überspielte, überzogene Emotionen mit wenig Subtilität oder Subtext. Aber wie Darren Aronofsky letztes Jahr mit 'Black Swan' bewiesen hat, wenn es Ihnen nichts ausmacht, mit Ihrem Drama Vollgas zu geben, können Sie wirklich etwas Besonderes erreichen, und Fassbinder tötet es in 'Die bitteren Tränen von Petra Von Kant' Englisch: www.goethe.de/kue/arc/thm/nba/en360536.htm In seinem Spiel des Vorjahres, das laut Jonathan Rosenbaum selbst stark autobiografisch war (eine verschleierte Version der Dreiecksbeziehung zwischen dem Regisseur, seinem schwarzen bayerischen Geliebten Günther Kaufmann und seinem Assistenten / Komponisten Peer Raben), folgt der Film dem Die bekannte Modedesignerin (Margit Cartensen) verliebt sich in die wunderschöne Karin (Hanna Schygulla) und quält ihre engagierte Assistentin Marlene (Irm Hermann). Es ist unverschämt lässig (die Übersetzung in die Oper von 2005 war unvermeidlich), und Fassbinders geliebtem Douglas Sirk (der Helfer hat sogar einmal den erfahrenen Regisseur in seinem Haus in der Schweiz besucht) und 'All About Eve' (der Regisseur des Films, Joseph Mankiewicz, haben eine Namensüberprüfung an einer Stelle), aber es ist auch überragend zitierbar und absolut packend. Zum Teil dank DoP Michael Ballhaus (der neben vielen anderen Hollywood-Projekten auch 'The Last Temptation of Christ', 'Goodfellas' und 'The Departed' für Scorsese drehen würde), funktioniert es dort, wo so viele Theateranpassungen scheitern: anstatt stagy, es fühlt sich fast unmöglich klaustrophobisch an, als die bitteren, unerwiderten Liebesaffären der Charaktere sie in der Wohnung fangen, die die Kamera niemals verlässt. Erstaunlich ist auch die Schauspielerei, besonders Fassbinders Favorit Cartensen, völlig furchtlos, und Hermann, der die Show in einer nahezu lautlosen Performance stiehlt. Die sexuelle Politik mag für einige problematisch sein, aber es besteht kein Zweifel, dass es dem Regisseur am Herzen lag, und es ist keine Überraschung, dass es einer seiner ersten Filme wurde, der einem internationalen Publikum vorgestellt wurde. [EIN-]

'Ali: Angst frisst die Seele' (1974)
Fassbinder lernte Douglas Sirk 1971 im Münchner Filmmuseum kennen, wo er auch sechs seiner Filme sah. Diese Erfahrung würde die Art und Weise verändern, wie Fassbinder Filme sah und machte. Sirk's “; All das erlaubt der Himmel ”; lieferte die Inspiration für “; Ali: Angst isst die Seele ”; der bis heute berühmteste Film von Fassbinder (ausnahmsweise nicht berüchtigt), der Todd Haynes inspirierte ’; “; Weit weg vom Himmel. ”; Kein Fassbinder-Film vermittelt die Botschaft alltäglicher sozialer Übel so eloquent wie 'Ali: Fear Eats the Soul'. Die Grundannahme ist einfach: Die deutsche Witwe mittleren Alters, Emmi, trifft sich zufällig und heiratet bald darauf Ali, einen arabischen Mann, den sie in einer Bar trifft, nachdem sie sich vor dem Regen geschützt hat. Die erste Hälfte des Films konzentriert sich darauf, wie Emmis Familie, Nachbarn und Arbeitskollegen mit ihrem zweiten Ehemann und der Farbe seiner Haut umgehen, zunächst negativ und dann in Richtung Akzeptanz wechseln. Die zweite beschäftigt sich mehr mit Alis Reaktion auf ihre plötzliche Akzeptanz, die ihm eigene Kompromisse einbringt, und Konflikte mit Emmi, die einst durch ihre gegenseitige Solidarität gegen Rassismus verborgen waren, tauchen ebenfalls auf. Fassbinder, niemals einer für konkrete Schlussfolgerungen oder einfache Antworten, lässt uns ein bittersüßes Ende mit wiedervereinigten Liebenden, aber den Problemen, die sie teilten, ungelöst. [EIN]

