Die Filme von Andrei Tarkovsky: Eine Retrospektive

Der große schwedische Regisseur Ingmar Bergman berühmt in seiner Autobiografie 1987 intoniert, “;Die magische Laterne, ”; dass die Entdeckung des russischen Filmemachers Andrei Tarkovsky’; s Arbeit war “; ein Wunder. Tarkovsky ist für mich der größte [Regisseur], der eine neue Sprache erfunden hat, die der Natur des Films treu bleibt, da sie das Leben als Spiegelbild, das Leben als Traum einfängt.



1987, einige Monate nach dem Tod von Tarkovsky Akira Kurosawa Ich würde seine “; ungewöhnliche Sensibilität [als] sowohl überwältigend als auch erstaunlich loben. Es erreicht fast eine pathologische Intensität. Wahrscheinlich gibt es unter den Filmregisseuren, die jetzt leben, kein Gleiches. ”; Und experimenteller Filmemacher Stan Brakhage war fast geschlagen und verfolgte ihn am Telluride Film Festival im Jahr 1983, um seine Arbeit zu überprüfen und ihn zu nennen, 'der größte lebende Erzählfilmemacher'.

Die Auszeichnung für Tarkovsky, einen der einflussreichsten Filmemacher Russlands, ist im Allgemeinen ein glühendes Lob, das eine Begeisterung hervorruft, die die Arbeit des Kultregisseurs jahrelang untersuchen und untersuchen lässt. Aber fast ebenso eifrig sind seine Kritiker; Publikum und Kritiker, die seine langsame, träge, unergründliche Arbeit langweilig und undurchdringlich finden. Solche wild divergierenden Ansichten, die ihn verehren oder ihn verabscheuen, können nur eines bedeuten: Die Filme von Tarkovsky repräsentieren die Apotheose einer bestimmten Art von Filmemachen und letztendlich Ihre Veranlagung, diese Art von Film zu mögen, bedingt Ihre Reaktion auf Tarkovsky. Selbst diejenigen, die langsame, meditative, traumhafte Filme hassen, können Tarkovskys Beherrschung der Form nicht leugnen. Und da die Filmgeschichte immer wieder auf den neuesten Stand gebracht wird, findet Tarkovskys Arbeit wie das Tröpfeln von Wasser, das nach einem Ausgang sucht, immer wieder Wege zur Wiedererkennung. Diese Woche, Kino International veröffentlicht sein letztes Bild, “; Das Opfer ”; Auf Blu-Ray und Anfang Mai veröffentlichte die Criterion Collection - die drei seiner Filme im Katalog hat - seinen Science-Fiction-Klassiker „Solaris“ im Blu-Format.



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Unendliche Faszination für das Spirituelle, das Metaphysische, die Textur von Träumen und Erinnerungen, vermied Tarkovsky konventionelle Erzählungen und Handlungen und versuchte stattdessen, die Essenz des Unbewussten durch ein geduldiges, rätselhaftes und reflektierendes Kino zu beleuchten, das für viele an poetische Göttlichkeit grenzt.



Obwohl sich ihre Methoden und ihre Ästhetik deutlich unterscheiden, fragt man sich, warum Terrence Malicks Filme und ähnliche Meditationen über große Bilder selten in Gesprächen über Tarkovsky auftauchen. Es scheint eine gewisse Verwandtschaft zwischen ihren Arbeiten zu bestehen, obwohl es unwahrscheinlich ist, dass der russische Filmemacher jemals eine Off-Stimme aufgenommen hätte, die buchstäblich jede metaphysische Frage laut stellt. es war eher sein Stil, diese oft existenziellen Rätsel implizit zu stellen und die Bilder die Arbeit leise und träumerisch erledigen zu lassen.

