Claustrophobes müssen nicht zutreffen: 16 Single Location Movies

Eine der Grundannahmen für junge Filmemacher, die in der Filmschule unterrichtet und gefördert werden, besteht darin, aus praktischen Gründen einen einfachen, im Idealfall einheitlichen Ort zu wählen: Budgets und deren Fehlen, Genehmigungen, Kontrolle, Beleuchtung Leichtigkeit usw. Wenn Sie ein Filmstudent mit wenig Mitteln sind, können Sie einen Film am einfachsten in einer Umgebung drehen, in der Sie im Idealfall die totale Kontrolle haben.



Nämlich; Quentin Tarantino setze sein Überfallbild “Reservoir Dogs”In einem Lagerhaus und zeigte nie den Überfall, sondern entschied sich dafür, das Innere als Innenaufnahme zu behalten, abgesehen von ein paar Szenen draußen, die wahrscheinlich in ein oder zwei Tagen gedreht wurden. Interessanterweise haben auf unserer Liste der besten Single-Location-Filme fast alle diese Filmemacher diese Filme durch kreative Wahl und nicht, weil sie dazu gezwungen waren, in einer einzigen Umgebung gedreht. Die Methodik dahinter ist nicht weit entfernt Jack WhiteWeniger-ist-mehr Manifest innerhalb der weiße Streifen: Lassen Sie sich kreativ einfallen, indem Sie alle Spielsachen abziehen, die Ihnen normalerweise zur Verfügung stehen, und kehren Sie zu den Grundlagen zurück.

Danny Boyle'S'127 Stunden'Kommt heute in limitierter Auflage in die Kinos, und obwohl der Film nicht nur an einem einzigen Ort spielt, spielt der größte Teil des Films in einer einzigen, klaustrophobischen Schlucht, in der der Canyoner Aron Ralston unter einem Felsblock gefangen ist. Boyle verwendet jeden Trick in seinem filmischen Vokabular, um die Situation aktuell zu halten, aber wir dachten, wir würden untersuchen, wie andere Filmemacher von Alfred Hitchcock vor kurzem “Begraben'Direktor Rodrigo Cortes, haben sich mit einem einzigen Standort befasst.



'Rope' (1948)
Im 'SeilBasierend auf dem realen Fall von Leopold und Loeb, zwei Universitätsstudenten, die an Nietzsches Übermenschsche Mordtheorie als ultimativen Akt der intellektuellen Überlegenheit glaubten, wirft Alfred Hitchcock eine Reihe von technischen Hürden auf, um die Geschichte zu bringen am 1929 Patrick Hamilton spielen) auf die große Leinwand. Zusätzlich zu der Einstellung eines einzigen Ortes, einer Wohnung, spielt Hitchcock den Film in (mehr oder weniger) Echtzeit ab (beobachten Sie, wie sich die Sonnenposition außerhalb des Fensters während des gesamten Films ändert) und versucht, den Film dank einiger zu präsentieren, als wäre er eine ununterbrochene Einstellung clevere Bearbeitung. Während die technischen Spielzüge nicht immer funktionieren und manchmal ablenken, kann der Gesamteffekt nicht geleugnet werden. Mit grandiosen Lead-Auftritten von John Dall und Farley Granger als mörderischem Duo und dem stets zuverlässigen James Stewart als misstrauischem Lehrer 'Rope'. ist ein unglaublich lustiges Katz-und-Maus-Spiel, das den Einsatz erhöht, indem es alle Spieler für die gesamte Laufzeit im Rahmen hält. Vor allem Dall sticht als Brandon hervor, ein Bündel schwindelerregender Freude, kombiniert mit einem perversen Erfolgserlebnis, während Granger sich als der viel nervösere und schuldbewusstere Phillip profiliert. Selbst wenn Sie genau wissen, wie ihr “; perfektes Verbrechen ”; wird schließlich aufgedeckt, “; Seil ”; es macht immer noch großen spaß zuzusehen. Das verbale Sparring ist köstlich und der Streifen der Homoerotik, der sich durch den Film zieht, ist für seine Zeit bemerkenswert. Nicht viele der Single-Setting-Filme auf dieser Liste versuchen so viel, wie Hitchcock hier jongliert, aber zum größten Teil funktioniert es, und was noch wichtiger ist, die Geschichte wird schnell viel faszinierender als die Neuheiten, mit denen sie erzählt wurde. [B +]



