Das Wesentliche: Die 15 größten Ingmar-Bergman-Filme

Es gibt Phasen in der Beziehung jedes Cineasts zum Film. Es beginnt wahrscheinlich als unersättlicher, alles fressender Hunger, der sich auf alles in Sichtweite stürzt, ohne Rücksicht auf Qualität oder Herkunft. Irgendwann verlangsamt es sich ein wenig, da verschiedene Geschmacksrichtungen und charakteristische Muster auftauchen. man entwickelt einen bestimmten Geschmack. In diesem Stadium bleiben einige auf der Strecke und entwickeln andere Interessen, Leidenschaften und Karrieren - man könnte sie nennen Leben- Aber die wirklich Verliebten bleiben auf Kurs und suchen immer seltener und wundersamer werdende Schätze mit einem Gefühl der Qualitätskontrolle. Bald erreichen sie den Status eines vollwertigen Cinephiles, aber erst nach einer Zeit, in der wir der Einfachheit halber „Bergman“ nennen werden Woche.'



Ingmar Bergman ist ein Regisseur, dessen entmutigender Ruf ihm mehrere tausend Meilen voraus ist. Und jetzt, unter dem bestätigten Pantheon der Großen, die nicht mehr bei uns sind, wurde sein hinterer Katalog so kanonisiert, dass es schwierig ist, einfach einen Bergman-Film zu überqueren oder seine Filme organisch zu entdecken. Für viele gibt es ein offenes, etwas ernstes Pflichtgefühl, wenn Sie sich zum ersten Mal auf eine Bergman-DVD setzen oder das Gefühl haben, dass ich nur intellektuell bin, wenn Sie Ihr erstes Ticket für ein Bergman-Mitarbeiter-Screening kaufen. Es ist unvermeidlich und bedauerlich, aber es bedeutet auch, dass Generation um Generation Filmliebhaber dieselbe unglaubliche Entdeckung machen müssen, die viele von uns gemacht haben: Bergman ist erstaunlich. Experimentell, lebendig, manchmal beinahe schockierend modern - Bergmans Filme sind keine Museumsartefakte, die hinter Glas zurückgesetzt sind, sondern riesige, immersive, pulsierende Kunstwerke, die Sie so tief treffen können, dass Sie nur eines nach dem anderen verschlingen möchten ein anderer im Galopp und sehen, ob Sie auch nur aus der Ferne die gleiche Person auf der anderen Seite sind. Das ist Bergman-Woche.

Gestern, Kriterium hat eine neue Restaurierung von Bergmans Pracht hinzugefügt. “Schreie und Flüstern„Zu ihrer Sammlung, und wir haben alle über unsere eigenen Bergman-Wochen nachgedacht - jene offenbarenden Momente, in denen unsere persönlichen Beziehungen zum schwedischen Meisterwerk gefestigt wurden. In dem Bestreben, noch mehr zum Mitmachen anzuregen (und ehrlich gesagt, zum Entsetzen, das wir noch nicht getan hatten), dachten wir, dies sei ein guter Zeitpunkt, um seine wichtigsten Filme durchzuarbeiten. Es gibt wenig über Bergman zu sagen, was man am besten nicht durch seine Arbeit entdeckt, aber wir können dies sagen: Ein Filmemacher, der Ihre Wahrnehmung des Kinos verändert und bereichert, ist großartig; aber einer, der deine Wahrnehmung des Lebens verändert und bereichert - von Menschen, menschlichen Beziehungen, der ganzen weiten Welt - ist ein Meister.



“; Sommer mit Monika ”; (1953)



Eine Reihe von Filmemachern startete ihre Karriere im Bereich Softcore-Pornos mit
Francis Ford Coppola das bemerkenswerteste in einer Liste, die enthält Wir s
Feige
und Barry Sonnenfeld, aber es ist immer noch ein wenig überraschend, wenn Sie
Denken Sie daran, dass einer von Ingmar Bergmans frühesten Filmen 1953 der Sommer war
Mit Monika ”; wurde in den USA als Sexploitation umgepackt
Bild, um eine halbe Stunde gekürzt und in “;Monika, Die Geschichte von A
Böses Mädchen
. ”; Auch in dieser Form schimmerte die Qualität durch, als die
der berühmteste Bergman-Fan der Welt, Woody Allen, bemerkt zu The Hollywood Reporter,
sagen “; Der erste Bergmann, den ich je gesehen habe, war [Monika], weil es ihn gab
Sprechen Sie in der Nachbarschaft, dass es eine Nacktszene gab. Das war ungehört
von in jedem amerikanischen Film, das Niveau des Fortschritts. Es ist so lustig zu
denken Sie daran so. Ich habe es gesehen und es war ein sehr, sehr interessanter Film
abgesehen von dem absolut gütigen nackten Moment … Es war einfach fabelhaft
Film. Ich war von allem in meinen Sitz vernietet. Ich dachte bei mir: Wer ist
dieser Typ? ’; ”; In Rechnung gestellt als “; Ein Bild für große Bildschirme und breite Köpfe ”; und
kurz vom LA Vice Squad für Unanständigkeit beschlagnahmt, der Film, der
markiert das erste Team des Regisseurs mit der ersten seiner vielen Musen,
Harriet Andersson,
ist eigentlich eine ungeheuer kraftvolle und rohe Geschichte von
Die erste Liebe, die wahrscheinlich nicht besonders gut zu Grindhouse gepasst hat
Publikum auf der Suche nach T & A (von denen es sehr wenig gibt). Andersson
spielt ein junges mädchen von der falschen seite der stockholmer spuren wer
verliebt sich in einen Jungen in ihrem Alter (Lars Ekborg) und rennen gemeinsam für den Sommer weg,
Nur um herauszufinden, dass sie schwanger ist: Sie sind gezwungen zu heiraten, aber auch
Bald, und die Dinge werden schnell unglücklich. Melodramfrei und wunderschön
gespielt von den jugendlichen Leads, ist es lyrisch, schmerzhaft, überraschend
klaustrophobisches Zeug, was darauf hindeutet, dass Liebe, zumindest wenn Sie jung sind,
braucht Raum und Sauerstoff, um zu gedeihen. Und obwohl es vorher einige solide Bergman-Titel gibt, wird „Monika“ allgemein als Beginn der bemerkenswertesten Phase von Bergmans Karriere angesehen, zumal es eine „Phase“ war, die fünf Jahrzehnte dauern würde.