Tarkovsky schuf in vierundzwanzig Jahren nur sieben Spielfilme und ließ seine Filme atmen, und dann einige - sie sind oft durch ihre exorbitante Länge ('Andrei Rublev' ist 3 Stunden und 25 Minuten), ihr gemächliches Tempo und die Verwendung von gekennzeichnet Erweiterte Kamerafahrten, die zwischen 7 und 10 Minuten dauern konnten, verliehen seinen Bildern gewöhnlich eine schläfrige, halluzinatorische, hypnotische Atmosphäre. Tarkovsky glaubte, dass das Kino die einzige Kunstform war, die den Fluss der Zeit wirklich bewahren konnte - was vielleicht die Länge seiner Filme etwas erklärt -, und während sein hypnotischer Traumtenor und sein beruhigendes Tempo den durchschnittlichen Kinogänger einschlafen lassen können, ist seine “; Bildhauerei von Zeit ”; ethos (der Name seines posthumen Buches von 1989) erweckt im Allgemeinen Ehrfurcht, Staunen und ein Gefühl schöner Ambiguität bei denen, die geduldig und neugierig genug sind, um sich der Erfahrung hinzugeben. Wie John Gianvito In seinem Tarkovsky-Interviewbuch von 2006 heißt es, der Kern seiner Arbeit sei das „fast messianische Streben nach nichts Geringerem als der Erlösung der Seele des Menschen“.

“;Iwans Kindheit”; (1962)
Nicht viele Filmemacher wurden so entmutigend intellektuellisiert wie Tarkovsky, aber vorsichtige Neulinge nehmen zur Kenntnis: sein ausdrucksstarkes erstes Feature, “;Iwans Kindheit”; zeigt Glanzlichter seines Markenzeichens und Themen, findet den Regisseur jedoch in seiner zugänglichsten Form, wobei seine fast lineare Erzählung in effizienten 95 Minuten eintritt. Ivan, brillant gespielt von Nikolay Burlyaev, ist ein junger russischer Junge mit einem Engelsgesicht und einem Löwenherz, der als Kriegswaisen Kundschafter der sowjetischen Armee wird. Er träumt, er glaubt, er lehnt sich gegen den wohlmeinenden Schutz seiner Älteren auf - kurz, er ist ein Kind, in einer Zeit und an einem Ort, die wenig Respekt vor der Kindheit haben. Die Geschichte ist einfach und verheerend, aber was der Mythos von Tarkovsky (seine Filme sind 'schwierig' und 'würdig') möglicherweise nicht vorbereitet, ist die reine kinetische Freude, die man aus Bildern gewinnt, die durch Kameraplatzierung und Choreografie entstehen oder die leuchtende Beleuchtung eines Gesichts, sind anders als alles andere, was Sie gesehen haben. Um den Malick-Vergleich aufzurufen, ist dies wie “; Die dünne rote Linie ”; ein Kriegsfilm abgesehen, aber ironischerweise, wenn man bedenkt, dass er unter einem kommunistischen Regime arbeitete, ist es Tarkovskys Film, der individualistischer und persönlicher ist. Wo Malick einen Refrain schuf, eine kollektive Kriegszeit, die bewusstlos ist, macht Tarkovsky 'Iwans Kindheit' zu einem Kinderspiel. als scharfes, bittersüßes Porträt eines Jungen: sein Körper, sein Gesicht, seine Träume, seine Erinnerungen und all die anderen Dinge, die wir verlieren, wenn wir nur diesen einen unschuldigen verlieren. Denn letztendlich handelt es sich nicht um einen Film über die Kindheit, sondern um das Ende der Kindheit. in Form von Kholin, dem schneidigen Offizier, der sich mit Ivan anfreundet, aber selbst nie erwachsen geworden ist; oder Lt. Galtsev, dessen eigenes knabenhaftes, hübsches Gesicht vernarbt und verfolgt wird; oder der kleine Ivan, dessen Kindheit offenbar mehrmals endet, und möglicherweise jedes Mal, wenn er aufwacht. Schön und traurig und unterbrochen von Bildern, die im Gedächtnis verweilen. 'Ivan's Childhood' (Iwans Kindheit) Es ist vielleicht am bemerkenswertesten, ein Debüt zu sein, bei dem der junge Regisseur immer wieder die Nase vorn hatte, aber an sich schon ein wunderbarer Film war. [EIN-]