'Martha”(1974)
Ein weiteres Sirk-ian-Drama der häuslichen Unzufriedenheit - die Hauptfigur gibt an einer Stelle sogar 'Douglas Sirk Road' als Adresse heraus - wie viele Fassbinder-Melodramen versetzt 'Martha' die Titelfrau in eine Situation emotionaler Bedrängnis und versetzt uns dann in Verlegenheit beobachten Sie, wie sie sich hilflos windet, während sie durch eskalierende Krisen gerät und alle romantischen Vorstellungen mißachtet, praktisch brutalisiert. Ein Film, der sarkastisch mit dem Titel 'The Good Wife' betitelt werden könnte, im Mittelpunkt des Melodramas steht Martha (Margit Carstensen) der von einer schlechten Situation in eine andere übergeht und man kann wohl von einer trostlosen Studie sowohl in Bezug auf Grausamkeit als auch auf die Fähigkeit zur menschlichen Unterwerfung sprechen. Während eines Urlaubs mit ihr in Italien stirbt Marthas kontrollierender Vater plötzlich an einem Herzinfarkt, und sie muss nach Deutschland zurückkehren und sich um ihre Mutter kümmern: eine alkoholische Jungfrau und ein grotesker, empörender Mensch auf jeder Ebene, der Selbstmordversuche unternimmt Überdosierung der Pille jedes Mal, wenn Martha versucht, etwas gegen ihre Wünsche zu tun. Die Befreiung erfolgt scheinbar in Form von Helmut (‘ Fassbinder der 70er Jahre regelmäßig) Karlheinz Böhm ein hübscher und wohlhabender Gentleman, der sie heiraten und entführen will. Es klingt alles gut und schön, bis Helmut sein wahres Gesicht als sadistischer, dominierender Soziopath offenbart. Wir haben diese Geschichte unzählige Male in Hollywood gesehen - im Allgemeinen mit B-Thrillern Tom Berenger oder Patrick Bergin - Aber Fassbinders 16-mm-Fernsehfilm ist kein Stück Late-Night-Entertainment. Es ist eine Bestrafungsübung, da Martha aufgrund ihres missbräuchlichen, tyrannischen Arschlochs eines Ehemanns weiterhin psychisch blutet. Schließlich verwandelt sich ihre demütigende Kapitulation in Paranoia und dann in eine Beinahe-Störung, die auf tragische Weise endet. Es ist nicht immer leicht zu sehen, aber es ist eine schneidende Chronik des häuslichen Missbrauchs durch Fassbinders eigene, verstärkte Interpretation des Hollywood-Melodramas der 50er Jahre. [B]