“; Lächeln einer Sommernacht ”; (1955)

Der Film, der Bergmans internationalen Ruf nach der Vorführung in Berlin begründete
Wettbewerb bei Cannes im Jahr 1956 war nicht eine, die auf die wies
großartige, metaphysische Qual, die vom Filmemacher herüber kommen sollte
die nächsten Jahrzehnte. Es war in der Tat eine Komödie, nicht so etwas
Bergman ist für den eher ungezwungenen Betrachter aber als jeder bekannt, der es gesehen hat
“; Lächeln einer Sommernacht ”; wird wissen, eine Form, die er ziemlich hatte
Kapazität für. Es spielt um die Jahrhundertwende und konzentriert sich auf die verschiedenen
romantische Untreue zwischen dem mittleren Alter Fredrik (Gunnar
Björnstrand
), seine viel jüngere Frau Anne (Ulla Jacobsson), sein Sohn Henrik (Björn Bjelfvenstam), seine Schauspielerin Ex-Liebhaber (Eva Dahlbeck) und
mehrere andere Figuren sowohl oben als auch unten (die Flirts
zwischen Dienstmädchen Harriet Andersson und Diener Ake Fridell sind unter den
Höhepunkte, obwohl die ganze Besetzung Spiel ist), eine Mittsommernacht. An der Oberfläche ist es anders
von so vielem, was folgen würde und wie eine klassische Bühne rüberkommt
Farce von Wilde oder Noel Feigling wie von angepasst Ernst Lubitsch, mit müheloser Handlung und einem berauschenden, verschwitzten Gefühl von
Sex und Sinnlichkeit durchziehen es, aber das ist nicht nur eine leere Farce. Bergman kannte oder würde zumindest die Freuden kennenlernen und
Schmerz der Untreue, sein persönliches Leben in fünf Ehen (er war
auf seinem dritten und würde Harriet Andersson für verlassen Bibi Andersson bald nach der Produktion) und mehrere Angelegenheiten mit seinen Hauptdarstellern,
und es gibt hier ein echtes neugieriges Gefühl, zu fragen, warum Menschen dazu getrieben werden
woanders nach Sex suchen. Während viele seiner Filme das aufgehen lassen würden
Trostlosigkeit mit Comic-Elementen, hier ist es umgekehrt, mit
Stiche echten Schmerzes inmitten des Witzes und des Partnertauschs, etwas das
erwies sich als enorm einflussreich, und nicht nur auf die Arbeit, die es direkt
inspiriert - Stephen Sondheim’; s Musical “;Eine kleine Nachtmusik, ”; und Woody
Allens Film “;Eine Sex-Komödie von Mittsommernacht.”;

“Walderdbeeren” (1957)

Wenn Sie die missverstandene Vorstellung von Bergman als ... stören möchten
Miserabilist (off-topic: ist Woody Allen ’;s Ehrfurcht vor Bergman ’; s
'Ernsthaftigkeit' ist vielleicht das Schlimmste, was Bergman je passiert ist
Vermächtnis in Bezug auf die Rekrutierung neuer Anhänger?) und „Lächeln einer Sommernacht' oder 'Fanny und Alexander ”
Lassen Sie uns 'Walderdbeeren' vorschlagen, als ob dies nicht der Fall wäre
Sein glücklichster Film, dann der überraschendste. Wir
könnte angesichts der Themen Altern und Bedauern und doch etwas anderes annehmen
Es ist ein Film, dessen Stimmung sich nach außen und nach oben entwickelt, bevor sie sich endgültig ändert
öffnet sich später wie eine Blume, die nachts blüht. Alterungsprofessor
Isak Borg (brillant gespielt von einem großartigen schwedischen Regisseur) Victor Sjostrom)
beschließt aus einer Laune heraus, zur Zeremonie zu fahren, die ihm zu Ehren am
seine alte Universität. Der mürrische, selbstbekannte Pedant wird von begleitet
seine flintige Schwiegertochter Marianne (Ingrid Thulin). Und auf dem Weg,
Borgs Alpträume, Träume und Erinnerungen werden von Menschen ausgelöst, die er trifft,
insbesondere einJules und Jim“-Esque Dreier von Tramper in denen
das junge Mädchen, gespielt von Bibi Andersson, wer spielt auch Borg ’; s
erinnerte Ex-Schatz, ist zwischen den Zuneigungen der beiden hin und her gerissen
kontrastierende Männer. Die expressionistischen Träumereien können sich ein wenig auf die
Nase jetzt, und die Kinematographie, von “Das siebte Siegel'’; s Gunnar Fischer,
ist schwerer und bewusster als der trügerische Naturalismus von
Sven Nykvist ’; s Stil, wenn auch nicht weniger leuchtend. Aber wirklich was diese
Episoden dienen zur Veranschaulichung von Borgs allmählichem, manchmal schmerzhaftem Verlauf, der sich von dem Bedauern und der Schuld befreit, die einen Mann leicht überwältigen könnten
seines Alters. Ich erinnere mich an alles von “König Lear”Zu Kurosawa’; s
'Ikiru ” zu Dickens’; 'Ein Weihnachtslied,' 'Wilde Erdbeeren'
Gelegentlich knarrt es aber trotzdem zu einem warmen, emotionalen Höhepunkt mit einem
ungewöhnliche Perspektive auf Akzeptanz als Weg nicht nur zur Zufriedenheit,
aber zu echter Freude. Und als solches ist es einfach einer der größten und tollsten Filme über das Alter, die jemals gedreht wurden.