“;Andrei Rublev”; (1966)
Angesichts der Tatsache, dass das Kino mittlerweile als Kunstform fest etabliert ist, ist es merkwürdig, dass es sich nicht wirklich gut mit Kunst als Thema auseinandersetzt: Filme über Schriftsteller, Musiker, Maler und sogar andere Filmemacher tendieren dazu, simpel und reduzierend zu sein. Die große (in jeder Hinsicht) Ausnahme ist „Andrei Rublev, “, Das in mehr als drei Stunden das Leben des großen mittelalterlichen russischen Malers religiöser Ikonen episodisch dramatisiert. Aber machen Sie nicht den Fehler, zu denken, dass der Film selbst malerisch ist: Die Welt, die Tarkovsky darstellt, ist brutal, sinnlos und chaotisch (der berühmte Tod einer Pferdeszene stellt sicher, dass es sich nicht um einen Film für Tierliebhaber handelt). Aber wie sein Protagonist findet der Regisseur Schönheit in der Dunkelheit, vom Flug in einem Heißluftballon im Prolog des Films bis zu der erstaunlichen, ungebrochenen Weitwinkelaufnahme der Glocke, die am Höhepunkt erklingt und Rublev zur Rückkehr überredet zu malen. Am wichtigsten ist, dass es ein Film über die Rolle eines Künstlers in der Welt um ihn herum ist: Aus der Verhaftung eines Narren in einer frühen Szene geht hervor, dass dies kein gutes Klima für den kreativen Typ ist und Rublev ohne Beanstandung nachschaut Er wandte sich für einen Großteil seines Lebens von der Kunst ab und überzeugte sich schließlich davon, dass das, was er tut, einen echten Wert hat, dass es eine Notwendigkeit ist. Und als das Ende des Films Rublevs Arbeit zeigt (der einzige Teil des Films in Farbe), konnte niemand anderer Meinung sein. Es war nicht überraschend, dass die Behörden mit Tarkovskys fertiggestelltem Film nicht zufrieden waren: Er wurde in der Sowjetunion erst 1971 in einer gekürzten Fassung veröffentlicht und gelangte erst zwei Jahre später in einer noch brutaleren Fassung in die USA. Aber die Kriteriumsammlung veröffentlichte den Originalschnitt 1999 und festigte damit den Ruf des Films - The Guardian wählte ihn letztes Jahr zum zweitgrößten aller Zeiten. Lustige, etwas rätselhafte Tatsache: Co-Autor Andrei Konchalovsky fuhr fort zu leiten “Tango & Cash. ”[A +]

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“;Solaris”; (1972)
Tarkovskys Follow-up zu „Andrei Rublev“Wird selten in einem Satz erwähnt, ohne dass gleichzeitig das Wort„ 2001 “auftaucht. Abgesehen davon, dass es sich um einen nachdenklichen, spirituellen und meditativ getakteten Science-Fiction-Film handelt, der auf einem Roman eines der ganz Großen des Genres basiert (polnischer Schriftsteller) Stanislaw Lem), sie haben wenig gemeinsam: Wie J. Hoberman einmal in The Village Voice betont hat, ähnelt der Film eher einem anderen kritischen Liebling. Alfred Hitchcock'S'SchwindelIn der Geschichte von Kelvin, einem Psychologen, der bizarre Ereignisse auf einer Raumstation um den Ozeanplaneten Solaris untersuchen soll, sind keine Geräte oder CGI zu finden, sondern nur Menschen, die dort von einer Manifestation seines Späten begrüßt werden Frau, die sich Jahre zuvor umgebracht hat. Bei all seinem furchterregenden Ruf und seiner Laufzeit ist es eine einfache Geschichte von Trauer und verlorener Liebe, auch wenn sie mit Sci-Fi-Fragen nach Identität und der Natur der Menschheit aufgewertet ist. Hari, Kelvins Frau, ist aus Neutronen aufgebaut, hat aber alle Erinnerungen, Gedanken und Gefühle ihres verstorbenen Gegenübers - macht sie das nicht genauso menschlich? Es ist eine verheerende Geschichte (Haris zweiter Selbstmordversuch ist wirklich schlimm) und wohl Tarkovskys am tiefsten empfundene Geschichte. Dafür gibt es ein Argument Steven SoderberghDas Remake von 2002 ist der überlegene Film - bei fast der Hälfte der Länge ist es ein engeres, fokussierteres Bild, das nichts wirklich Wesentliches verliert -, aber das Original zu kürzen, wäre Wahnsinn: wie in all seinen Arbeiten Die besten Momente, wie die träge, erdgebundene Öffnung oder die atemberaubende Schwerelosigkeit, sind nahezu transzendent. Soderbergh gab später an, er habe den Roman adaptiert und den Film nicht neu gedreht. und verglichen Tarkovskys Bild mit einem “; Mammutbaum ”; während sein war “; ein kleiner Bonsai ”; [EIN]

