9 wesentliche animierte Indie-Filme

'Die Drillinge von Belleville' (Sylvain Chomet, 2003)


Sylvain Chomets Meisterstück von 2003 war eine internationale Koproduktion von Frankreich, Großbritannien, Belgien und Kanada. In diesem wunderbar strukturierten Abenteuer über die Suche älterer Frauen nach ihrem entführten Enkel mit seiner Hilfe wird jeder Kultur ein gewisser Respekt zuteil treuer hund und drei musiksänger trifft sie in der surrealen stadt belleville. Hijinks gibt es von links und rechts zuhauf, während der Film seine eigene, einzigartige und universelle Sprache schafft und den Großteil des Dialogs durch Musik und Pantomimik ersetzt. Das Ergebnis ist ein lebhaftes, animiertes Abenteuer, das viel dem hektischen Rhythmus von Buster Keaton und dem Pathos von Charlie Chaplin zu verdanken hat, animiert wie ein goldener Samstagmorgen-Cartoon von Ralph Steadman und E. C. Segar. Kein Wunder, dass es in Cannes einen Ausbruch gab und eine Oscar-Nominierung für den besten Animationsfilm erhielt.





'Es ist so ein schöner Tag' (Don Hertzfeld, 2012)


Der brillante Trickfilmzeichner Don Hertzfeld hat eine Karriere mit Filmen gemacht, die auf einer erstaunlichen Gegenüberstellung von Form und Inhalt basieren, und 'Es ist so ein schöner Tag' könnte genauso gut sein Hauptwerk sein. Ein 62-minütiger Spielfilm aus drei preisgekrönten Kurzfilmen, die Hertzfeld zwischen 2006 und 2011 gedreht hat: „Alles wird gut“, „Ich bin so stolz auf dich“ und „Es ist so ein schöner Tag“. Der Film verwendet grundlegende Zeichnungen und Strichmännchen, die alle mit Kameraeffekten auf 35-mm-Filmen animiert wurden, um wichtige Themen der Erinnerung und des Existenzialismus aufzudecken. Der Hauptcharakter, Bill, geht drollig die weltlichen Bewegungen seines Lebens durch, und Hertzfeld führt uns durch seine zunehmend trostlose Existenz mit düsteren komödiantischen Anekdoten und absurden Visionen. Es ist mit Sicherheit nicht für Kinder geeignet, aber Erwachsene werden in einem Animationsfilm viel zu denken finden, der genau zu den Besten von Charlie Kaufman passt.



'Shaun the Sheep Movie' (Richard Starzak und Mark Burton, 2015)


Nachdem er in 130 Folgen seiner eigenen Fernsehsendung die Hauptrolle gespielt hatte, gelang Shaun the Sheep Anfang des Jahres ein erfolgreicher und flotter Sprung auf die Leinwand, auch wenn sein Einspielergebnis nicht den hoch gelobten Höhen seiner kritischen Rezeption entsprach. In diesem verrückten Abenteuer begeben sich Shaun und seine Herde in die Großstadt, um ihren geliebten Bauern zu retten, und das Gespür von Aardman Animation für visuelles Geschichtenerzählen war noch nie so stark. Der Film bedient sich großzügig popkultureller Referenzen, darunter so unterschiedliche Nicken wie „Taxi Driver“, „The Beatles“ und „Hannibal Lecter“. Er profitiert auch von den unendlich biegsamen Gesichtern seiner Figuren und den erfinderischen Gags, die ständig mit der Landschaft spielen ( Ein bisschen, das in den Trailern des Films zu sehen ist, in denen sich die Herde gegen eine länderspezifische Werbung ausgibt und scheinbar mit dieser verschmilzt, ist eines der besten, um eine unglaublich süße Geschichte zu erzählen. In schlanken 85 Minuten fliegt der Film angenehm vorbei; Es ist eine warme und witzige Funktion, die den Wert hochwertiger Grafiken und die Liebe zum Detail bestätigt.





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'Chico & Rita' (Fernando Trueba, Javier Mariscal, Tono Errando, 2011)


Nur wenige Zeichentrick- oder Live-Actionfilme sind so lebendig und faszinierend wie „Chico & Rita“, ein spanisch-amerikanischer Hybrid, der in den späten 1940er und frühen 1950er Jahren ein musikalisches Duo um die Welt reist, von Havanna nach New York City, Las Vegas, Los Angeles und Paris. Der Film, der durch einen Rückblick als Schuhputzer erzählt wird, erinnert sich an sein Leben, während er ein Lied im Radio hört, und zeichnet die Höhen und Tiefen seiner gleichnamigen Charaktere auf, die sich in Kuba verlieben, indem sie eine Verbindung eingehen, die in der Musik verwurzelt ist. Ihr Erfolg bringt sie in Kontakt mit einer Handvoll farbenfroher Charaktere und internationaler Musikgenres, obwohl gesellschaftliche Standards, politische Unruhen und persönliche Erwartungen langsam ihren Tribut fordern. Trotz seiner großartigen Animation ist „Chico & Rita“ von einem historischen Realismus geprägt, den nur wenige Filme des Genres jemals zu berühren wagen. Die Musik mag das Ohr der Kleinen erregen, aber ihre politischen Untertöne sprechen direkt die Erwachsenen an und machen „Chico & Rita“ zu einer spirituellen Cousine der Klassiker von Studio Ghibli.



