Die Filme von Darren Aronofsky, vom Schlimmsten zum Besten

Darren Aronofsky ist zurück. Der Nominierte für den polarisierenden Oscar sorgt mit seinem neuesten Film, der Jennifer Lawrence-Hauptrolle 'Mutter!', Für Aufsehen, aber jeder, der mit Aronofskys sechs früheren Spielfilmen vertraut ist, weiß, dass er schon immer ein Filmemacher war, der die Menschen zu einer starken Reaktion zwingt. Er hat die Grenzen seiner eigenen Filmstimme erweitert, seit „Pi“ 1998 beim Sundance Film Festival für Furore gesorgt hat, und „Mutter!“ Beweist, dass er keine Anzeichen dafür hat, aufzuhören.



Mit der landesweiten Eröffnung von „Mutter!“ In den Kinos haben wir alle sieben Aronofsky-Features für die ultimative Regie-Rangliste gegeneinander ausgespielt.

7. “Noah” (2014)

'Noah' ist zweifellos der schwächste Film von Aronofsky, aber das bedeutet nicht, dass es eine totale Katastrophe ist. Der größte Fehler, den der Regisseur in diesem biblischen Epos im Wert von 125 Millionen US-Dollar begeht, besteht darin, die Odyssee von Noah in einen Showdown mit Schwertern und Sandalen zu verwandeln. Dazu gehört ein abgedroschener Bösewicht, der von Ray Winstone gespielt wird. Die Geschichte von Noah ist weitaus weniger interessant, wenn sie als 'Gladiator' -treffer- 'Braveheart' -Kampf der Zivilisation präsentiert wird. Je auffälliger Aronofsky mit dem Material wird, desto mehr wird seine Interpretation des Textes zu einem vorhersehbaren Stück Studiobombe.



'Noah' ist viel intimer und verwandelt seine zentrale Figur in einen quälend konfliktreichen Antihelden. Aronofsky sieht Noah als einen Machthaber, der von der Last der Mission Gottes für ihn gequält wird. Er ist kein stolzer Retter oder edler Prophet, sondern ein Mann, der an den Rand des Wahnsinns getrieben wird, weil er nicht verstanden hat, was seine Visionen bedeuten. Noah ist so ein Inbegriff von Aronofsky - ein selbstverletzender Besessener - es ist kein Wunder, dass der Regisseur besonders von dieser Geschichte angezogen wurde. Der Film ist am überzeugendsten, wenn wir beobachten, wie der Charakter gegen seine eigenen Zweifel und seine Isolation antritt. Aronofskys Drehbuch taucht auch in kosmische Tangenten ein, wie eine zum Nachdenken anregende Sequenz, die den Schöpfungsmythos erzählt, indem sie Stränge des Kreationismus und des Umweltschutzes miteinander verschmilzt. Die meisten Regisseure haben nie die Möglichkeit, ihr eigenes Verständnis der Bibel in einer Größenordnung von 125 Millionen US-Dollar zu interpretieren, und dafür ist „Noah“ die seltene Fehlzündung, die sich immer noch als äußerst anregend erweist.



'Der Brunnen'

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6. „Der Brunnen“ (2006)

Ehrgeiz ist eine der größten Stärken von Aronofsky, aber „The Fountain“ geht mit seinen narrativen-in-narrativen Meditationen über die Moral über Bord. Es gibt einfach zu viel Geschichte, zu viel Thema und zu viele wiederkehrende Motive, um zu verarbeiten, was Aronofsky genau versucht. Die einfachste und effektivste Version der Geschichte - Liebe macht uns sterblich - wird verankert und völlig ertränkt von allem, was Aronofsky jemals über Religion, Liebe und Mystik nachgedacht zu haben scheint. Und so ist „The Fountain“ als Theatererlebnis gescheitert.

Der Regisseur ist hier nicht ganz schuld. Er hatte „The Fountain“ ursprünglich als 70-Millionen-Dollar-Film konzipiert, war jedoch gezwungen, sein ursprüngliches Drehbuch zu verschrotten und es mit einem Budget von 35 Millionen Dollar neu zu schreiben. Der Umzug reduzierte die Handlung auf die einfachste Form, behielt aber alle wichtigen Ideen bei, die sich wahrscheinlich organischer anfühlten, wenn der Film ein größeres Budget und mehr Raum zum Atmen hatte. Aronofsky selbst hat 'Der Brunnen' seine Version eines Zauberwürfels genannt. Dies ist ein passender Vergleich für einen Film, der jahrhundertelange Ideen in 96 Minuten einflößen muss. Irgendwo gibt es einen Director's Cut von 'The Fountain', der ein echter Gewinner ist.

Jennifer Lawrence in 'Mutter!'

5. 'Mutter!' (2017)

Es gibt wirklich keine Worte, um „Mutter!“ Richtig zu beschreiben, nachdem man es nur einmal gesehen hat. Der mutigste Film, den Aronofsky jemals gemacht hat, rangiert nur wegen des Timings auf Platz 5; Geben Sie ihm ein paar Wochen Zeit, wiederholen Sie die Besichtigungen und es könnte höher klettern. Wer weiß - in einigen Monaten könnte es sogar unter die ersten drei kommen. 'Mutter!' Ist der Aronofsky-Film, den Sie sich vorstellen können. Nur dieser Regisseur würde es wagen, eine Geschichte zu erzählen, und das allein ist den Eintrittspreis wert. Der Film kombiniert die thematischen Ambitionen von „The Fountain“ und „Pi“ mit der klaustrophobischen Intensität von „Black Swan“, um ein wirklich einzigartiges Erlebnis zu schaffen. Wenn „Noah“ für Aronofsky eine Leinwand war, um seine eigene Interpretation der Bibel zu erforschen, dann ist „Mutter“ die Leinwand des Direktors, um seine eigene zeitgenössische Schrift zu entwerfen. Mehr zu sagen wäre ein schlechter Dienst. Vermeiden Sie Spoiler und schnallen Sie sich an.