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“;Spiegel”; (1975)
Arbeiten in einer zutiefst persönlichen Bewusstseinsströmung (ein entfernter Vorfahre von Terrence Malick'S'Der Baum des Lebens„Natürlich, außer ohne böswillige Dinosaurier), meidet Tarkovskys vorletzter sowjetischer Film die traditionelle Handlung und arbeitet stattdessen nach seinem eigenen Rhythmus und seiner eigenen Logik, die direkt mit dem sentimentalen Herzschlag des Filmemachers korreliert. Zwischen drei verschiedenen Epochen (Vorkriegs-, Kriegs- und Nachkriegszeit) blickt der Erzähler des Films auf sein Leben im Sterbebett zurück und träumt von allem, einschließlich der Auseinandersetzung mit seiner Ex-Frau und einem stressigen Moment, in dem seine Mutter mit ihr zu tun hat Korrekturlesen Tagesjob. Gosinko, Russlands staatliches Komitee für Kinematographie, hält dies für unverständlich und unlösbar. “Spiegel“Ist eine erstaunlich beeindruckende filmische Komposition, ein dichter Film, der überraschend frei von den Schwierigkeiten ist, die langsame minimalistische Erzählungen erfordern. Dies könnte an Tarkovskys Talent liegen, sich auf die Essenz eines bestimmten Moments einzulassen, sei es eine seltsame Fernseh-Seance, in der ein stotternder Junge von seiner Beeinträchtigung geheilt wird (was auch eine der besten Öffnungen für Celluloid sein muss), oder an der einfachen Akt einer mütterlichen Figur, die ihre Haare in einem Waschbecken wäscht. Oder es könnte einfach die bloße Beherrschung des ausgestellten Mediums sein, denn seine Kinematografie und das Klangdesign (sowohl die Auswahl klassischer Musik als auch die Beachtung der Melodien der Natur) waren noch nie so gut wie jetzt. Dies ist nicht nur jemandes Seele, die auf Filmmaterial festgehalten wurde, es ist Leben in seiner reinsten Form. ein durch und durch zertifiziertes Meisterstück. [A +]

“;Stalker”; (1979)
Während “;Solaris”; ist wahrscheinlich Tarkovskys bekanntester Film aufgrund seiner Genre-Assoziationen und seines Remakes von 2002, der post-apokalyptischen Vertonung von “;Stalker”; hält ebenso viele Genre-Insignien, ist aber wohl erfolgreicher (der Filmemacher selbst behauptete dies auch). Der Film spielt in einer Welt, die anscheinend ein Post-Atom-Russland ist (was jedoch nur angedeutet ist). Er zeichnet die Reise zweier Männer in die Zone auf - ein seltsamer, mystischer, verlassener Ort, der von Stacheldraht und Soldaten bewacht wird beherbergt einen Raum, der angeblich die undurchsichtige Utopie der innersten Hoffnungen und Träume enthält. Die Zone ist nicht an die Gesetze der Physik gebunden und unerklärlich und unsichtbar gefährlich. Sie kann nur mit Hilfe eines Stalkers navigiert werden - einer Person mit besonderen geistigen Begabungen, die das Risiko einer staatlichen Inhaftierung eingeht, wenn sie verzweifelte oder neugierige Menschen in diesen verbotenen Bereich bringt. Gegen den Willen seiner Frau begleitet ein bestimmter Stalker einen Schriftsteller in einer existenziellen Krise und einen stillen Wissenschaftler in die Zone, in der jeder von ihnen moralischen, psychologischen, existenziellen, philosophischen und geistigen Problemen ausgesetzt ist, während sich die drei Männer in die Tiefe des Gebäudes winden sogar körperliche Fragen und Konflikte. So rätselhaft und mysteriös wie jedes Bild von Tarkovsky, wie in 'Solaris'. die vagen sci-fi-ish-elemente geben ihm genug erzählung, um es zu einem seiner aufregendsten bilder zu machen, aber es geht keine kompromisse ein, wenn es darum geht, sich mit den metaphysischen und spirituellen themen auseinanderzusetzen, die alle seine arbeiten verfolgen. Von taktilem Sounddesign, wunderschönen braunen, monochromen Sepia-Tönen und einer heruntergekommenen Atmosphäre geprägt, ist es beinahe ein Wunder, dass Stalker Tarkovsky drehte ein ganzes Jahr mit einem anderen Kameramann im Freien, um Aufnahmen zu machen, die er schließlich brannte. Man könnte behaupten, das Bild sei ein Herz einer düsteren Reise ins Unbekannte, wenn auch ein viel surrealeres und metaphysischeres Bild als Joseph Conrad’; s Geschichte jemals beabsichtigt. [EIN]

