Daily Reads: Warum Zack Snyder immer wieder Comic-Filme ruiniert, über das Christsein und den Hass auf christliche Filme und mehr

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1. Warum Zack Snyder weiterhin Comic-Filme ruiniert.
Amerika hat immer noch „Batman gegen Superman“ -Fieber, was bedeutet, dass viele, viel mehr Menschen Zack Snyders einzigartige, aber polarisierende visuelle Ästhetik sehen werden. Todd VanDerWerff von Vox untersucht Snyders Filme und warum seine Regie immer wieder Comicfilme ruiniert.

Dies ist die Tragödie von Zack Snyder. Er ist ein mutiger, unverwechselbarer Filmemacher, der dem Superhelden-Film seinen Stempel aufdrücken könnte - ein Genre, das sich immer formelhafter anfühlt. Er versteht aber auch die Anziehungskraft der verschiedenen Charaktere, die er auf die Leinwand hüten soll, völlig falsch und korrigiert sie dann in nachfolgenden Projekten für jede Kritik, die er erhält - als „Batman v Superman“ besessen davon zu sein schien, diejenigen zu gewinnen, die an „Man of“ dachten Steel “war zu mutwillig zerstört. Ein Teil davon ist wahrscheinlich eine Folge der Überlastung durch die Arbeit in einem Filmstudio - Warner Bros. -, das es sehr lieben würde, ein eigenes Superhelden-Franchise zu haben, um besser mit dem kulturellen Giganten Marvel konkurrieren zu können. Und jedes Mal, wenn ein Film so vielen Unternehmensleitern dienen muss wie die beiden Superman-Bilder von Snyder, wird das Geschichtenerzählen darunter leiden. Aber Snyders zwei andere Comic-Adaptionen hatten ähnlich Probleme mit der Kluft zwischen der ironischen Großartigkeit des Quellmaterials und den tieferen Ideen, die es enthalten könnte. Zum Beispiel ist „300“ der künstlerisch erfolgreichste Film, den Snyder jemals gedreht hat, weil der Comic, auf dem er basiert, nicht wirklich viel zu sagen hat: „Großartige Männer sind großartig.“ Kein Wunder, dass Snyder sich so schnell damit in Verbindung gesetzt hat Frank Miller, Autor von '300', der anscheinend gern den Titel 'Ein großer Mann kann alles ändern' trägt ... Aber dieser Ansatz hat bei 'Watchmen' nicht so gut funktioniert, bei dem die Trennung zwischen Text und Subtext der springende Punkt war. Der Text von Alan Moore und Dave Gibbons bahnbrechendem Comic lautete: „Beobachten Sie, wie diese Helden über den Hügel zurück ins Spiel kommen, um die Welt zu retten. Ist es nicht cool? 'Der Untertext lautete:' Wie durcheinander muss man sein, um ein kostümierter Bürgerwehrmann zu werden? Was ist der Sinn der Menschheit überhaupt? 'Es ist eine massive Untertreibung zu sagen, dass Snyders sklavische' Wächter '- die ein paar Sequenzen aus dem Ausgangsmaterial nachbilden, so dass fast jede Tafel im Comic einer Einstellung im Film entspricht - den Untertext verfehlt haben. Die grausame Ultraviolenz des Films wird von einer vermeintlichen Faustpumpe durchdrungen, und eine Handvoll von Emotionsversuchen jenseits von „Fuck yeah!“ Fallen größtenteils flach (auch in einer viel verspotteten Liebesszene)… Auf der Seite hat „Watchmen“ gemacht eine Reihe von Listen der „besten Bücher des 20. Jahrhunderts“. Aber auf der Leinwand ist es eine Kuriosität - ein Film mit mehreren Nietsequenzen… aber einem hohlen Kern. Die Geschichte von Moore und Gibbons von einer Welt, die sich langsam in Ruine verwandelt, wurde durch ein Kritzeln eines Gymnasiasten ersetzt.