“; Das siebte Siegel ”; (1958)

Sagen Sie die Wörter ‘ Ingmar ’; und ‘ Bergman ’; für die durchschnittliche Person, und es ist wahrscheinlich, dass sie an das Bild eines Ritters denken wird
Schach spielen mit dem Tod an einem Strand (wenn diese beiden Wörter überhaupt etwas bedeuten). “; Das siebte Siegel ”; ist, danke an
Parodien von allen, von Woody Allen bis zu “;Bill & Teds falsche Reise, ”; seine meisten
vertraute Arbeit für ein allgemeines Publikum, auch wenn sie es noch nie getan haben
eigentlich gesehen. Aber der Film ist weitaus bedeutsamer, da er einen der wichtigsten einbezieht
ikonische und einflussreiche Szenen in der Kinogeschichte. Basierend auf seinem Spiel “;Holz
Gemälde,
”; und laut bergman unter schwer gemacht
Umstände in einer Welle der Vitalität und Freude, ”; die Filmstars Max von
Sydow
in der ersten seiner elf zusammenarbeit mit dem regisseur als a
mittelalterlicher Ritter, der nach den Kreuzzügen in das von der Pest heimgesuchte Dänemark zurückkehrt
mit Gutsherr Jons (Gunnar Bjornstrandt), nur um dem Tod zu begegnen (Bengt
Ekerot
), den er zu einem Schachspiel herausfordert, um zu verlängern
sein Leben und eine letzte bedeutungsvolle Handlung vollbringen. Befriedigende Behandlung der meisten Lieblingsthemen des Regisseurs - Sterblichkeit,
Glaube, der Schmerz der Existenz - durch ein Prisma poetischer Bilder, das sich anfühlt
näher an ChaucerIch bin ein Gleichnis oder ein heiliges Wandgemälde als alles andere
Kino produzierte zu der Zeit oder seitdem von Sydows
Die Suche nach Gott und Güte steht vor einer mittelalterlichen Landschaft, die sich anfühlt
positiv apokalyptisch, dank der herrlich strengen Fotografie von
Gunnar Fischer
. Es ist eine aufrichtige, fast puritanische Arbeit, und doch bei allem
Der Ruf als schräge und entfremdende Arbeit, die entwaffnend witzig sein kann und immer den Humanismus von Bergmans früheren Bildern beibehält (teilweise)
Dank der Leichtigkeit und des Charmes der Schauspielerfamilie, die von
Sydow und Björnstandt begegnen). Bis der Ritter abreist und einen ‘ Totentanz ’; es ist klar, dass Bergman nicht nur gewesen ist
darüber zu reden, was es heißt zu sterben, aber was es heißt zu leben.

New York Fernsehfestival

“Der jungfräuliche Frühling” (1960)

Bergman arbeitete in vielen Formen, aber wahrscheinlich dank der Art und Weise “The
Seventh Seal “durchdrungen von Popkultur, sein Oeuvre fühlt sich am engsten verbunden
(vor allem, wenn Sie seine Filmografie nicht so gut kennen)
Fabel. Aber von den vielen Versuchen, die er gemacht hat, hat er eine solche Geschichte geschrieben - eine solche
bittet, auf allegorischen Ebenen gelesen zu werden, mit dem
Zeichen sind wichtiger für die Ideen, die sie darstellen, als für
ihre menschlichen Persönlichkeiten - so klar und deutlich hat er es noch nie getan
Einfacher als mit „The Virgin Spring“, der als Ergebnis den ersten seiner drei fremdsprachigen Film-Oscars gewann. Das ungewöhnlich lineare und
verständliche Geschichte, vor allem im Lichte von Dickichten
Interpretationen von Filmen wie 'Seventh Seal ’; oder 'Die Stille, ’
basiert auf einer alten schwedischen Ballade. Es erzählt von der Vergewaltigung und Ermordung von
Karin (Birgitta Peterson), geliebte Tochter des Landbesitzers Tore (von Sydow) und seiner Frau Mareta (Birgitta Valberg), von dem Zeuge ist
ihre mürrische, schwangere Dienerin Ingeri (Gunnel Lindblom). Karin ’; s
Angreifer suchen Schutz in Tore ’; s Haus, in dem sie unwissentlich verraten
sich selbst und überließ Tore die Rache. Aber da sind
erkennbar gedeiht das Bergmanische: die Beziehung zwischen Karin
und Ingeri ist entlang sexueller, klassenmäßiger und religiöser Grenzen gespalten
Karins 'Reinheit', erhöhter Status und Christentum und Ingeris
Sinnlichkeit (Lindlbloms eintöniges wildes Kind ist eine Seltenheit)
Leistungsfehltritt in Bergmans Kanon), niedrige Geburt und Heidentum. Noch
Auch die fromme, gutmütige Karin ist eitel und verwöhnt, und die ärgerliche
Wildling Ingeri ist von Schuldgefühlen über den Angriff geplagt, so die Moral
Trennung zwischen den beiden ist verschwommen. Fügen Sie dem hinzu Sven Nykvist’; s
fast wundersame Fotografie, und Von Sydows befehlende dennoch verinnerlicht
Leistung, und 'The Virgin Spring' ist ein überzeugender Zugangspunkt zu
Bergmans komplexere Untersuchungen an anderer Stelle. Allein unter Bergmans Filmen inspirierte es auch ein Exploitation-Horror-Remake mit „Letztes Haus
auf dem Lef
t. '