Spiel der Throne 7 Folge 4

“; Fox und seine Freunde ”; (1975)
Obwohl Fassbinder als hyper-produktives Multi-Bindestrich-Modell bekannt ist, kann man leicht vergessen, dass er gelegentlich auch als Schauspieler in mehr als einem halben Dutzend seiner eigenen Filme auftrat (wenn auch oft nur in kleinen, nicht im Abspann aufgeführten Teilen). In “; Fox und seine Freunde ”; Der Autor / Regisseur übernahm eine seltene Hauptrolle und ließ so viel Gewicht wie möglich fallen, um den schlanken und ernsthaften, ungebildeten und arbeiterorientierten Franz “; Fox ”; Bieberkopf (natürlich benannt nach dem Protagonisten am „Berliner Alexanderplatz“, den Fassbinder später adaptieren würde - siehe unten). Nachdem Bieberkopf gerade miterlebt hat, wie sein männlicher Geliebter wegen Steuerhinterziehung ins Gefängnis geworfen wurde und damit seinen Zirkusjob verlor, glaubt er, sein Glück habe sich gewendet, und mithilfe eines älteren schwulen Bekannten einen Lottoschein zu kaufen, der sein Vermögen verändern wird. Das Schicksal oder Hellsehen ist auf seiner Seite und Fox gewinnt umgerechnet 350.000 US-Dollar. Aber als er viel Geld verdient, findet er sich plötzlich in der Gesellschaft wohlhabender homosexueller Snobs der Oberschicht wieder. Bald mischt er sich mit dem skrupellosen Eugen (Peter Chatel) ein, einem zimperlichen, nervenaufreibenden und überkritischen Sohn eines reichen Industriellen, der seinen Freund wie eine schlechte Angewohnheit fallen lässt, wenn der mit Bargeld gespülte Fuchs in seinen Freundeskreis rollt ; Der unbelehrte Fox, der schnell in eine polierte Welt des Reichtums und der Einflüsse eingeführt wurde, ist sowohl überfordert als auch von Eugens opulentem Milieu verführt. Wenn Fox so bemüht ist, zu gefallen, und Eugen so bereit ist, seinen neu gefundenen Reichtum anzunehmen, beginnt das Schämen schnell. In Fassbinders traditionell handwerklicher Weise gedreht, sind Taktung und Redundanz ein Problem, da der Regisseur zwei Stunden (das fühlt sich wie 2 an) damit verbringt, das Publikum daran zu erinnern, wie naiv Fox ist und wie schlecht Eugen ihn ausnutzt. Wohl ein Drama, in dem Gier und Täuschung keine unmoralischen Verhaltensweisen sind, die nur für Heterosexuelle gelten. hat seine vorgenannten Probleme, ist aber immer noch ein prägnanter und letztendlich tragischer Blick darauf, wie sich Geld teilt. [B]

“; Angst vor Angst ”; (1975)
Darsteller Fassbinder troupe-regular Margit Carstensen, auch der Star vonDie bitteren Tränen von Petra Von Kant' und 'Martha'In diesem für das Fernsehen konzipierten Psychodrama geht es um eine Hausfrau aus der Arbeiterklasse, die mit den Symptomen einer Geisteskrankheit zu kämpfen beginnt, die an Schizophrenie erinnert. Während ihre Störung (und Angst) zunimmt - der Ausbruch einer Krankheit kann bei jedem Menschen Panik auslösen -, erweist sich ihr fürsorglicher, aber letztendlich ineffektiver Ehemann als nutzlos und ihre grenzüberschreitende Stieffamilie zeigt kaum mehr als mit den Fingern auf ihre “; seltsamen ”; Verhalten. Um die Sache noch schlimmer zu machen, wird sie dann von einem anderen psychisch kranken Mann in ihrer Nachbarschaft (dem Gruseligen) verfolgt Kurt Raab, der in 31 von Fassbinders Bildern die Hauptrolle spielt), der eine Art psychische Verbindung zu ihr zu haben scheint: Er versteht auf beunruhigende Weise, dass sie langsam verrückt wird. Hilflos wendet sie sich an Alkohol, Valium und einen perversen Arzt (Adrian Hoven) bereit, ihr Rezept zu füllen, wenn Sie unsere Tendenz bekommen, und die arme Frau gleitet schnell in eine ausgewachsene Sucht - alles, um die schmerzhafte Erkenntnis des Abstiegs in den Wahnsinn zu lindern. Klar gemacht für das Fernsehen, mit seiner episodischen Erzählung und klobigen Eröffnung, während “; Angst vor Angst ”; droht ein Afterschool-Special zu werden, das sich mit den Gefahren von Hausfrauen mit psychischen Problemen befasst. Letztendlich kommt der Fernsehfilm auf die Beine und wird zu einem auffälligen Blick auf Schmerz, Gleichgültigkeit und Schwielen. [B]