“;Zeitreise”; (1982)
Nach Jahren unhaltbarer Zensur in seiner Heimat Russland würde Tarkovsky 1982 nach Italien abwandern und den 1979-Schuss “;Zeitreise”; Dokumentarfilm eine prägende Momentaufnahme der persönlichen Geschichte des Filmemachers. Besuch bei seinem Freund, dem italienischen Drehbuchautor Tonino Guerra - dem Verantwortlichen Michaelangelo Antonioni'S klassische Tetralogie von 1960-1964 - der Dokumentarfilm ist Teil Location Scout für “;Nostahlgia”; (er lässt sich schließlich auf dem einsamen Land von Bagno Vignoi nieder), teils italienischer Reisebericht, teils Freiform-Gesprächsstoff zwischen zwei Freunden, die über die Kunst des Kinos und des Lebens diskutieren. Die beiden diskutieren über Tarkovskys Lieblingsfilmer - Alexander Dowschenko, Robert Bresson, Antonioni, Fellini, Jean Vigo, Sergei Paradschanow - jüngere Filmemacher beraten und Themen wie italienische Architektur, Poesie und die “; Fiktion ”; der Erzählung und Aktion. Während das Gespräch interessant ist, ist es nicht besonders aufschlussreich für diejenigen, die Tarkovsky-ites nicht so leidenschaftlich sind, obwohl es ein paar kleinere Enthüllungen gibt. Tarkovsky behauptet, er genieße keine Genre- oder Werbefilme und sagt in diesem Sinne “;Solaris”; - von vielen als sein bester Film angesehen - ist sein am wenigsten erfolgreicher, weil er sich den [Fallen] des Genres, den fiktiven Details, nicht entziehen konnte. ”; Im Fall von “;Stalker, ”; er glaubt, dass es funktioniert, weil er alle Science-Fiction-Zeichen vollständig beseitigt hat. Das freut mich sehr. ”; Wie bei allen Filmen von Tarkovsky ist der Rhythmus langsam und meditativ, was sich weniger für das Dokumentarformat als für seine Spielfilme eignet. Als solches ist es wirklich nur für Hardcore-Tarkovsky-Komplettisten. [C +]