'12 böse Männer' (1957)
Pedanten, stehen - während der Film mit Szenen draußen gebucht wird und das Badezimmer kurz gekennzeichnet wird, “; 12 verärgerte Männer ”; ist im Kern ein Single-Location-Film; Alles Wichtige geschieht, zeitlich und räumlich eingeschlossen, in einem verschwitzten, nichtssagenden Geschworenenraum, in den die zwölf Titelmänner geschickt werden, um über das Schicksal eines Mannes zu entscheiden, der des Mordes angeklagt ist. Basierend auf einem gleichnamigen Fernsehspiel (und scheinbar etwas anders als in den Drehbüchern), dass der Film trotz seiner Wurzeln im Fernsehen und der absichtlichen Theatralik seiner Inszenierung nie etwas anderes als filmisch wirkt (bezeugen Sie die schöne Choreografie dieses verheerenden Moments, als das Rassist schimpft, und jeder seiner Gefährten steht einzeln auf und dreht sich um) ist zu einem großen Teil auf die blasigen Darbietungen zurückzuführen, die von einem nie-Besseren gemarshallt werden Sidney Lumet während eines anstrengenden Probenprozesses. Besondere Erwähnung muss gehen Henry Fonda, dessen Arbeit hier ein Meisterwerk der Untertreibung und zurückhaltenden Intelligenz ist und den Film von einer Meditation über Liberalität, Justiz und die Bedeutung von Gerechtigkeit (interessant) zu einem scharf beobachteten Aufsatz über die Mechanik von Macht und Manipulation (interesant) fördert. Ja, einige der Details scheinen jetzt banal zu sein - eine Zeugin von GASP trug keine Brille; ein alter mann SCHOCK zieht sein bein - aber öfter sind es nicht die ‘ fakten ’; das ändert die Meinung, stattdessen wird jeder Mann als falsch erwiesen, indem er seine Hybris, Voreingenommenheit und Kleinlichkeit dem Rest und sich selbst aussetzt. Dies ist vielleicht die bemerkenswerteste Leistung des Films. es ist ein hoch aufragendes Denkmal für die Vorstellung, dass der ‘ gewöhnliche Mensch ’; ist im Herzen gut und nett - es ist nur so, dass er manchmal ein wenig erinnert werden muss. [EIN]

'Rettungsboot' (1944)
Alfred Hitchcock hatte sicherlich eine Art masochistisches Gespür dafür, seine Produktionen in besonders herausfordernde Situationen zu versetzen, zum Beispiel in einem Rettungsboot mit exzentrischer Diva. Tallulah Bankhead. Dann werfen Sie zum Spaß ein Versatzstück einer primitiven Beinamputation ein! Das Ensemble aus dem Zweiten Weltkrieg erhielt Oscar-Nominierungen für den besten Regisseur, die beste Originalfilmgeschichte (von John Steinbeck), die beste Schwarz-Weiß-Kinematographie (geben Sie sich von Geistern vergangener Oscar-Kategorien ab) und eine ganze Reihe von Kontroversen um das, was als angesehen wurde eine propagandistische Darstellung eines Nazi-Kapitäns, der auf dem Rettungsboot landet. Die bunte Crew, die zusammengeworfen wird, nachdem ein Passagierschiff und ein deutsches U-Boot untergegangen sind, ist ein kleines Modell von Rassen, Glaubensbekenntnissen und Nationalitäten, und alle müssen lernen, miteinander auszukommen, um zu überleben - und nicht alle. Hitchcock stellte sich der Herausforderung, diesen Film zu drehen - ein Haufen Schauspieler in ein Rettungsboot mitten im Ozean zu stecken, gibt einem Regisseur nicht so viele visuelle Möglichkeiten, aber er inszenierte die Schauspieler innerhalb des Rahmens auf eine dynamische, vielschichtige Art und Weise , verwendete Nahaufnahmen und schuf meisterhaft ein ganzes Universum innerhalb der Grenzen des Bootes, indem er einfach den Rahmen mit Charakteren füllte. Trotz der kleinen Location fühlt sich der Film nie klaustrophobisch an. Hitch fügte seinem Teller noch eine weitere Herausforderung hinzu, indem er die Partitur (mit Ausnahme von Anfang und Ende) komplett eliminierte, das Publikum nicht von musikalischen Hinweisen beeinflusst werden ließ und lernte, was sie von den Handlungen der Charaktere wissen mussten. Hitch ’; s beispiellose Kameraarbeit und -bearbeitung und das trostlose, diegetische Geräusch des Ozeans, das gegen den Rumpf schlägt. Alle Single-Location-Filmemacher da draußen: Verbeuge dich vor deinem Meister. [EIN]