“;Mutter Küsters Reise in den Himmel”; (1975)
Wenn ein ruhiger und bescheidener Vater in seiner Chemiefabrik auf die Post geht - einen Mann ermordet und Selbstmord begeht, wenn massive Entlassungen drohen -, wird eine sanfte deutsche Familie von den Nachrichten auseinandergerissen und zerstört. Erschwerende Themen sind invasive Boulevardmedien, die wie so viele ausgehungerte Geier herabstammen und die zerstörte Familie für alles ausnutzen, was sie sowohl für kontextverzerrende Zitate als auch für manipulative Foto-Opps wert sind. Die Situation verschlechtert sich mit der Rückkehr von Corrina, der eigensinnigen Tochter der Familie (Ingrid Caven), die die Tragödie schamlos nutzt, um ihre Gesangskarriere zu fördern, indem sie mit einem der Journalisten schläft, die über die Geschichte berichten. Eine der politisch aufgeladenen Bemühungen von Fassbinder, die andere Seite der mutwilligen Ausbeutung, kommt von der kommunistischen Partei, die sich als eine Art, wohlwollende Kraft im Leben der einsamen Matriarchin tarnt, aber nur die Familienkatastrophe ihres 'unterdrückten Proletariatsmannes' ausnutzt. für ihre eigene Tagesordnung. Der Film hat zwei Enden; Die eine ist kühn und tragisch (detailliert den Tod von Mutter Kuster, als sie mit einer Gruppe von Anarchisten im Text über einen eingefrorenen Rahmen ihres traurigen Gesichts hereinfällt), und die andere (die US-Version) zeichnet das Schicksal und die Sinnlosigkeit auf (die Anarchisten geben auf ihr sit-in, um den Schmatz ihres Ehemanns in den Boulevardzeitungen zu verteidigen, aber sie trifft einen älteren Herrn, der auf einen Funken der Hoffnung hinweist). Mit vielen Stammgästen von Fassbinder, darunter auch weiblichen Stalwarts Margit Carstensen, Irm Hermannn (19 Fassbinder-Filme zu ihrem Verdienst) und das immer wieder wunderbar Brigitte Mira (der Star von ‘ Ali: Fear Eats The Soul ’;) Fassbinders sardonisch düsteres Drama fungiert als Kritik an selbstsüchtigen Opportunisten jeglicher Art und an den blutrünstigen Medien und fragt nach deren Sinn Anstand oder Schande gibt es in der heutigen Gesellschaft. [B +]

'Ich möchte nur, dass du mich liebst”(1976)
Fassbinders Dokudrama, das für das Fernsehen gedreht wurde und die Marke begrenzter Mittel und Spielräume trägt, konzentriert sich auf die Suche nach Zustimmung eines Einzelnen und ist nicht weniger effektiv als einige seiner stärksten Arbeiten. Peter ist ein junger Mann, der verzweifelt versucht, für seine Frau und sein Kind zu sorgen und gleichzeitig die Erwartungen seiner Eltern zu erfüllen. Doch in einer konsequenten Spur grausamer Ironie verlässt ihn das Glück immer mehr, da Schulden und endlose Gefälligkeiten ihn in seinen Bann ziehen ein Loch nach dem anderen. Währenddessen wiederholt Peter das Titel-Mantra, um den Tag zu meistern, und vergisst bald, wen er tatsächlich spricht. Das heikle Gleichgewicht in Peters Alltag durchläuft natürlich eine Spirale von schlechten Entscheidungen, die sich als tödlich erweisen, und alle in einem Interview-Framing-Gerät zusammengefasst sind, das seine eigene Existenz mit einer schwarz-humorvollen Kappe versieht. Fassbinder ist zwar von seiner üblichen Arbeit abgeschwächt, arbeitet aber auf einem vertrauten Gebiet, und die Liste der Empörungen ermöglicht es, mehrere düstere, auffällige Tableaus im Film festzuhalten, im Dienst einer Geschichte über einen Mann, der einfach nie Zustimmung finden kann . [EIN-]