2. Christ sein und christliche Filme hassen. Der weltliche Multiplex kann ein schwieriger Ort für diejenigen sein, die den Glauben haben, Filme mit positiven religiösen Botschaften zu finden, und es gibt eine ganze Reihe christlicher Filme mit niedrigem Budget, die ein Publikum bei diesen Leuten gefunden haben. Aber es ist zu erwarten, dass nicht alle Christen diese glaubensbasierten Filme als unterhaltsam empfinden. Die Autorin Alissa Wilkinson erforscht das Christsein und hasst christliche Filme.

Fakt: Ich bin das Zielpublikum für diese Filme. Ich war mein ganzes Leben lang Christ, besuchte evangelische Kirchen, sang im Chor und half an der Vacation Bible School aus. Ich wurde aus religiösen Gründen zu Hause unterrichtet und wuchs in einer ländlichen Stadt auf. Als ich nach Brooklyn zog, wurde ich ein kommunizierendes Mitglied einer evangelisch-presbyterianischen Kirche. Mitglieder meiner Familie gehören einer ganzen Reihe von Kirchen entlang der Ostküste an, von Southern Baptist über Assemblies of God bis hin zu Evangelical Free und Roman Catholic. Ich bin Filmkritiker für 'Christianity Today', gegründet von Billy Graham, der Ikone des Southern Baptist. Ich bin hauptberuflich am King's College tätig, einer Schule, die 1938 von einem Rundfunkprediger gegründet wurde. Heute unterrichte ich Studenten, die in Kirchen in ganz Amerika aufgewachsen sind. Ich bin Christ. Ich liebe auch gute Filme und schaue und schreibe über sie, um meinen Lebensunterhalt zu verdienen. Es ist mir wichtig, dass sie gut sind. Und die Flut von christlichen Filmen löste eine Flut von schlechten Kritiken aus. Es ist praktisch katechetisch unter vielen religiösen Anhängern und Filmproduzenten, dass Mainstream-Kritiker die Filme schwenken, weil sie 'nicht an Jesus glauben'. Die Probleme gehen tiefer. Jesus geht es gut; die Drehbuchautoren, nicht so sehr. Während die Zuschauer diese Filme auslachen, stehe ich in der Internetecke, zucke zusammen und versuche, nicht zu schimpfen. Ich kann es nicht einfach abwischen wie andere. Die christliche Theologie ist reich und kreativ und voller Fantasie. Sie ist breit genug, um sich in allen Arten menschlicher Kulturen niederzulassen. Sie enthält in sich die Vorstellung, dass Kunst als Gut für sich existiert, nicht nur als Nutzfahrzeug für Botschaften. (Im Griechischen nennt die Bibel Menschen 'Gedichte' - das finde ich toll.) Es gibt keinen Grund, warum christliche Filme sich nicht die Zeit nehmen können, gute Kunst zu werden. Jeder, der versagt, macht mich wütend. Mit 'God's Not Dead' kam alles zu einem Höhepunkt. Mit dem Budget von 2 Millionen US-Dollar wurden 60 Millionen US-Dollar eingespielt und im Wesentlichen der auf Glauben basierende Produktionsjuggernaut Pure Flix lanciert. Es handelt sich im Wesentlichen um eine Adaption eines Internet-Memes, in dem ein atheistischer Professor einen Streit mit einem niedrigen Studenten über die Existenz Gottes verliert. Zuerst habe ich den Film gemieden, weil ich dachte, es wäre ein weiterer beschissener christlicher Film, und ich war bereits überflutet worden. Ich wollte, dass es weggeht. Ich habe mir schließlich eine Kopie des Films von einem Freund ausgeliehen. Wir alle machen Fehler.

3. Wenn es eine Erleichterung ist, auf eine gute Show zu verzichten. In dieser Ära von Peak TV oder im Goldenen Zeitalter des Fernsehens oder in der einen oder anderen Zeit des Fernsehens gibt es einiges an Qualitätsfernsehen, über das man nachdenken muss, und noch viel mehr, um das Fernsehen aufzugeben. Richard Lawson von Vanity Fair schreibt darüber, wann es eine Erleichterung ist, auf das Anschauen einer Show zu verzichten.