“The Breakfast Club” (1985)
Abgesehen von der Unbeholfenheit und der mangelnden Passgenauigkeit der Highschool ist die Inhaftierung ein Fluch für John Hughes, der die körperliche Inhaftierung als emotionale Metapher für die Angst und das Leid aller Teenager verwendet, unabhängig von ihrer schulischen Situation , Gefühl. Vielleicht nicht so klaustrophobisch wie manche Filme auf dieser Liste, passt „The Breakfast Club“ dennoch perfekt, da das Bild an dem schlechtesten Tag, der für einen Jugendlichen möglich ist, vollständig in einer High School angesiedelt ist: an einem Samstag. Du hast es gesehen, also brauchen wir dir nicht mehr viel über diesen Klassiker der 80er zu erzählen, der einen Nerd, einen Jock, einen Ausgestoßenen, einen Kriminellen und einen Priss zwingt, ihre kollektiven Probleme zu lösen, aber es ist erfinderisch Prämisse, die offensichtlich in Pik arbeitete. Es gibt eine Menge Ärger und Tränen in der Dramatik, wenn die Studenten im Film gezwungen sind, sich ihren Ängsten und Dämonen zu stellen, aber letztendlich fühlen sie sich durch diese aufrichtige Selbstanalyse ein bisschen verständnisvoller, und wir Zuschauer fühlen uns ein bisschen verständnisvoller in einer Welt, die weitgehend grausam und unversöhnlich ist. [EIN]

“Buried” (2010)
Das Konzept ist einfach: Ein Mann wacht lebendig in einem Sarg begraben auf und muss um sein Leben kämpfen. Und natürlich hat der Ryan Reynolds-Film für seine ehrgeizige Einbildung, die den Schauspieler für die gesamte Länge des Films für sich allein in Erscheinung treten ließ, viel Aufsehen erregt. Und während Reynolds sich in der Lage zeigt, für die Laufzeit des Bildes eine überragende Präsenz zu bewahren, ist es schade, dass das Drehbuch von Chris Sparling nicht mit der Energie des Hauptdarstellers des Films mithalten kann. Geplagt von dem Problem, dass Reynolds Charakter einen unglaublich starken Handy-Service im Untergrund hat, wird das Drehbuch von dort aus nur noch schlimmer. Im Wesentlichen ist „Begraben ”; Das Telefonieren dauert 90 Minuten, und da diese Charaktere nur Stimmen sind, die Reynolds abprallen lassen, wird schnell deutlich, wie dünn das gesamte Unternehmen aufgebaut ist. Das Drehbuch greift nach einem gewissen narrativen Gewicht und wechselt in eine Art spätes politisches Statement, kann aber nicht überzeugen. Regisseur Rodrigo Cortes gibt sein Bestes, um einen Film kreativ in Szene zu setzen, der auf engstem Raum spielt, aber es gibt nur so viele verschiedene Möglichkeiten, wie Sie Reynolds in einer Nahaufnahme einrahmen können. Alles Rauch und kein Feuer, 'begraben' kapselt sich buchstäblich ein. [C-]

'Cube' (1997)
Eine Übung, um viel mit ein wenig zu tun, “; Würfel ”; wurde in 20 Tagen auf einer einzigen 14 ’; x14 ’; Set für nur $ 365.000 CAD, brachte jedoch zwei aufeinanderfolgende Filme hervor (eine Fortsetzung und eine Fortsetzung) und die Kultfolge. Es ist ein schlankes, packendes Stück Arbeit, in dem die ausgesprochen kafkaeske Spielerei (eine Gruppe von Fremden wacht in einem albtraumhaften Würfel auf, der aus sich ständig verändernden und fast identisch aussehenden Räumen besteht, von denen viele manipuliert sind, um zu töten) wie in allen anderen Das beste Science-Fiction-Modell gibt es eigentlich nur als Entschuldigung für ein wenig altmodisches Philosophieren, und ein wenig 'Survivor' -Stil spielt als temporäre Allianzen, die entstehen und zerfallen, und die Menschen erweisen sich als nicht das, was sie zu sein scheinen. Wir sagen mögen das beste Science-Fiction-System, weil selbst in seiner besten Form “; Würfel ”; kommt dort nie an; es dauert weder diesen Sprung in die wirklich seltsame und / oder verdrehte, wie '2001' oder sogar “; Primer, ”; oder “; Pi, ”; aber es gibt uns auch keine wirklichen Antworten, und so fällt es eher zwischen alle verfügbaren Stühle, wobei etwas ziemlich abgenutztes Schauspiel und Charakterisierung dazu führen, dass es nicht zu einem Ensemble-Stück im 'Sonnenschein' -Stil wird. Aber dies sind natürlich meistens Vergleiche mit Filmen, bei denen das Budget des Würfels um ein Vielfaches gestiegen ist. Nicht zuletzt möchten wir uns bei Ihnen dafür bedanken, dass Sie einen vielversprechenden neuen Horror- / Sci-Fi-Regisseur in Berlin gewonnen haben Vincenzo Natali, der uns seitdem so etwas wie “;Cypher”; und “;Spleißen”; (was uns sehr gut gefallen hat) und ist derzeit diesem Science-Fiction-Film Holy Grail zugeordnet - einer Adaption von William Gibsons ’; s “; Neuromancer ” ;. [B]