“; Dunkel durch ein Glas ”; (1961)

Es ist schwierig, einen der Filme in Bergmans zutiefst resonanter Trilogie des Glaubens zu diskutieren, ohne sie als Ganzes zu sehen. eine ängstliche Reihe von Geschichten, die in existenzielle Krisen über Glauben, Liebe und den Sinn des Lebens selbst verstrickt sind. Alle Bilder finden an isolierten, einzelnen Schauplätzen statt und kristallisieren die innere Klaustrophobie von Bergmans emotional aufgeladenen Kammerdramen heraus. Bei allen kann es sich um kalte, strenge Uhren handeln. In einer Moll-Tonart geworfen, “; Durch ein Glas dunkel ”; zentriert sich auf einen langsamen und schmerzhaften Zerfall; ein Familienurlaub in einem Sommerhaus auf der Insel Fårö (Bergmans Lieblingsort, an dem er sich viele Jahre im Exil aufhielt), der versucht, vorsichtig mit dem Elefanten im Zimmer umzugehen: der sich verschlechternden geistigen Verfassung der ältesten Tochter der Familie, Karin (Harriet Andersson) der einen Nervenzusammenbruch erlitten hat. Von Sydow spielt ihren einfühlsamen Arzt Ehemann, der versucht, das mutige Gesicht aufzutragen, Gunnar Björnstrand ist ihr losgelöster, emotional entfernter Vater, dem seine Karriere als Schriftsteller mehr am Herzen liegt als seinen eigenen Kindern und Minus (Lars Passgård) ist das emotional gestörte, sexuell unsichere jüngere Geschwister, das die Zustimmung seines Vaters nie erhalten hat. Während sie versuchen, Karins Rückkehr aus einer psychiatrischen Klinik zu feiern, zeigen sich die empfindlichen Risse in der Familiendynamik; Karin hört Stimmen und glaubt, eine Spinne in der Wand sei Gott. In der Natur des Theaters gipfelt das leise erschütternde Bild in einem noch mehr inhaftierten Milieu, das eine beunruhigende Anspielung auf Inzest macht. “; Dunkel durch ein Glas ”; legt nahe, dass Bergman ’; s Genie (ähnlich wie das von Robert Bresson) darin, wie er aus einfachen Inszenierungen und inspirierten Inszenierungen die maximale emotionale Wirkung herausholt, und die Akademie war sich einig: Das Bild gewann 1962 den Oscar für den besten fremdsprachigen Film, Bergmans zweiten Oscar.

“; Winterlicht ”; (1962)

Angst, Angst und spirituelle Krise stehen bei Bergman im Mittelpunkt. auch, aber dieses Mal ist es voll mit einer stärkeren Unterströmung von Bitterkeit und Grausamkeit. Dieses strenge und rigorose Bild dreht sich um einen enträtselten örtlichen Pastor (Gunnar Bjornstrand), deren schleichende Zweifel an Gott sich zu zeigen beginnen. Der Prediger, der an einem kalten, unwirtlichen Novembernachmittag über einen Zeitraum von drei Stunden angesiedelt ist, beendet seine Sonntagsrede und ist dann von den Forderungen seiner schwindenden Pfarrei mit ihren eigenen Bedürfnissen überwältigt. Ein Mann (von Sydow) ist durch seine eigene existenzielle Melancholie behindert; seine Ängste vor Chinas nuklearen Fähigkeiten lähmen sich. Ein anderes Gemeindemitglied, eine schlichte Frau (Ingrid Thulin) verliebt in den Priester gesteht ihre Zuneigung, was seine persönlichen Turbulenzen weiter erschwert und belastet. Als solcher kann der Geistliche seiner Gemeinde nicht helfen, und wenn er von einem verliebten Schullehrer angesteckt wird, beginnt sein Ressentiment und seine Verachtung an der Oberfläche zu brodeln. Bergman betrachtete „Winterlicht“ als einen seiner Lieblingsfilme, und dank des hauptberuflichen Kameramanns beginnt es, aus den Zwängen des inszenierten Kammerspiels auszubrechen Sven Nykvist, der eine aggressivere und viszeralere Art der Rahmung beherrscht: Beachten Sie, wie die Rahmung den langen Austausch von Priester und Frau als Verhör und Geständnis darstellt. Stark und gekennzeichnet durch unangenehme Stilleperioden ('Gottes Stille', sagte Bergman). 'Winterlicht'. ist ein ebenso strenger Film wie er jemals gemacht hat, aber in seinen gewaltigen Grenzen schwingt eine exquisit beobachtete Geschichte von eindringlichem, verinnerlichtem Leiden mit.