Eine im Herbst einsetzende Sucht nach einer Kreuzworträtsel-App hat dazu geführt, dass ich viel Zeit damit verbracht habe, „ETUI“ und „ERST“ in mein Telefon zu tippen, anstatt wirklich darauf zu achten, was mit Annalise und mit wem auch immer passiert. Das ist also ein Problem meiner eigenen zerstörten Aufmerksamkeitsspanne, die verstreut und unkonzentriert ist und durch eine Verlegenheit der Bildschirme verdorben wird. Aber ich lege den Hörer für einige Shows auf, von der Qualität des betörend launischen Kunstprojekts „The Leftovers“ bis zum immer ungeschickteren, aber immer noch einnehmenden Albtraumgenerator „The Walking Dead“ aus einem Haus im Mittleren Westen („The Walking Dead“). The Middle ”) zu einem anderen (“ The Carmichael Show ”). Ich kann aufpassen - ich verspreche es. Vielleicht ist etwas Einzigartiges an der Marke OMG TV, den Shows, die ShondaLand einnehmen, und den Punkten in der Nähe (mit Blick auf Sie, „Quantico“), die heiß und hell leuchten und die Leute zum Twittern und OMG-Singen bringen. Nach einem hohen, kurzen Bogen über den Himmel zur Hauptsendezeit beginnen die Zuschauer schnell, sich zu verabschieden. (Tatsächlich hatte ABC dieses Jahr einige Probleme mit seiner 'TGIT' -Donnerstagsnacht-Besetzung.) Bei all den Mysterien und Rückblenden und Kavalkaden von Charakteren ist dies eine verrückte Energie, um eine Show und ihre Autoren zu bitten, Episode für Episode aufrechtzuerhalten, Jahr für Jahr. Und es ist eine Menge zu verlangen, dass das Publikum auf dem Laufenden bleibt, wenn man bedenkt, wie viele Optionen - das Genie und der Junkie - von den beiden 2001er-Monolithen aus Kabelboxen und Apple-TVs angesprochen werden. Was diese Shows wirklich sind oder sein sollten, sind Miniserien. Eine Staffel mit dem Titel 'How to Get Away with Murder', die schockiert und nervt, Viola Davis und Emmy gewinnt, heißen schwulen Sex bietet und Millionen von Zuschauern anlockt? Das ist ein großartiger, vorverpackter, verkaufsfähiger Erfolg. Zwölf eigenständige Folgen mit Cookie Lyons katastrophaler, triumphaler Rückkehr ins Musikgeschäft, die Taraji P. Hensons Star wieder verfestigen und den Rundfunksendern Hoffnung geben? Klingt gut. Aber mehrere Saisons dieser geschäftigen, seifigen Shows scheinen schnell abnehmende Renditen zu haben, was problematisch ist. Dass dies zwei der seltenen Fernsehsendungen sind, die Star-Frauen in Farbe (wie auch „Quantico“) zweifellos zu diesem unruhigen Gefühl beitragen - wenn nur diese wichtigen, notwendigen Serien sich robuster und nachhaltiger anfühlten. Aber es ist unbestreitbar etwas Müdes an ihnen, auffällig und schnell und aufregend wie sie sind.

4. Die Tiefen dessen, was wir nicht wissen können: Über „Das Doppelleben von Veronique“. Obwohl viele Filme in diesem Jahr 25 Jahre alt werden, sind nur wenige so bezaubernd und kraftvoll wie Krzysztof Kieślowskis „Das doppelte Leben von Veronique“, die Geschichte von zwei Frauen, die sich nicht kennen, aber eine emotionale und spirituelle Geschichte teilen, die transzendiert ihre eigenen unmittelbaren Welten. Jessica Ritchey von RogerEbert.com untersucht den Film anlässlich seines 25-jährigen Jubiläums.