“Telefonzelle” (2002)
Ein Testament für das Überleben des High-Konzepts in Hollywood, Drehbuchautor Larry Cohen’; s Pitch für diesen Film verweilte etwas mehr als 40 Jahre im Regal, nachdem er einmal von niemand anderem als Alfred Hitchcock entwickelt worden war. Der Film endete in der Entwicklung unter dem wachsamen Auge eines wesentlich weniger talentierten Filmemachers, Joel Schumacher, der bekannt dafür war, in den 90er Jahren das Batman-Franchise endgültig zu beenden. Das Endergebnis entspricht in etwa dem, was Sie erwarten, obwohl Schumacher eine überzeugende Hauptrolle von einem damals noch nicht getesteten Colin Farrell spielt (er hatte zuvor mit Schumacher in dem Film gearbeitet, der sich auf den besten Film des Regisseurs belief, 2000 ’; s Vietnam Trainingslager Drama 'Tigerland'). Als besonders unglücklicher Douchebag-Publizist Stu Shephard schwitzt, schreit und zerreißt Farrell das Glasfach, in das er ständig unter dem wachsamen Auge eines namenlosen Crackshot-Scharfschützen eingeschlossen ist (Kiefer Sutherland) Voice-Over und, was nicht verwunderlich ist, nagelt es. Zwischen den beiden Männern steht der Archetyp des treuen schwarzen Polizisten mit geradem Pfeil, Captain Ramsey (Forest Whitaker, immer zuverlässig und mit einem gewissen Grad an Verehrung für einen müden Charakter). Die Qualen zu verderben, die Stu erleidet, und ob er jemals lebend aus der Telefonzelle kommt, würde Schumachers matschige dramatische Wendungen untergraben - wenn dein ganzer Film ein Versatzstück ist, gibt es nur so viel Gas, dass du ausbrennen kannst, bevor die Dinge zu Melasse werden. Zum Glück “; Telefonzelle ”; Hält die Spannung im Auf und Ab und dreht sich in einem brauchbaren, gelegentlich aufregenden und immer beobachtbaren Boilerplate-Thriller mit einem einzigartigen Gimmick, der sich größtenteils weniger schnell abnutzt, als Sie denken. [B]

“; Libanon ”; (2009)
Das sehr neue “;Libanon”; macht diese Liste nicht nur, weil buchstäblich die gesamte Aktion aus dem Blickwinkel eines Panzers gesehen wird, sondern auch, weil dieser einzelne Ort zu einem verblüffenden Effekt wird. Samuel Maoz 'Rekonstruktion seiner eigenen Erfahrungen als israelischer Panzerkanonier während des Krieges 1982 zwischen Israel und dem Libanon findet (mit Ausnahme der ersten und letzten beiden Einstellungen des Films) vollständig in einem israelischen Panzer statt, der von einem Team von Fallschirmjägern unterstützt wird die am ersten Kampftag in feindliches Gebiet ziehen. Der Maoz-Stellvertreter, Schütze Shmulik (Yoav Donat), bleibt zusammen mit seiner Crew, die von einem Kommandeur angeführt wird, der sich mit den widersprüchlichen Persönlichkeiten seiner Männer auseinandersetzt, für die Dauer des Films in dieser Erfindung verstrickt. Sie kennen zweifellos den Ausdruck, dass, wenn Sie mehrere Personen über einen längeren Zeitraum in einem Raum unterbringen, sich die Nähte zwangsläufig lösen und sie zu Schlägen führen. Im “; Libanon ”; Der Tank ist kaum noch ein Raum und die Männer werden am Ende des Tages entweder leben oder sterben - und wenn nicht heute, dann morgen. Der Tank bietet Schutz, ist aber auch eine Falle, die keinen Ausweg und keinen Notausgang hat. Wenn der Tank brennt, brennt auch das Fleisch. “; Libanon ”; ist das Filmen von Bällen an der Wand und es sollte gesehen, erlebt, wenn nicht unbedingt genossen werden. [B +]