Oscar-Bewertungen nach Jahr


'Die Stille' (1963)

Auf der Oberfläche (und darunter) eines der bedrohlichsten Filme von Bergman, 'The Silence', ist das letzte Segment nach 'Winter Light' und 'Through a Glass Darkly' seiner 'Faith Trilogy' (von Kritikern so genannt). Bergman selbst hat den Begriff nur mit Vorbehalt übernommen. Der Film zeigt aber auch viele der Themen „Schreie und Flüstern, ”Obwohl hier, Sven Nyqvist’; s Fotografie ist in seidigem Schwarzweiß gehalten, im Gegensatz zu den knallroten Farben des späteren Films, und verleiht der ohnehin schon offen formalistischen Übung eine noch strengere Note. Zwei Schwestern, die kranke, intellektuelle Ester (Ingrid Thulin) und die sinnliche, sorglose Anna (Gunnel Lindblom) unternehmen zusammen mit Annas kleinem Sohn Johan eine Reise durch ein ungenanntes osteuropäisches Land, in dem niemand die Sprache versteht (der Dialog ist minimal). Sie verbringen ein paar Tage in einem Hotel bröckelnder Größe, und als Ester mit Anfällen von körperzerreißenden Schmerzen und Verzweiflung zu kämpfen hat, wagt sich Anna heraus und hat mehrere sexuelle Begegnungen, während Johan zwischen seiner kranken Tante und den anderen Hotelbewohnern treibt. am denkwürdigsten eine Truppe von Zirkuszwergen. Es gibt verschiedene Möglichkeiten, diesen neugierigen, stillen und oft grausamen Film zu interpretieren, aber die Schwestern stehen unweigerlich für zwei gegenseitig misstrauische, gleichermaßen solipsistische Hälften derselben Person: den Intellektuellen, der versucht, in jedem Ereignis einen Sinn zu finden; Anna die flüchtige, erdige, egoistische Person, die sich mit Sex beschäftigt, der genauso bedeutungslos ist wie ihre Weltanschauung. Was für den Humanisten Bergman bemerkenswert ist, ist die kühle Abneigung, mit der er beide Frauen hier betrachtet, was der Abneigung nahe kommt - stattdessen ist der kleine Johan sein Stellvertreter, und so wird der Film zu einer Art passiven / aggressiven Kampf um die ungeformte Seele des Jungen zwischen den polaren Gegensätzen dieser beiden Frauen, die eher Abstraktionen als erkennbare menschliche Wesen sind. Die Atmosphäre unter Null macht es schwierig, 'The Silence' zu bewundern, aber es ist auch das, was den Film unmöglich macht, zu vergessen.

'Person' (1966)

Rhetorische Frage: Welche Art von Filmografie kann, egal die
Launen der Mode bieten immer einen Titel an, der sich anfühlt wie der von
Wichtig für unser Verständnis, wer wir gerade sind? Mit
seine harte Kante des Experimentalismus, der auf Science - Fiction, und sein gleicht
Motive poröser Identität, Bewußtsein und Erinnerung treten vor, „Persona“. Diese immer wieder erstaunlichen, vitalen, aber grenzenlosen Filmstars
Liv Ullmann als die Schauspielerin Elisabet und Bibi Andersson als ihre Krankenschwester
Alma, und entfaltet sich als die seltsamste, plangente Melodie, in der jede Note
ist geschickt, bestimmt und klar und doch macht das Ganze überirdisch,
unergründliche, unheimliche Musik. 'Persona' erzählt die Geschichte der Genesung
Elisabet wird von der geselligen Krankenschwester Alma betreut, aber im Laufe der Zeit
des Films, das gegenseitige Vertrauen und gelegentliche gegenseitige Abneigung der
Eine Beziehung lässt eine Art statisches Summen in den Hintergrund treten, das an Intensität zunimmt, bis die Frauen in einem Moment kontrollierter Katastrophen zu sein scheinen
unwiderruflich miteinander verschmelzen. Zumindest diese 'Finsternis' -Sensation ist eine
Interpretation - es gibt viele, da „Persona“ dekonstruiert werden kann
fast auf jeder Ebene und noch nicht alle seine Geheimnisse aufgeben. Es ist auch
Schockierend modern - aus dem Flash-Screen-Bild eines erigierten Penis, der
vorfiguren “Fight ClubUm Jahrzehnte; zum avantgardistischen Projektor Jam
bewirken; zur Enthüllung von Bergman und seinen Mannschaftsfilmen; zu den Szenen von
der junge beobachtet die bilder der frauen (im berühmten
Straight-On / Profile-Shot, den sich noch niemand so ungezwungen gefühlt hat Sven
Nykvist
). Für jedes aufstrebende cinephile, für das Bergman ’; s
Der Ruf kann entmutigend und stickig wirken, als wäre er mit gewachsen
Seriosität und Efeu, es ist ein erstaunliches Korrektiv; fast fünfzig
Jahre alt, nichts in 'Persona' fühlt sich heute weniger als brandneu an
wird alles morgen noch eine Offenbarung sein.