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'Schwarzer Schwan'

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4. „Schwarzer Schwan“ (2010)

'Black Swan' ist ein Meilenstein in Aronofskys Karriere, da es das erste Mal ist, dass er einen Film seiner Oscar-Nominierungen für 'Bester Regisseur' und 'Bester Film' dreht. Ob Sie ein Fan des Horror-Melodramas von der Stange sind oder nicht, die Brillanz von Aronofskys visueller Herangehensweise ist unbestreitbar. Er arbeitet intuitiv mit seinem langjährigen Kameramann Matthew Libatique zusammen, um die Kamera selbst in eine Tänzerin zu verwandeln. Die Choreografie der Linse erzeugt eine hypnotische Klaustrophobie, die nicht zu erschüttern ist. Die Leistung von Natalie Portman, die mit dem Oscar ausgezeichnet wurde, wäre nicht halb so gut, wenn Aronofskys Anweisung Sie nicht dazu zwingen würde, ihre psychologische Situation hautnah mitzuerleben. Anders als ein Großteil seiner Arbeit arbeitet Aronofsky hier zufrieden mit einem einzigen Thema - künstlerischem Antrieb und dem Hunger nach Perfektion - und es ist seine Richtung, die dieses Thema verstärkt, herausfordert und explodiert. Jeder erinnert sich an 'Black Swan' für Portmans unverbesserliche Hauptrolle, aber es ist wirklich so einprägsam, weil es eines der stärksten Regieversuche von Aronofsky ist.

'Requiem für einen Traum'

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3. 'Requiem für einen Traum' (2000)

'Requiem For a Dream' wird oft als einer der verstörendsten Filme überhaupt bezeichnet, und das aus gutem Grund. Es ist nicht nur das Thema der Drogenabhängigkeit, das schwer zu ertragen ist, sondern auch die Art und Weise, wie Aronofsky das Material als unendlichen Zyklus von Montagen präsentiert, die immer erschöpfender und schrecklicher werden. Der Film ist durch und durch ein Regie-Film. Einige Kritiker beschweren sich darüber, dass „Requiem for a Dream“ Stil über Substanz ist, aber Aronofskys Stil ist die Substanz des Films. In Zusammenarbeit mit dem Herausgeber Jay Rabinowitz schafft Aronofsky eine visuelle Darstellung der Drogenabhängigkeit, die auf einer völlig neuen Ebene der Desorientierung liegt. Sein Film vermittelt das alptraumhafte Gefühl einer Überdosis. Du siehst nicht nur zu, wie seine Charaktere außer Kontrolle geraten, sondern bist gezwungen, mit ihnen zu drehen. 'Requiem' bleibt ein Meisterwerk des sensorischen Kinos, und es ist kein Wunder, dass Aronofsky in den letzten Jahren nie versucht hat, diese Art von Erfahrung zu übertreffen.

'Pi'

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2. 'Pi' (1998)

'Pi' ist so kühn wie bei Regiedebüts. Ähnlich wie bei „The Fountain“ besteht für den Film immer die Gefahr, dass er in Bezug auf die thematische Reichweite mehr abbricht, als er kann, aber Aronofskys Drehbuch verliert sich nie in seinen Überlegungen zum Judentum, zur Mathematik und zur Mystik. Er konzentriert sich weiterhin auf seinen Protagonisten Max Cohen, der von Sean Gullette mit einer beunruhigenden Grausamkeit gespielt wird. 'Pi' ist eine als paranoider Thriller getarnte Charakter-Studie, und Aronofsky findet den perfekten Weg, um seine grandiosen Themen organisch wirken zu lassen, indem er sie durch Max 'POV-Obsessionen filtert. Der Regisseur sieht die Welt mit Max 'Augen und kreiert eine so bizarre und aufgeregte Studie über das Chaos, dass Sie völlig überfordert sind. Für einen Regisseur, der das Kino als Mittel zur Kontemplation einsetzen möchte, ist „Pi“ ohne Weiteres Aronofskys beste Leistung. Kein anderer Film befasst sich so fokussiert und unnachgiebig mit ehrgeizigen Ideen wie dieser.

'Der Wrestler'

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1. 'The Wrestler' (2008)

Der klügste Karriereschritt, den Aronofsky je unternommen hat, war die Entscheidung, die Produktion von „The Fountain“ nach sechsjähriger Reise wieder auf den neuesten Stand zu bringen. Er nimmt einen Charakter fest in sein Steuerhaus auf - Mickey Rourkes Randy 'The Ram' Robinson ist so von professionellen Leistungen besessen, dass sein persönliches Leben völlig zerrüttet ist - und macht einen Film, der weitaus weniger aggressiv ist als alles, was er jemals gemacht hat. Aronofskys Filmemachen ist hier nicht unbedingt entspannt, aber es ist so fragil in der Verwendung von handgehaltenen Nahaufnahmen und Verfolgungsaufnahmen, dass jede Emotion, die sich in Randy abspielt, für den Betrachter verstärkt wirkt. Aronofskys Regie gibt Rourke die Bühne, um in seine Seele zu schauen, und der Schauspieler liefert als Ergebnis eine der großartigen Aufführungen des 21. Jahrhunderts. 'The Wrestler' ist ein tief empfundenes, von Menschen angetriebenes Wunder in Aronofskys ansonsten unerbittlicher Filmografie. Es ist ein wahres Meisterwerk, wenn es jemals eines gegeben hat.



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