“Panik Zimmer ”; (2002)
Für sein Follow-up zum ursprünglich kritischen und kommerziellen Misserfolg “; Fight Club ”; (Wir alle wissen, wie sich dieser herausstellte), David Fincher machte sich daran, dem modernen Thriller eine Spritze Analretention zu verleihen, die nur ein paar Visionäre in diesem Geschäft herausbringen können. Mit 'Panic Room' skizziert Fincher akribisch den Entwurf eines massiven Stadthauses, das gleich von drei Männern mit sehr unterschiedlichen Temperamenten belagert werden wird - dem heißköpfigen Junior (Jared Leto), dem ungehobelten Busfahrer Raoul (Dwight Yoakam) und dem selbstgefälligen , obwohl gewissenhafter, sicherer Cracker Burnham (Forest Whitaker, der zwischen diesem und 'Phone Booth' den Markt für maßgebliche schwarze Hintergrundcharaktere in geschlossenen Räumen dominierte). Die Spannung in diesem Beispiel an einem einzigen Ort kommt von Meg (Jodie Foster) und Sarah Foster (Kristen Stewart), die sich in einem frühen Beispiel für die apathische Handlung, die sie durch dieDämmerungEine Mutter und eine Tochter, deren einziges Unglück darin bestand, am falschen Tag einzuziehen. Zum Glück hat das Haus einen neuen, undurchdringlichen „Panikraum“, in dem sich Lebensmittel und Kameras befinden, die das Haus überwachen. Das Problem ist, dass der Safe, den die Diebe zu knacken suchen, im Zimmer ist und sie alle die Absicht haben einzudringen, kurz bevor sie das Haus in die Luft jagen. Wie von Fincher verwiesen und (meistens) von Conrad W. Hall (dem Sohn des verstorbenen großen Conrad L. Hall) erschossen, ist “; Panic Room ”; ist düster, methodisch und umwerfend, aber nichts anderes als ein messerscharfer Thriller mit einem verlockenden Konzept. Ein weiterer Film als Beweis für Finchers virtuose Technik des Mikromanagements, “; Panic Room ”; ist eine böse kleine Lerche vom Filmemacher, aber wenig mehr. In den Händen von Fincher hebt sich der Film von der Konkurrenz ab. [B-]

“Mein Abendessen mit Andre” (1981)
Abgesehen davon, dass Hitchcocks zielgerichtete Experimente und persönliche Herausforderungen (von denen viele hier aufgelistet sind) das Talkfest von Louis Malle in den frühen Achtzigern der Höhepunkt von Single-Settings sein könnten. Im Grunde genommen ist ein 110-minütiges Gespräch, „My Dinner With Andre“, genau das, ein ausgedehntes Abendessen zwischen zwei Freunden, das in Echtzeit gedreht wurde und die Natur des Lebens, des Theaters und mehr bespricht. Die Probanden sind der eigentümliche Schauspieler Wallace Shawn und sein Freund und experimenteller Theaterregisseur Andre Gregory. Gregory ist ein neugieriger Träumer, während Shawn ein eher zynischer New Yorker ist, und obwohl der Diskurs kaum Reibungspunkte aufweist, führen ihre subtilen Unterschiede zu einer aufregenden Zweiteilung. Während es sich auch so anhört, als wäre das Kino falsch gelaufen - und es widerspricht im Grunde jeder Film- und Drehbuchregel, die es jemals gab -, ist das Abendessen mit Andre absolut einnehmend, beobachtbar und fesselnd. Die Geschmacksherstellung Kriteriumsammlung hat es nicht als Artefakt rausgebracht, sie wollen auch damit Geld verdienen, wissen Sie und sie erkennen, dass es sich um einen immer spannender werdenden Film handelt (und viel trockeneres Zeug in ihren Waren vorhanden ist - siehe Single-Setting-Clunker „Secret Honour“ von Robert Altman). Während ihres Abendessens berühren Wallace und Gregory philosophisch Themen wie die Natur des Lebens, das Dasein und das Theater, aber immer mit einer offenen und einladenden Neugier; Es gibt keine pedantischen Antworten oder Postulationen - das ist eine Kolloquie von ihrer besten Seite. 100 Minuten später, wenn das Brot gebrochen und der Wein getrunken ist, gehen die Freunde getrennte Wege und das Publikum kann die nachdenklichen Themen verdauen, die besprochen wurden. Ein Convention-Buster in jeder Hinsicht, der sich fast jeder Art von Spielfilm und Storytelling entzieht - es ist in keinster Weise eine Dokumentation und basiert auf echten Gesprächen zwischen den beiden Hauptdarstellern -, ist „My Dinner With Andre“ diese seltene und erfreuliche Regel -Breaker, den jeder Filmliebhaber mindestens einmal sehen sollte. [B +]