'Stunde des Wolfes' (1968)

Weit verbreitet als Bergmans einziger Horrorfilm, obwohl der psychologische Schrecken, den er in vielen seiner Dramen hervorruft, nicht geleugnet werden kann: „Hour of the Wolf ’; sieht
er verband die Insignien der gotischen Horrortradition - eine gruselige Burg; ein widerlich dichter Wald; ein
Chor verdorbener Aristokraten; Spuk, Mord, Nekrophilie - mit
erkennbarer Bergmanian Bedenken über den Wert von Kunst, Schuld, und
die Grenze zwischen Genie und Wahnsinn. Es ist nicht ganz erfolgreich, und
der film gliedert sich eher zu ordentlich in zwei teile, hat aber beide teile
ihre eigenen Stärken. Bekannter Maler ist Johan Borg (von Sydow)
mit seiner Frau Alma auf einer abgelegenen Insel zu erholen
Ullmann). Sie sind zum nahe gelegenen Schloss und eingeladen
entdecken Sie, dass die Dame des Hauses eines von Borgs Gemälden besitzt (die
von Veronika, der Frau, die er liebte und verlor und an die er sich erinnerte
beginnt ihn immer wieder zu besessen, trotz Almas stetigem, praktischem Verhalten
Hingabe. Für alle Faschingsgrotesken der Schlossszenen (und
Es gibt eine großartige Szene, aus der man direkt die Wand erklimmen kann David Lynch), das
Die spannendste Sequenz des Films ist eine kontrastreiche Rückblende, entweder a
Ein Traum oder eine Erinnerung, in der Borg fischt und ein kleiner Junge sich sonnt
in der Nähe. Deliriously mit den glatten, fast blendend weißen Gliedmaßen des Jungen gegen die glatten schwarzen Felsen gestaltet, kämpfen sie und Borg schließlich
tötet ihn, zermalmt zuerst seinen Körper zwischen seinem eigenen und der Felswand
dahinter, dann zerschmettert ihn mit einem Stein. Die Schatten von
'Rosmarins Baby' und Hammer Horror und Edgar Allen Poe das gibt es zuhauf
Andernorts kann es manchmal zu Engpässen im Camp kommen (erfreulicherweise, zumal man spürt, wie sich Bergman ein wenig lockert), aber am ehesten formtreu
Das schreckliche Bild, das er beschwört, ist überhaupt kein Horrortrop. Es ist einfach der Junge, der wortlos hinter Borg steht, während er fischt
Was für immer wie ein Untergang erscheint und all das Grauen in unseren Köpfen ist - unsere Angst vor dem, was er repräsentiert, und unsere Angst vor dem, was als nächstes passieren wird.


'Schande' (1968)

Die Voraussetzungen für viele der besten Filme Bergmans können fast wie soziologische Experimente wirken, wie das Platzieren unterschiedlicher „Exemplare“ in einer Art unausweichlichem
Situation - ein Familientreffen, ein ausländisches Hotel, eine Insel, ein Roadtrip -, um ihre Interaktionen zu beobachten. 'Schade', ein unerklärlicher
Ein übersehener Eintrag in Bergmans Filmographie ist einer davon, nur diesmal er
stellt sein zentrales Ehepaar (ungewöhnlich gekennzeichnet durch die
Stärke, Praktikabilität und Ungeduld der Frau und der weinerlichen
Emotionalität des Mannes) direkt in den Schmelztiegel des Krieges. Was ergibt sich
ist eine erstaunlich provokative Aussage über die persönliche Moral in einem
Konfliktsituation und eine bemerkenswert prägnante Analyse eines Zerfalls
Ehe, die im ereignisreichen Verlauf des unbenannten Krieges steckt
all der Treibstoff, den gegenseitiges Misstrauen, eheliche Unzufriedenheit und persönliche Moral ausmachen
verrotten könnte jemals brauchen. Mit zwei untypischen, aber brillanten Performances
von Ullmann und von Sydow - hier letzteres, so oft eine Bastion
von Saturnin, männlicher Stärke für Bergman, spielt das scheinbar Schwächere
Partner - der Film ist auch ein Schaufenster für die einzigartige Klarheit von Sven Nykvist’; s Bilder, selbst im Tumult der Kampfszenen. Es ist
zum Teil eine Antikriegserklärung, die nicht nur von der
Brutalität, aber durch die Motivlosigkeit und den Mangel an Details
über die konkurrierenden Ideologien - Krieg ist Krieg ist Krieg und niemals ist es Krieg
alles andere als entmenschlichend. Es ist aber auch ein sehr persönlicher Film
dass trotz seiner Empathie Anzeichen von Ekel bei den beiden Künstlern sind
die irgendwie das Gefühl haben, es sei ihr Recht zu fliehen, weil sie es sind
unpolitisch und unbeteiligt. Dass die letzten Phasen der Flucht sind
vereitelt, wenn ihr Boot in einer Masse von Schwimmkörpern verwickelt wird, ist die perfekte ironische Verkapselung der Sinnlosigkeit und Unbeweglichkeit von
ihre Instinkte, den größeren Kräften bei der Arbeit zu entfliehen.