'In einem Jahr von 13 Monden”(1978) - MZ
Fassbinder muss Armin Meier sehr geliebt haben, denn nur wenige Regisseure würden es wagen, einen Film zu machen, der auf persönlichen Exorzismus hinausläuft. Ein Jahr mit 13 Monden bedeutet Ärger für die Protagonistin Elvira (Volker Spengler), die auf dem Weg zur Wiedervereinigung mit Anton Saitz (Gottfried John) ist. Anton finanzierte Elviras Geschlechtsumwandlung (sie war einst eine Metzgerei namens Erwin, ein absichtlicher Rückruf zu Meiers Beruf), aber er möchte die frisch getaufte Frau nicht als etwas anderes als Erwin akzeptieren. “; In einem Jahr von 13 Monden ”; ist ein Ausdauertest mit mehreren herausragenden Sequenzen, von denen eine in einem Schlachthaus spielt und eine andere eine Tanzsequenz außerhalb des linken Feldes. Spengler drückt auch Elviras persönliches Fegefeuer aus, in dem sie von keinem der von ihr gewünschten Menschen akzeptiert wird und keinen Frieden aus ihren Kämpfen findet, sondern nur Streit und Hass. Was auch immer sich Fassbinder nach Meiers Selbstmord in seine Trauer eingemischt hatte, sie sind in diesen Film eingebettet, was insbesondere daran liegt, dass der Regisseur die Platzierung der Kamera weiterhin beherrscht und sich möglicherweise zu sehr auf Allegorien verlässt. Wie die besten Fassbinder-Filme belohnt dieser den geduldigen Betrachter und hat über 30 Jahre nach seiner Einführung einen ziemlich liebevollen Kult gesammelt. [B]

“; Die Ehe von Maria Braun ”; (1979)
Die erste in Fassbinders BRD-Trilogie (Bundesrepublik Deutschland), in der es um drei verschiedene Frauen geht, die sich nach dem Zweiten Weltkrieg in Deutschland zurechtfinden. Das Drehbuch durchlief mehrere Hände und Entwürfe aus Fassbinders ursprünglichem, nicht realisiertem Fernsehprojekt „Die Ehe unserer Eltern“. . Fassbinder arbeitete bereits am Drehbuch für das Epos „Berlin Alexanderplatz“, als die Dreharbeiten zu „The Marriage of Maria Braun“ begannen. Tagsüber drehte er weiter und arbeitete die ganze Nacht am Drehbuch für sein nächstes Projekt. Gerüchten zufolge sollte dieser Arbeitsplan eingehalten werden. Fassbinder konsumierte große Mengen Kokain, und dies war der Hauptgrund, warum der Film über das Budget ging - Fassbinders größter, aber immer noch unter einer Million USD. Dies verursachte natürlich Probleme mit seinen Geldgebern, Produzenten und der Crew und führte zu Rissen in vielen seiner langjährigen kreativen Partnerschaften, einschließlich der mit dem Kameramann Michael Ballhaus und dem Produzenten Michael Fengler. Making “; Die Ehe von Maria Braun ”; Es war wahrscheinlich nicht die größte Zeit in Fassbinders Leben, aber der Film erwies sich als einer seiner erfolgreichsten und erfüllte seinen Wunsch, ein deutsches Äquivalent zu einem Hollywood-Film zu schaffen. Mit Hanna Schygulla als Maria (sie gewann 1979 den Silbernen Bären für die beste Darstellerin), einer Frau, deren Beziehung zu ihrem Ehemann Hermann ständig durch Umstände vereitelt wird - oder vielmehr durch Verlangen, Stolz und Gier, die unweigerlich zu Gewalt, Grausamkeit und Zerstörung führen. Fassbinder malt ein Bild von einem unersättlichen und gefühllosen Deutschland, dessen Bewohner (die Überlebenden) sowohl moralisch als auch emotional aus ihren Erfahrungen verdrehte Güter sind. Wie jeder gute Hollywood-Film endet er mit einer großen Explosion - wie jeder gute Fassbinder-Film sind die Bedeutungen und Motive dahinter offen. [EIN]