“Heckscheibe” (1954)
Ein weiterer Single-Setting-Film, ein weiteres Meisterwerk von Alfred Hitchcock. Diesmal ist die Kulisse ein Apartmentkomplex in Greenwich Village, in dem die Bewohner der Apartments aufgrund einer sommerlichen Hitzewelle in New York ihre Fenster offen halten. Unzufrieden mit der Einschränkung der Kulisse seines Films, stellt sich Hitchcock einer weiteren Herausforderung, indem er den Standpunkt des Films auf den eines einzigen Charakters einschränkt: Jeff Jeffries (gespielt von einem perfekt besetzten Jimmy Stewart), einem Fotografen mit gebrochenem Bein im Rollstuhl stecken. Jeffries ist in seiner Wohnung eingesperrt und wird gelegentlich von seiner Schwester (Thelma Ritter) und seiner Freundin (einer köstlichen Grace Kelly) besucht. Er lenkt seine Aufmerksamkeit auf die verschiedenen Nachbarn auf der anderen Seite des Hofes, die er durch sein Wohnzimmerfenster sehen kann. Die einsame Frau ohne Ehemann. Der unkonventionelle Künstler. Die verliebten Jungvermählten. Der einzelne Musiker, der trinkt. Das kinderlose Paar, das seinen Hund liebt. Eine kurvige Balletttänzerin. Und natürlich das Paar, das immer kämpft. Eines Tages verschwindet die Frau in diesem Ehepaar. Jeffries, der aus der Enge seines eigenen Wohnzimmers in die Wohnung des Paares blickt, sieht wachsende Beweise dafür, was er für den Mord an der Frau durch ihren Ehemann hält (Raymond Burr). Das Setting des Apartmentkomplexes wird schnell zu Jeffries ’; Welt, wie er auf der Suche nach mehr Hinweisen besessen ist. Gleichzeitig verlieren wir, das Publikum, uns in Hitchcocks wirtschaftlichem Storytelling, bei dem kein einzelnes Detail verschwendet wird. Jeffries überblicken ’; Schultern durch Hitchcocks lange Einstellungen des Wohnungskomplexes suchen wir nach Hinweisen in der Hoffnung, das Geheimnis herauszufinden. Und bevor wir es wissen, Jeffries ’; Wohnzimmer ist unser eigenes geworden. [EIN]

'Tape' (2001)
Er ist ein großartiger Theaterschauspieler, aber auf der Leinwand kann Ethan Hawke ein bisschen langweilig sein. Es sei denn, er arbeitet mit Richard Linklater, für die Hawke ständig seine besten Bildschirmleistungen erbringt. Und nur wenige sind besser als einer, den er in 'Tape', Linklaters Adaption der Stephen Belber abspielen. Hawke spielt Vince, einen Drogendealer in einer Kleinstadt, um seinen ältesten Freund Jon (Robert Sean Leonard, einen anderen Theaterveteranen, der selten gut auf der Leinwand zu sehen ist) zu zwingen ) zu gestehen, Vince's Ex-Freundin Amy vergewaltigt zu haben (Uma Thurman) als sie jünger waren. Die Drehungen und Wendungen werden selten Ihren Erwartungen an die Charaktere gerecht, und Linklaters Kameraarbeit ist zwar nicht gerade seine schönste, wirkt jedoch ansprechend und verhindert größtenteils, dass sich der Film zu bühnenhaft anfühlt. Aber wirklich, wie so oft bei einem Film, der an einem Ort spielt, handelt es sich um ein Schaufenster eines Schauspielers, und alle drei Stars waren selten besser. Ein kleines Experiment im Kanon des Regisseurs, aber dennoch ein unterschätztes. [B +]

'Abschreckung' (2000)
Der klaustrophobische Atomthriller von Sidney Lumet hat eine lange Tradition.Ausfallsicher'Zu den neueren' Crimson Tide 'und' Thirteen Days ', aber keine war jemals so klaustrophobisch, zumindest in ihrer Lage, wie Rod Lurie'Abschreckung'. Das Regiedebüt des ehemaligen Filmkritikers Lurie spielt im Jahr 2008 und sieht einen Präsidenten auf dem Wahlpfad (Kevin Pollak) in einem Diner in Colorado von einem Schneesturm gefangen, während sie sich inmitten einer nuklearen Brinkmanship mit einem Irak befanden, der von Uday Hussein geführt wurde, der in Kuwait eingedrungen ist. Während Lurie ein sehr erster Film ist, hält er die Spannung aufrecht, und während der frühere Aufsteiger Pollak nicht der offensichtlichste Präsident in der Kinogeschichte ist, ist er überraschend gut und passt zu der Figur - ein jüdischer Vizepräsident, der unerwartet auf den großen Platz vor ihm aufgestiegen ist der frühere Tod des Oberbefehlshabers. Leider ist der Film meistens eine Fehlentscheidung, hauptsächlich wegen einer nicht überzeugenden Nebenrolle, insbesondere Sean Astin, der von einem lächerlichen Spitzbart als Rassist in einer Kleinstadt und einer zunehmend albernen Handlung unterstützt wird. Die Dinge erreichen schließlich mit dem Ende einen Höhepunkt, der nicht nur moralisch höchst fragwürdig (und nicht wirklich absichtlich) ist, sondern auch ein kompletter narrativer Betrug. Es ist nicht uninteressant, aber du solltest besser bei 'Fail Safe' bleiben. [C-]