“Cries and Whispers” (1972)

Unter den unwahrscheinlichsten Nominierten für das beste Bild aller Zeiten, nicht nur wegen
sein Status als fremdsprachiger Film, aber auch als formal experimenteller,
'Cries and Whispers', thematisch kompromissloses Werk, ist einer der trostlosesten Filme von Bergman. Ein Kammerstück geschmiedet
blockish Schwarze, Weiße und Blutrote, es ist möglicherweise der Höhepunkt von
Bergmans immer wiederkehrende Besessenheit von Eifersucht, Bosheit und Bloßheit
Hass, der schwesterliche Beziehungen infizieren kann. Doch der Film nimmt auf
andere bekannte Begriffe, wie weibliche Pflicht gegenüber weiblicher Selbstsucht,
mütterliche Beziehungen, religiöser Glaube und ein fast paranoisches Grauen
des Körpers, ob als Sexspielzeug oder als Gefäß für die
übermäßige Verschlechterung von Krankheit und Tod. Mit 'Präsens'
Episoden sitzen neben Rückblenden, es ist die Geschichte von drei Schwestern,
Maria (Ullmann), deren flüchtige Sinnlichkeit eine Verachtung verbirgt
ihr Ehemann, der es ihr ermöglicht, leidenschaftslos zuzusehen, während er es versucht
Selbstmord; Karin (Thulin), deren Ekel vor sexuellem Kontakt so ist
dass sie ihre Genitalien verstümmelt; und Agnes (Harriet Andersson), Wer ist
furchtbar sterben (die Szenen, in denen Andersson sich vor urtierischem Schmerz windet und schreit, gehören zu den quälendsten, die Bergman je gedreht hat), und zu
deren Sterbebett die anderen beiden in schwesterlicher Sorge gekommen sind
das scheint nur flüchtig echt. Lachen gibt es nur wenige. Die Magd Anna (Kari
Sylwan
), gezeichnet als die einzige anständige Person im Haus, ist religiös und
Agnes gewidmet, vielleicht bis zu dem Punkt, an dem sie geliebt haben, aber
wird kurzerhand mit wenig Entschlossenheit gefeuert, sobald Agnes stirbt,
und während das Ende sie Trost aus einer Erinnerung in haben kann
Agnes ’; Tagebuch eines glücklichen Augenblicks zwischen allen drei Schwestern, es ist
Nachdrücklich kein Happy End. Bergman ist zu Recht als Kino bekannt
großer Humanist, aber manchmal beginnt seine Vision der Menschheit
und endet in Verzweiflung.

Netflix Academy Awards


'Szenen aus einer Ehe' (1973)

Ursprünglich eine Miniserie für das schwedische Fernsehen (wenn Sie können)
alle 300 minuten begehen, da ist ein servicable
168 Minuten Kinofassung, wodurch es sich etwas seifiger anfühlt, aber nur geringfügig), die Dinge, die Bergman im Kino verliert
Übergang zum kleineren Bildschirm, wie die Größe von Sven
Nykvist ’;
s Großbild-Kinematographie sind enorm
überwog, was er gewann. Nämlich Nykvists clevere Kleinbildkino-Kamera sowie die Fähigkeit, sich zu verbreiten
und tief in sein Fachgebiet hinein: die bürgerliche Ehe. Ullmann, wessen jeder
Leistung für Bergman haben wir wahrscheinlich als 'endgültig' bezeichnet, aber wir
Ja wirklich
Damit meine ich diesmal Sterne neben einem ebenso bemerkenswerten Erland
Josephson
, wie Marianne und Johan, das zentrale Paar, das die Show als buchstäbliches Magazin-Spread-Happy-Paar startet, nur für den koketteren und sexuelleren Johan
dass er sie nach zehnjähriger Ehe für eine andere Frau verlässt.
Ihre Scheidung verläuft unruhig und schließlich heiraten sie andere Menschen, aber was machen sie mit dieser instinktiven Vertrautheit, dieser Muskelerinnerung voneinander? Trotz der psychischen und physischen Schmerzen und Demütigungen, die sie sich gegenseitig zufügen (und Bergman ist in diesen Details wie immer unerschütterlich)
und obwohl es eine Menge Beizmeilen gibt, die man aus dem Auto herausholen kann
Tatsache, dass sie in einer Show über die Ehe ein Drittel des Weges trennen und sich später scheiden lassen (wie sehr Bergman), die Bindung zwischen Marianne und
Johan erweist sich als dauerhafte Ehe im unrechtlichen Sinne. Wie
sie kommen am Ende wieder zusammen, lösen nicht ihre Differenzen, sondern vielleicht die Dummheit, ihre Beziehung in einfachen gesellschaftlichen Begriffen zu definieren. Sie erkennen eine tiefere Verbindung an, die trotz seines schwedischen Pessimismus anderswo
'Szenen aus einer Ehe' sagt uns, dass Bergman wirklich daran glaubt. Trotz all seiner Einsicht in die Boshaftigkeit und Unüberschaubarkeit langfristiger Beziehungen und seiner ambivalenten Haltung gegenüber der sozialen Institution der Ehe überrascht und erfreut Bergman uns alle, indem er sich an seiner beteiligt eigenen hart erkämpften, einzigartig antiromantischen Weg, zu der unglaublich romantischen Vorstellung von The One.


“;Herbstsonate ”; (1978)