Ich sehe eine Frau. Sie geht am späten Nachmittag im bernsteingrünen Licht einer Universitätsstadt spazieren. Sie macht Filme. Sie hat in New York und Chicago gelebt. Sie ist um die ganze Welt gereist. Sie trägt ihre Haare lang. Diese Frau bin ich. Dies ist das Ich, das das College beendet und ein eigenes Leben aufgebaut hat. Ich spüre sie von Zeit zu Zeit, ein unheimliches Gefühl, wo ich sicher bin, dass sie auf der materiellen Ebene existiert. In diesem Moment geht sie zu Fuß, um einen Termin zu vereinbaren. Nur wenige Filme haben dieses Gefühl so gut festgehalten wie Krzysztof Kieślowskis „Das doppelte Leben von Véronique“, ein betörender Film, der dieses Jahr fünfundzwanzig wird. Es ist ein Film, der unempfindlich, rutschig und sinnlich wie Wasser in seinen Bildern ist. Aber sein Text ist eine aufregende, nummerische Lektüre darüber, wie die Entscheidungen, die wir treffen, und Wege, die wir nicht beschreiten, uns buchstäblich als Gespenster von Leben verfolgen können, die nicht gelebt werden. Véronique (Irène Jacob) ist eine Französin, die in Warschau Urlaub macht. Sie macht unwissentlich ein Foto von ihrer polnischen Doppel-Weronika (auch Jacob). Weronika entdeckt Véronique im Bus und hat nur ein paar Momente Zeit, sich zu wundern, als der Bus davonfährt. Weronika bereitet sich auf ein wichtiges Debüt als Sängerin vor. Als sie den Mund öffnet, um zu singen, bricht sie zusammen und stirbt an einer Herzerkrankung. In diesem Moment befindet sich Veronique seltsamerweise nach dem Sex mit ihrem derzeitigen Liebhaber in Tränen. Sie versucht ihrem Partner zu erklären, dass sie das Gefühl hatte, plötzlich ganz alleine auf der Welt zu sein. Dieser existenzielle Schmerz, einen Teil zu verlieren, von dem du nicht wusstest, dass du ihn brauchst, hängt über dem Rest des Films. Die Sehnsucht, dieses fehlende Teil zu finden, wird Véronique in eine Beziehung mit einem Puppenspieler führen. Sie bemerkt zuerst sein Spiegelbild hinter dem Vorhang, als er eine Show für die Schule aufführt, in der Véronique unterrichtet. Der Film warnt auf subtile Weise davor, sich in ein Bild zu verlieben, während Véronique in eine Reihe von Tests und Spielen verwickelt wird, die der Mann nicht für die Liebe arrangiert, sondern für eine Neugier, die sich selbst als Liebe schmeichelt. Es ist nur gegen Ende und entscheidend, nachdem sie Weronika in ihren Kontaktabzügen aus Warschau entdeckt hat, dass Véronique dies erkennt. Der Mann, den sie zu lieben glaubt, sieht sie als Rohstoff für die Geschichten, die er erschafft. Sie wird das fehlende Teil in ihm nicht finden. Und sie wird diesen großen goldenen Faden nicht finden, der alles und jeden verbindet und das großartige Muster hinter dem Universum offenbart. Das Leben bleibt in seiner Bedeutung frustrierend schwer fassbar.

5. Die seltsame Geschichte von Daniel Robinson und Nestor, dem Ein-Mann-Film. Viele Mikrobudget-Filmemacher machen jeden Tag Filme, aber die meisten dieser Filme enthalten einige der Standardmerkmale von Erzählfilmen, wie zum Beispiel eine Besetzung, eine Crew oder überhaupt irgendwelche Leute, aber der Filmemacher Daniel Robinson versuchte, einen Film zu machen seine einsam und erfolgreich. Für die A.V. Charles Bramesco berichtet über Robinsons 'Nestor', den Ein-Mann-Film.