'Dial M für Mord' (1954)
Okay, wir betrügen hier also ein wenig, da der Film ein paar Sequenzen außerhalb des Hauses von Margot (eine leuchtende wie übliche Grace Kelly) und Tony (Ray Milland) enthält, aber wir werden das als 'Dial M For' übersehen Mord ”; ist ein weiterer aufregender “; perfekter Mord ”; Kapern von Hitchcock. Sie sehen, Tony hat herausgefunden, dass Margot eine Affäre mit dem schneidigen Krimiautor Mark (Robert Cummings) hat und vor Groll und Eifersucht brodelt, dass er plant, sie töten zu lassen. Er inszeniert eine aufwändige Verschwörung, in der Swann (Anthony Dawson), ein alter Cambridge-Absolvent, erpresst wird, um die Tat auszuführen: Swann wird eines Abends hinter den Vorhängen warten, wenn Margot garantiert zu Hause ist, und Tony wird das Haus anrufen. Wenn sie ans Telefon geht, taucht Swann auf und bringt sie um. Wie üblich scheint das Setup undurchdringlich zu sein, aber eine Reihe von Pech und Fehltritten führen natürlich dazu, dass der Plan außer Kontrolle gerät. Hitchcock ist wieder einmal ein Wunder, erzählt, dass es auf dem Papier um verspätete Anrufe und verlegte Schlüssel geht, und verwandelt sie in einen überprüfbaren Nagelbeißer. Interessanterweise schafft er es auch, das Publikum dazu zu bringen, (etwas) mit Tony zu sympathisieren; Wenn sich der Plan auflöst, können Sie nicht anders, als ein bisschen Mitleid mit dem Kerl zu verspüren. Der Film ist nicht nur der zweite Vorstoß von Hitchock in die Farbe, sondern auch in 3D. Es ist keine Überraschung, dass die Verwendung von 3D hier ablenkend ist (aber ehrlich gesagt, nicht schlimmer als die gleiche Art von 'in-your-face' -Arten, die heute noch vorkommen), aber die Verwendung von Farbe durch den Regisseur (siehe Kelly) Die Farbe des Kleides ändert sich, wenn sie mit Tony und Mark zusammen ist. Der Film ist anfangs ein wenig verwirrt und übertrieben erklärt (schließlich basiert er auf einem Theaterstück). Sobald die Handlung in Gang gesetzt wird, nimmt er wirklich Form an, und wie üblich entführt Sie der pure Genuss aus seiner engen Umgebung. [B]

'1408' (2007)
“; Ich habe Sie vor 1408 gewarnt, ”; Samuel L. Jacksons rätselhafter Dolphin Hotel-Manager Mr. Olin dröhnt in die Richtung von Mike Enslin (John Cusack), der in der filmischen Inkarnation dieses mutmaßlich verwüsteten Hotelzimmers gefangen ist Stephen King’; s Kurzgeschichte mit dem gleichen Namen. Das Konzept ist köstlich einfach: Enslin, ein erfolgreicher Autor, der sein Geld mit Harfen an vermeintlich heimgesuchten Orten verdient, nimmt das berüchtigte Zimmer 1408 des Dolphin Hotels für seinen nächsten Auftrag in Anspruch. Enslin ignoriert die Bitte von Mr. Olin und begibt sich in das Jahr 1408 und merkt schnell, dass er überfordert ist - wahrscheinlich zu der Zeit, als die wahnsinnig gruselige Inszenierung von „Wir haben gerade erst angefangen“ von The Carpenters die Stille der allgegenwärtigen Wohnfläche. Regisseur Mikael Håfström setzt Spezialeffekte sparsam aber sehr effektiv ein und schafft so die unvorhersehbare Metamorphose des Raumes, der eine absolut fantastische Szene buchstäblicher Realität enthält, die gegen Ende des Films bricht. Cusack ist größtenteils als Enslin auf sich allein gestellt und liefert eine überraschend gemessene Leistung, die sich fruchtbar auf seine geschädigte Menschlichkeit stützt. Enslin ist in vielerlei Hinsicht ein großartiger Kandidat für das Jahr 1408, mit seinem eigenen Anteil an emotionalem Gepäck können die Geister, die den Raum besitzen, entsperren und Saft für maximalen psychologischen Schaden geben. Obwohl nicht besonders einprägsam, „1408 ”; ist gekonnt inszeniert und ein Vergnügen, in geeigneten Momenten aufzunehmen und zu zittern und zu zittern. [B +]