“Berlin Alexanderplatz” (1980)
Ja, wir haben es gesehen. Ja, das alles. Ja, es ist stellenweise eisig langsam und zugegebenermaßen harte Arbeit. Und ja, es lohnt sich auf jeden Fall, es irgendwann in Ihrem Leben zu tun. Fassbinders 14-teiliges, 930-minütiges TV-Epos (das jedoch in den USA veröffentlicht wurde) hat einen furchterregenden Ruf, der absolut verdient ist (insbesondere der undurchdringliche, unstimmig brillante, gelegentlich ins Auge fallende Epilog), vor allem, weil er wohl so nah dran ist Ein Roman, wie ihn das Kino je gesehen hat. Eine direkte Übersetzung der Handlung wäre viel kürzer gewesen, aber Fassbinder, ein tollwütiger Fan des Quellenmaterials von 1929 (von Alfred Doblin), schweift ab und wohnt, streckt und wiederholt winzige, intime Momente mit markenrecht langen, ungebrochenen Einstellungen in a Englisch: emagazine.credit-suisse.com/app/art...1007 & lang = en Ein Weg, der Sie langsam in die Psyche des Protagonisten Franz Biberkopf (eine erstaunliche Leistung von Gunter Lampretcht) und in die Psyche einer Nation in Aufruhr versetzt (im Nachhinein erlaubt Fassbinder offensichtlich, Biberkopf als Metapher für das Zwischenkriegsdeutschland zu verwenden, was sich summiert) Wohl einer seiner politischsten Filme, und natürlich fühlt es sich immer wie ein Fassbinder-Film an, besonders wenn er an der Beziehung seines Helden zu Reinhold (Gottfried John) bastelt, die alle möglichen homoerotischen Untertöne gewinnt, die im Roman fehlen Vor allem aber handelt es sich um eine Tragödie: Ein Ex-Sträfling, der verzweifelt geradeaus gehen will, einfach nicht entkommen kann. Eine alte Geschichte, allerdings eine, die noch nie so ausführlich erzählt wurde Überall erstaunliche Momente und schreckliche Momente, nicht mehr als in diesem Epilog, in dem Fassbinder die dreizehn Stunden, die Sie gerade durchgesessen haben, im Wesentlichen dekonstruiert (unterstützt durch Lou Reed und Kraftwerk Tracks). Es ist sowohl ärgerlich als auch berauschend und ein passender Korkenzieher für die ganze Saga. Legen Sie es mit 'Krieg und Frieden' und 'Unendlicher Scherz' ab, um es während eines langen Urlaubs oder einer Haftstrafe nachzuholen: Sie werden es mit Sicherheit nicht bereuen. [B]

'Lili Marleen' (1981)
Die Unüberwindbarkeit sozialer Barrieren und der Krieg zwischen privatem Verlangen und öffentlichem Image sind Grundbestandteile des sirkischen Melodramas Fassbinder, das er in seiner letzten Karriere nachahmte. Als Hintergrund muss Nazideutschland, ein unterdrückerisch totalitärer Staat, in dem das Privatleben oft der politischen Maschine zum Opfer fiel und rassistische, geschlechtsspezifische und nationale Barrieren nicht nur verstärkt, sondern in einem Ethos kodifiziert wurden, das jeden Aspekt des Lebens durchdringt, repräsentieren eine Art Melodrama-Jackpot. Seltsam, dass „Lili Marleen“, eine Geschichte aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs über die verbotene Liebe zwischen einer deutschen Nachtclub-Sängerin und einem schweizerisch-jüdischen Dirigenten, eine so unverbindliche Angelegenheit werden sollte: Die Stücke sind alle da, und die Emotionen auf dem Bildschirm sind unterschiedlich Von den Gipfeln der Ekstase bis zu den Tiefen der Selbstmordverzweiflung, wie man erwarten könnte, und doch fühlen wir nie viel von irgendetwas. Fassbinder-Stammgast Hanna Schygullas Auftritt als zentraler Willi ist ein Teil des Problems, das sich als seltsam schizoid herausstellt. Ihre Reaktionen sind zwar zutreffend überzeichnet, aber oft bis zum Unverständlichen unangemessen. Und ohne die Art von tragischem Empathie, die die großen Heldinnen dieses Genres hervorbringen, ist es schwierig, sich um die pragmatische, selbstsüchtige, narzisstische Willi zu kümmern (wir sind nicht einmal sicher, ob sie gegen den Nationalsozialismus moralisch wäre, wenn sie es nicht tun würde). Ich halte sie nicht von ihrem Geliebten fern, besonders wenn das, was sie berühmt macht, ihre ziemlich unüberwindliche Wiedergabe des Titelliedes ist. Der Film ist nicht schlecht, seine üppigen Kostüme und die feuchte Weichzeichner-Fotografie treffen genau das Richtige, und es gibt Momente plötzlicher, seltsamer Surrealität (die betrunkene Sequenz im luxuriösen Weißen Haus, ein uniformierter Nazi, der über eine Rutsche auf die Bühne kommt). das bringt unermessliche Vorteile. Aber es gibt auch Zeiten, in denen sich diese experimentellen Streifzüge nicht auszahlen (die endlos wiederkehrende Szene, in der Willis Geliebter mit unvollständigen Ausschnitten des Liedes gefoltert wird, die sich endlos wiederholen, überlagert unbeabsichtigte Ironie das absichtliche Beten, während wir als Publikum beten denn das verdammte Ding hört auch auf, und letztendlich kann nichts von der Leere im Herzen des Films ablenken. Hier sollten eine echte Frau oder zumindest Melodramas übertriebene Version einer echten Frau und jemand sein, den wir interessieren und mit dem wir uns beschäftigen können. [B-]