“;Nostalgie”; (1983)
Ein Herzinfarkt, eine Fehlfunktion und eine ungeheure Zensur verhinderten, dass Tarkovsky in seinem Heimatland gesund arbeiten konnte, aber es war dies, seine erste Produktion außerhalb des Landes, die seine vehemente Ablehnung der Rückkehr bestätigte, eine Entscheidung, die sich erst verstärkte, als die bildermacher der sowjetischen delegation kämpften erfolgreich gegen seine chancen bei einer palme d ’; oder sieg bei der Filmfestspiele von Cannes dieses Jahr. Mitgeschrieben von Tonino Guerra ('Ewigkeit und ein Tag''Blow-Up, ”Etc.) folgt das faszinierende Auge des Films einem russischen Dichter in Italien (den Orten, die in der Kinematographie festgehalten werden, die nicht nur lieben, sondern das Thema lieben). Der Dichter soll dort nach dem verstorbenen Komponisten Pavel Sosnovsky forschen, verliebt sich jedoch in einen gestörten Vagabunden, den er trifft (Domiziana Giordano) und, erfüllt von der Sehnsucht nach Heimat und geplagt von Träumen, in denen er der geplagte Nomade ist, verpflichtet er sich schließlich, ein spirituelles Ritual durchzuführen, das, so der Fremde, die Welt vor der Verdammnis retten wird. Abstrakt und undurchsichtig, lässt sich dennoch nicht leugnen, wie sehr es den inneren Konflikt des Filmemachers widerspiegelt, Land und Familie aufzugeben, um im Ausland sicher zu arbeiten. Mehr als nur ein Kommentar zu einer sentimentalen Lust, das Wort “; Nostalgie ”; bedeutet sowohl auf Russisch als auch auf Italienisch das Gleiche und ruft so die Beobachtung des Films hervor, wie zwei separate Elemente zusammengesetzt werden können, um ein größeres / extremeres „Eins“ zu bilden. Dieses Thema der Einheit aus Dualität wird auch belegt durchNostalgieNicht einen Ersatz für den Regisseur, sondern zwei - das Heimweh, aber rational, der Künstler und der Verrückte; beide widmen sich unmöglich einer einzigen Philosophie. Es ist der Kontrast zwischen diesen beiden, der Tarkovsky, den Familienvater, und Tarkovsky, den Autor, direkt widerspiegelt, aber in einer Dualität herrscht gewöhnlich eine Seite vor, und hier verliert die Rationalität: Der Dichter stirbt, und der Filmemacher verlässt im wirklichen Leben seine Familie für seine Kunst. „Nostalgie“ kann sicherlich als melancholische Sehnsucht nach Zuhause gesehen werden, aber es kann auch als höchst selbstkritisches Werk gelesen werden, das voller Reue und Züchtigung ist, wenn es darum geht, sich für künstlerische Freiheit gegenüber Verwandten zu entscheiden. In beiden Fällen handelt es sich um eine aufregende Tour de Force. [EIN]

“;Das Opfer”; (1986)
Tarkovskys letzter Film, der 1986 kurz vor seinem Tod an Lungenkrebs im Endstadium fertiggestellt wurde, könnte der Höhepunkt all dessen sein, was er jemals im Kino erreichen wollte. Bergmans Vorliebe für Tarkovsky ist gut dokumentiert und das Gefühl war gegenseitig; das schwedisch gesetzte Bild spielte die Hauptrolle Erland Josephson - ein bedeutender Bergman-Schauspieler, der mehrere Bilder des Schweden leitete, darunter „Szenen aus einer Ehe''Herbstsonate' und 'Fanny & Alexander”; - und zeigte die malerische Kinematographie von Sven Nykvist. Der Glaube und die Abwesenheit von Spiritualität waren immer zentrale Themen Tarkowskis und beide werden in diesem hypnotischen Moraldrama untersucht und getestet. Josephson spielt einen Journalisten und ehemaligen Philosophen, dessen Geburtstag von der Nachricht unterbrochen wird, dass der Dritte Weltkrieg ausgebrochen ist und die Menschheit nur noch wenige Stunden von der Vernichtung entfernt ist. Ein frommer Atheist, in seiner Verzweiflung, betet Josephson zu Gott und opfert sogar das Leben seines Sohnes, wenn Krieg vermieden werden kann. Er schläft mit einer Hexe, um Gott seine Treue zu zeigen, aber am nächsten Tag ist alles in Ordnung und es ist unklar, ob die vorangegangenen Ereignisse nur ein Traum waren. Gedreht in Tarkovskys normalerweise langen Dauern (manche dauern fast 10 Minuten), läuft der Film in knapp drei Stunden und ist vielleicht der traumhafteste Filmemacher in einer Karriere, die von hypnagogischen Filmen geprägt ist. Speziell für die Produktion wurde ein gigantisches Haus gebaut, und als es den Kameras nicht gelang, die Verbrennung in einer langen Kamerafahrt festzuhalten, wurde das Haus originalgetreu rekonstruiert und erneut niedergebrannt - Terrence Malick und Jack Fish würde stolz sein. Bei der Filmfestspiele von Cannes In diesem Jahr erhielt der Film den Preis der Großen Jury und die Preise der FIPRESCI und der Ökumenischen Jury. [EIN]

- Rodrigo Perez, Jessica Kiang, Christopher Bell und Oliver Lyttelton



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