Der in Ontario geborene Daniel Robinson wollte keine großen symbolischen Aussagen zum kreativen Eigentum machen, als er 2014 mit der Produktion seines Debütspielfilms „Nestor“ begann. Er wollte mit der Armee, die er hatte, in den Krieg ziehen, und das geschah zu der Zeit eine Armee von einem sein. Der 32-jährige Absolvent der Toronto Film School war der Meinung, dass es ihm den Weg ebnen würde, wenn er auf all die Dinge verzichtet, die Filmaufnahmen unnötig komplizieren, beispielsweise auf einen Kameramann oder eine Besetzung oder andere Personen Projekt in voller Länge. Und er hat es getan - aber das Erstaunliche ist, dass der letzte Teil dieses Films keine Collage der amateurhaften, inkompetenten Schwärmereien eines Verrückten ist. Solche Bemühungen waren zuvor von experimentellen Typen durchgeführt worden - Stan Brakhage hat jede Menge Avantgarde-Filme durch seine Einsamkeit produziert -, aber Robinsons zeichnet sich durch seine grundlegende Filmhaftigkeit aus; Es hat einen Charakter, eine Handlung, eine Laufzeit von 61 Minuten und den Rest der Kernkomponenten, die das narrative Kino ausmachen. Und für einen Spielfilm in voller Länge, der von einem Mann gedreht wurde, der mit einem nicht vorhandenen Budget in völliger Selbstisolierung arbeitet, ist „Nestor“ unglaublich gut. Robinson weiß, wie das alles klingt. Er ist ein selbstbewusster Typ und der erste, der alle Erzählungen von Weisen und Waldarbeitern, die seinen Impuls romantisieren könnten, verdrängt, den Kern des Filmemachens als einen bon-iver-artigen Rückzugsort zu meiden, um mit den erholsamen Kräften der Natur zu kommunizieren. Sein abgenutzter Prozess sei eine Notwendigkeit gewesen, erklärte er während eines Telefongesprächs mit „The A.V. Club “:„ Ich hatte keine Film-Community, mit der ich etwas zu tun hätte. Es ist nicht so, dass ich nicht den Ehrgeiz hatte, eine traditionelle Produktion zu produzieren. Ich wollte so schnell wie möglich loslegen. Ich wollte nicht ein oder zwei Jahre warten, ein Drehbuch schreiben und ein Budget finden. Ich wollte loslegen, und der einzige Weg, auf dem ich wusste, wie das geht, war allein. “Berühmte letzte Worte, aber Robinson zu hören, wie er seinen Prozess erklärt, macht alles Sinn. Nach seiner Einschätzung war dies der einfachste Weg für ihn, ein Feature fertigzustellen, wobei er auf eine Fülle von Einfallsreichtum zählen musste, um einen Mangel an Ressourcen zu kompensieren. Er verwendete seine eigene DSLR-Kamera in Standardausführung (eine Canon T3i). nahm Umgebungsgeräusche auf seinem iPhone auf und versteckte ein kleines Schrotflintenmikrofon, wo immer er konnte, um Geräusche aufzunehmen; Abgeschlossene Postproduktion mit Hilfe benutzerfreundlicher Software; entweder auf das leerstehende Haus seiner Eltern oder in der freien Natur geschossen; und benutzte keine Kostüme oder künstliches Set-Dressing. Er misst sein Budget nicht in ausgegebenem Geld, sondern in unverdientem Geld; Robinson versenkte nur wenig seines Wertes außerhalb seiner geistigen Gesundheit in „Nestor“ und schätzte stattdessen die Gesamtkosten in Höhe von etwa 5.000 US-Dollar in Bezug auf die von seiner Arbeit genommene Zeit. (Robinson-Tageslicht in einem riesigen, oft leeren Lagerraum.) Dieser Ansatz klingt fast komisch undurchführbar. Ein Trottel kann nicht anders, als ein ganzes Schiff durch den Dschungel zu ziehen oder monatelang in der bitteren Kälte mit nur natürlichem Sonnenlicht zu schießen. Wie Robinson es nannte, war es der klebrigste Wicket, einen Platz zu finden, an dem er sein Mikrofon in großen Schüssen verstauen konnte.

Tweet des Tages:

Ich habe ein paar blöde Sachen gesehen, aber der Typ, der versucht, Bilder von einem 3D-Film zu machen und es dann erneut mit seiner 3D-Brille zu versuchen, könnte ein neuer Tiefpunkt sein.

Black Panther Erfolg

- Matt Singer (@mattsinger), 30. März 2016

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