'Lola' (1981)
Fassbinders Fetisch für exquisit inszeniertes Sirk-ian-Melodrama, eine Besessenheit für zumindest einen Teil seiner Karriere, ist gut dokumentiert. Wenn man also das Bild sehen will, das Fassbinder wahrscheinlich am meisten einschäumte (und wahrscheinlich auch beeinflusst hat) Todd HaynesEs ist die üppige, bonbonfarbene und üppig aussehende 'Lola'. Ein weiterer BRD-Trilogiefilm spielt in den Filmstars nach dem Zweiten Weltkrieg in Westdeutschland Barbara Sukowa und das große Armin Mueller-Stahl ('Nacht auf Erden''Östliche Versprechen“) Und konzentriert sich auf einen frommen Baukommissar, der die Korruption ausmerzen will, die im Geschäft des örtlichen Bauunternehmers stattfindet (Mario Adorf). Allmählich sammelt der Mann mit dem geraden Pfeil Beweise gegen seine Beute und verliebt sich schließlich in den Titel Lola (Sukowa). Folglich ist er schockiert zu erfahren, dass sie eine Prostituierte und Kabarettsängerin in einem örtlichen Bordell ist. Nicht nur das, sie ist das Spielzeug von Schukert, dem krummen Konstruktionsmagnaten, den er zu Fall bringen will. Während er nun über alle Munition verfügt, die er braucht, versöhnt Müller-Stahls Von Bohm seine gerechte Pflicht nicht mit seiner Lust an der holenden Frau, sondern verfällt der Verführung und bald den Versuchungen von Geld und Macht. In Fassbinders spannender Moralgeschichte sehen wir, wie ein ehrenwerter Mann zu dem sehr abscheulichen Ding wird, gegen das er zu kämpfen versucht hat. Fassbinder ist ein düsteres, aber subtil satirisches Nicken an die überzeugenden Reize des Kapitalismus. Wie üblich ist es nicht nötig, das Offensichtliche zu unterstreichen oder zu unterstreichen. Wir beobachten, wie dieser wundervolle Schuss in Ungnade fällt, und jedes Urteil ist unser eigenes. [EIN]

'Veronika Voss' (1982)
Locker nach der wahren Geschichte von Sybille Schmitz, einem ehemaligen Nazi-Star, dessen Stern verblasste, nachdem das Dritte Reich zusammengebrochen war - sie beging Selbstmord als einsames altes Relikt, das die Nation ziemlich bald vergessen würde - die fesselnde und üppige “;Veronika Voss, ”; ist Fassbinder auf dem Höhepunkt seiner Kräfte und leider ist es sein vorletzter Film. Es ist sein “;Boulevard der Dämmerung”; und “;Bürger Kane, ”; Im wahrsten Sinne des Wortes und im übertragenen Sinne, da beide Filme Ähnlichkeiten mit dem stilvollen, kontrastreichen Schwarz-Weiß-Bild aufweisen, das offensichtliche Spuren des üppigen Hollywood-Filmemachens der 1950er Jahre zeigt. An einem dunklen, regennassen Abend ist das unausgeglichene und melodramatische Voss (Rosel Zech) trifft und freundet sich mit einem einfühlsamen Sportjournalisten an (Hilmar Thate), die sich neugierig für ihre verblasste Geschichte interessiert. Der wohlmeinende Schriftsteller entdeckt bald, dass der unberechenbare und oft verzweifelte ehemalige Star von einem skrupellosen 'Dr. Wohlfühl-Arzt (Annemarie Düringer), die über sie herrscht - und ihre Unsicherheiten mit einer kontrollierenden Dosis Opiate befeuert, aber nur, wenn sie die exorbitanten Kosten aufbringen kann. In der Zwischenzeit riskiert der aufopfernde Schriftsteller seine eigene Beziehung, um den alternden Erfinder zu retten, aber ohne Erfolg. Nachdem die Provinzmedien lange nach Anerkennung in Deutschland gesucht hatten, verachteten sie im Allgemeinen sein immer zitierfähiges “; enfante terrible ”; mien - Fassbinder hat endlich heimische Liebe gefunden, als dieses Bild bei den 32. Internationalen Filmfestspielen Berlin zu Recht den Goldenen Bären gewann. [EIN]