“Dog Day Afternoon” (1975)
Über Sidney Lumets grandiosen Überfallfilm 'Dog Day Afternoon' muss nicht viel mehr gesagt werden. aber was für ein Geniestreich, um Spannung aufzubauen, indem man das Bild als verpatzten Überfall schafft, in dem die Diebe an einem heißen Nachmittag in New York City gefangen sind (OK, es basiert auf einer wahren Geschichte, aber immer noch). Den größten Teil seiner Laufleistung holt der Film aus seinen beiden Hauptrollen, dem manischen und schlaffen Al Pacino, der den zweifachen Verlierer Sonny von seiner besten Seite spielt, und dem verängstigten und schummrigen Sal (einem wunderbar dummen John Cazale). Der Job sollte eigentlich nur ein durchschnittlicher Bankjob in Brooklyn sein, aber aufgrund einer Komödie von Fehlern läuft alles schief, die Polizei kommt und die unfähigen Kriminellen müssen Geiseln nehmen und sich in der Hoffnung des Bürgermeisters einschleichen werden ihre Forderungen erfüllen. Die Volatilität eskaliert, während sich die Situation ausdehnt, während die Cops (ein exzellenter Charles Durning) versuchen, mit dem quecksilbernen und verschwitzten Bankräuber klar am Rande zu verhandeln. Später (Spoiler, falls Sie ihn nicht gesehen haben und warum um alles in der Welt nicht?) Erfahren wir, warum Sonny so nervös ist. sein Geliebter (Chris Sarandon) versucht, ihn vom Raub abzuhalten, und wir stellen fest, dass die Machenschaften, die hinter dem Verbrechen stecken, von Sonnys Wunsch motiviert sind, ihm eine Geschlechtsumwandlungsoperation zu ermöglichen. Es ist eine faszinierende Wendung zu einem klassischen und grobkörnigen Nagelbeißer. [EIN]

Lobende Erwähnungen: Die Adleraugen mögen hier ein paar Lücken bemerkt haben, hauptsächlich bei Filmen, die ausschließlich in Zügen gedreht wurden. Da 'Unstoppable' in Kürze verfügbar ist, speichern wir diese für ein Feature auf der Schiene in der nächsten Woche. Seien Sie also geduldig. Ansonsten gibt es ein paar Filme, die es wert sind, erwähnt zu werden, auch wenn sie von ihrem einzigen Ort ein wenig zu sehr abweichen, um hier aufgenommen zu werden. Polanskis 'The Tenant' ist ein kleines Werk des Regisseurs, aber nicht uninteressant und wird von der zentralen Aufführung enttäuscht - in diesem Fall von Polanski selbst. Die erstaunliche „Russische Arche“ ist eine außergewöhnliche Leistung des Filmemachens, auch wenn es sich manchmal eher nach einer Kunstinstallation als nach einem tatsächlichen Film anfühlt. Und Lars Von Triers 'Dogville' und 'Manderlay' sind beide ausgezeichnet, obwohl die Single-Location-Einstellung eher eine Brechtsche Einbildung als ein echter Einstieg in das Genre ist.

Ansonsten spielt Duncan Jones 'Science-Fiction 'Moon' meist auf dem Gelände einer Raumstation, obwohl er gelegentlich Ausflüge auf die Mondoberfläche unternimmt. Ebenso sind sowohl 'Sunshine' als auch 'Das Boot' vollständig in Raumschiffen / U-Booten zu sehen, aber die Standorte sind groß genug, dass sie sich nicht so recht qualifizieren. Kevin Smiths 'Clerks' erstrecken sich auf zwei verschiedene Standorte und die Straße verbindet sie . In diesem Jahr gab es zwei weitere Thriller, die nicht weit von einem Ort entfernt waren. Einer, 'The Disappearance Of Alice Creed', war angenehm kurvig, böse und gut gespielt, der andere, der von M. Night Shyamalan produzierte 'Devil', war ... nicht. Schließlich hatte in letzter Zeit noch niemand Frank Capras 'Arsenic and Old Lace' gesehen, um es aufzuschreiben, und obwohl es in gewisser Weise schwankend ist, wenn man sagt, dass 'Rope' es nicht ist, lohnt es sich dennoch, nachzusehen, ob unsere Erinnerungen daran verblasst sind es ist genau.

wahre Detektiv Staffel 3 Bewertungen

- Mark Schurawski, Jessica Kiang, Katie Walsh, Tan Nguyen, Kevin Jagernauth, Oli Lyttelton, Rodrigo Perez



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