Es ist schwer nachzuvollziehen, wann genau 'Herbstsonate' beginnt, dein Herz zu brechen (wir schlagen vor, dass es ungefähr 5 Minuten dauert oder kurz nachdem der Vorspann verblasst ist), aber wenn es einmal startet, hört es niemals auf und wird dich verlassen in smithereens durch seinen Abschluss. Die furchtbare Wahrheit über einen Tag und eine Nacht, in der die bekannte Konzertpianistin Charlotte (Ingrid Bergman) kommt, um bei ihrer Tochter Eva (Ullman) zu bleiben, mit ein paar kurzen Schnitten von Bergmans skalpellscharfem Dialog, der diese verknöcherte Mutter-Tochter-Beziehung in all ihrer Schuld, Vernachlässigung, Selbstsucht und Unterdrückung schmerzlich bloßlegt. Charlotte hat Eva seit sieben Jahren nicht mehr gesehen. In dieser Zeit hat Eva geheiratet und den Tod ihres kleinen Jungen erlitten. Eva hat häufig an ihre Mutter geschrieben, aber Charlotte hat es oft versäumt, die Briefe vollständig zu lesen, und ist in ein glamouröseres Leben mit Weltreisen, Karriereerfolg und Liebesbeziehungen verwickelt. Nach dem Tod ihrer langjährigen Begleiterin kommt Charlotte endlich zu Besuch und entdeckt zu ihrem unverhüllten Entsetzen, dass ihre andere Tochter Helena, die aufgrund einer degenerativen Krankheit verkrüppelt ist und fast nicht sprechen kann, bei Eva lebt und nicht zu Hause ist in die Charlotte sie gelegt hat. Die Intensität des emotionalen Tauziehens zwischen den Frauen kann ungeheuerlich sein, und es ist auch kein Monster, und die Geschwindigkeit, mit der unser Mitgefühl von einem zum anderen schwingt, droht manchmal mit Schleudertrauma. Es ist eine brillante Anspielung auf eine Art schreckliche Ironie: Sie unterscheiden sich in jeder Hinsicht, müssen sich aber fortwährend umkreisen, vereint durch die Geschichte und ein paar hartnäckige DNA-Stränge. Im Gegensatz zu dem einfachen Gut, das Familien und Mütter oft anderswo vertreten, ist diese Bindung hier weniger ein Segen als irgendeine Art von lebenslanger Haftstrafe, die Charlotte und Eva beide verhängen sollen.

“; Fanny und Alexander ”; (1982)
Noch länger einwiegen
als “;Szenen einer Ehe,”; obwohl in den USA nicht in vollem Umfang verfügbar
Fünfeinhalb Stunden TV-Schnitt bis vor relativ kurzer Zeit, “; Fanny And
Alexander ”; wurde von Bergman als eine Art Zusammenfassung und eine
Schwanengesang für seine Karriere, obwohl er auch mehrere andere Filme drehte
für das Fernsehen in den nächsten zweieinhalb Jahrzehnten. Es ist ein Magnum-Werk
im wahrsten Sinne eines der persönlichsten, mächtigsten Regisseure
Bilder, ein Dickensianisches, Proustianisches Epos, das trotz seiner Länge (auch das
Kinobearbeitung war über drei Stunden) könnte der am leichtesten zugängliche Eintrag sein
deuten auf seine Arbeit hin - die Akademie glaubte es mit Sicherheit und gab ihr vier Oscars und
nominiert es für zwei weitere. Frei nach Bergmans eigener Kindheit
mit seinem strengen und missbräuchlichen Ministervater ist es in Uppsala in den USA angesiedelt
frühen Jahren des 20. Jahrhunderts und durch die Augen der beiden erzählt
junge Titelfiguren (Pernilla Allwin und Bertil Guve), wie ihr warmes,
freudiges Leben ist auf den Kopf gestellt, wenn ihr Vater stirbt und ihre Mutter (Vorabend
Herumtollen
) heiratet den harten Ortsbischof, der Alexander zu bestrafen beginnt
für die geringsten Verstöße, einschließlich Geschichten erfinden. Der Film ’; s
Das weitläufige und schön strukturierte Ensemble von Charakteren umfasst am meisten
von Bergmans Lieblingen und bewegt sich von einem naturalistischen, legitimen
angenehme Öffnung durch zunehmend erschütternde und trostlose Aspekte
(Die Sequenz, in der sich die Tante des Bischofs in Brand setzt, ist eine von
die eindringlichsten Dinge, die er je gedreht hat). Optisch aufwendig, mit regelmäßigen
Mitarbeiter mögen Sven Nykvist tun vielleicht ihre beste Arbeit überhaupt, und mit
Angesichts der Tiefe und Komplexität eines großen Romans dürfte es nicht unbedingt Bergmans sein
kultigsten Film, aber es ist leicht eine seiner größten und schönsten Errungenschaften, und
der Beweis, dass ein Filmemacher die Nase vorn haben kann.

Es ist ein Zeichen von Bergmans Statur, dass diese Liste über 15 Titel hinaus irreduzibel war und leicht über 20 hinaus hätte gehen können, wenn wir Filme aufgenommen hätten, die er geschrieben hatte, im Gegensatz zu denen, die er inszeniert hatte. Wenn es also jemanden gibt, der uns besonders dafür beschimpfen möchte, dass er auf faszinierende experimentelle Opernadaptionen verzichtet. “Die magische Flöte''Sommer Zwischenspiel''Sägemehl und Lametta''Die Passion von Anna' oder 'Gefängnis'Insbesondere haben wir keine gute Verteidigung - es sind jeweils brillante Filme, die die Filmografien der meisten Regisseure in den Schatten stellen.' Darüber hinaus haben neu geprägte Fans mehr zu entdecken wie „Von Angesicht zu Angesicht'Und das seltsame und wundersame'Der Zauberer'Zusammen mit früheren Filmen einschließlich'Das Auge des Teufels'Und Fernsehfilme wie'Aus dem Leben der MarionettenWir hoffen jedoch, dass diese Auswahl sowie die Angabe mehrerer vorgeschlagener Einstiegspunkte für den totalen Neuling einen Hinweis auf unsere unergründliche Bewunderung für diesen unvergleichlichen Filmemacher gegeben hat. Wir sind zutiefst neidisch auf jemanden, der gerade seine Entdeckungsreise nach Bergman angetreten hat. -Jessica Kiang, war Lyttelton & Rodrigo Perez









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