Und der Rest: Drei Kurzfilme gingen 'Liebe ist kälter als der Tod' voraus; 'This Night', die verloren ist, 'The City Tramp' und 'The Little Chaos'. Es folgte dann 'Katzelmacher', was grob übersetzt 'Cock Artist' bedeutet - nicht, wie der Titel vermuten lässt, etwa Warren Beatty, aber eine Adaption von Fassbinders Stück über einen griechischen Einwanderer (gespielt vom Filmemacher selbst). 1970 folgten 'Gods of the Plague' und 'The Coffee House' (letzteres nur eine TV-Aufzeichnung seiner Produktion von Carlo Goldonis Stück), während das Jahr mit 'The Niklashausen Journey', gemeinsam mit 'Herr R', gekrönt wurde Michael Fengler.

Schnell folgten „Rio Das Mortes“ und „Pioneers in Ingolstadt“, beide fürs Fernsehen, während „Whity“ einer der bekannteren Filme ist, die wir nicht gesehen haben. 'The Merchant of Four Seasons' folgte 'Holy Whore' und gilt als einer der besten Regisseure, obwohl er für uns zwischen den Rissen gerutscht ist. 1972 gab es eine weitere Theater-TV-Übersetzung, 'Bremen Freedom', die fünfteilige Fernsehserie 'Acht Stunden sind kein Tag', während 1973 'Wild Game' (basierend auf dem Kroetz-Stück) und die bereits erwähnte 'World' herausbrachten on a Wire “, über die wir letzte Woche ausführlich berichtet haben. Es folgte 'Nora Helmer', eine Version von Ibsens 'A Doll's House' für das Fernsehen.

Der schwarz-weiße 'Effi Briest' ist ein weiterer großartiger Titel, für den wir keine Zeit hatten. 1975 erschien der Kurzfilm 'Like A Bird on a Wire' (nicht mit dem Goldie Hawn-Fahrzeug verbunden, was nicht verwunderlich ist). 1976 gaben wir 'Satan's Brew' und 'Chinese Roulette', während 1977 'Women In New York' und 'The Stationmaster's Wife' für das Fernsehen gemacht hatten, während er im folgenden Jahr einen Teil des Omnibusses 'Germany in Autumn' inszenierte .

'Despair' war sein bester Flirt mit dem Mainstream. Er adaptierte einen Nabokov-Roman mit einem Tom Stoppard-Drehbuch (nicht weniger auf Englisch) mit Dirk Bogarde, während 1979 'The Third Generation' eine terroristische schwarze Komödie mit Eddie Constantine, dem Star von, brachte 'Alphaville'. Schließlich machte er 1981 mit 'Theater in Trance' seinen Einstieg in den Dokumentarfilm und beendete seine Karriere 1982 mit 'Querelle', einem weiteren englischsprachigen Film, der auf Jean Genets Roman basiert und mit Franco Nero, Jeanne Moreau und 'Midnight Express' führte Brad Davis.

- Rodrigo Pérez, Christopher Bell, Sam Chater, Gabe Toro, Mark Zhuravsky, Jessica Kiang und Oliver Lyttelton



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