'Persepolis' (Marjane Satrapi und Vincent Paronnaud, 2007)


'Persepolis' malt zu gleichen Teilen ein unvergessliches Porträt einer starken, kreativen, unabhängigen Frau angesichts der Unterdrückung, die urkomisch und herzzerreißend ist. Basierend auf Marjane Satrapis gleichnamigem, gefeiertem Graphic Novel ist „Persepolis“ in vielerlei Hinsicht eine traditionelle Coming-of-Age-Geschichte, die sich jammernd gegen den extremen Kontext einer sozial und politisch unterdrückenden Gesellschaft stellt. Satrapis temperamentvolle, animierte Autobiografie erzählt das Leben ihres jüngeren Ichs, das nach der iranischen Revolution in Teheran aufgewachsen ist. Während „Persepolis“ zweifellos ein explizit politischer Film ist, wird er durch sein cleveres und lebendiges Grafikdesign zugänglich gemacht und mit viel Humor versehen. Marjane scheint diese radikale Ungerechtigkeit ebenso wenig zu kennen wie der Betrachter. Sie wird zu einer Stellvertreterin, während sie um ihre politische, geschlechtsspezifische und künstlerische Identität kämpft. Die junge Marjane, die sowohl von ihrer Familie als auch von ihrer Nation getrennt ist, bleibt furchtlos und offen, während sie sich mit den politischen Veränderungen im Iran auseinandersetzt.



'Sita singt den Blues' (Nina Paley, 2008)


Als visuelles Fest und philosophische Versöhnung von Musik, Tanz und Kultur findet „Sita Sings the Blues“ die amerikanische Künstlerin Nina Paley, die das Ramayana adaptiert und erforscht, das epische Sanskrit-Gedicht, das eines der beiden großen Werke der indischen Literatur darstellt. Paley erweckt die Geschichte des Gedichts nicht nur zum Leben - sie verwendet den Stil von Rajput-Gemälden, um die Reise von Rama, einem verbannten Prinzen, und Sita, seiner entführten Frau, nachzubilden - er kommentiert dies mit drei verschiedenen Erzählsträngen. Eines zeigt einen griechischen Chor in Form von drei Nebenfiguren, die ihre Eindrücke des Textes diskutieren, während ein anderes die Resonanz der Geschichte festigt, indem es die Ereignisse auf eine zeitgemäße Zeitachse aktualisiert und moderne Squigglevision-Computergrafiken verwendet. Der letzte Thread verwendet animierte Vektorgrafiken, um musikalische Darbietungen von Sita zu erstellen, die den Originaltext ändern, indem sie mehr Selbstausdruck und Selbstvertrauen verleiht. Indem Paley die Macht in die Hände von Sita legt und ihr eigenes Grübeln über die Geschichte macht, verwandelt sie 'Sita Sings the Blues' in eine radikale Neudefinition eines heiligen Werkes. Es ist ebenso beeindruckend wie genial.



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'Grab der Glühwürmchen' (Isao Takahata, 1988)


Da jeder Studio Ghibli-Film auf dieser Liste eine Anerkennung verdient, dachten wir, wir würden hier in den USA einen ihrer übersehenen Titel hervorheben. Unter der Regie von Isao Takahata, dem Mitbegründer des Unternehmens, nutzt „Grave of the Fireflies“ den schillernden Animationsstil des Studios, um eine erschütternde Anti-Kriegs-Geschichte zu erkunden, die sich als viel zu trostlos herausstellen würde, wenn es Live-Action gewesen wäre. Im Rückblick erzählt der Film von den Strapazen von Setsuko und Seita im kriegszerrissenen Japan. Nachdem ihre Heimatstadt Kobe von amerikanischen Truppen bombardiert wurde, müssen die beiden mit ihrer Tante einziehen und kämpfen, um über die Runden zu kommen. Nichts fällt den beiden Geschwistern leicht, die sich weiterhin zunehmenden Widrigkeiten gegenübersehen und langsam unter ihnen erliegen. 'Fireflies' ist vielleicht der verheerendste Animationsfilm, der jemals gedreht wurde, und es gibt eine aussagekräftige Erklärung darüber, wie der Krieg Länder davon abhält, ihre eigenen Bürger zu schützen.



'Das Gemälde' (Jean-François Laguionie, 2011)


Nur wenige Filme verwenden das Genre der Animation für Erzählzwecke so geschickt wie Jean-François Laguionies erfinderisches 'The Painting'. Der Film spielt in einer Gesellschaft, die sich aus drei verschiedenen Klassen zusammensetzt, die jeweils nach ihrem wirtschaftlichen und sozialen Status stilisiert sind: The Allduns sind eine voll verwirklichte und farbenfrohe Bevölkerung, die in einem wunderschönen Schlosspalast lebt, die Halfies leben im Garten unten und haben kein visuelles Flair, und die Sketchies leben ganz unten, einfach gezeichnete Ausgestoßene, die von der Elite gejagt werden. Nachdem der allmächtige Maler eine junge Frau unvollständig gezeichnet verlassen hat, kommt es zu Konflikten zwischen den Gesellschaften. Drei Freunde machen sich auf die epische Suche nach dem Schöpfer und bringen ihn dazu, seine Arbeit zu beenden. „The Painting“ setzt Animationen ein, um Themen wie Vielfalt, Bürgerrechte und Spiritualität zu entlarven. Durch den reinen Einsatz des Mediums wird es zu einem Meisterwerk, das durch sein visuelles Wunder lebt und stirbt.



'Eine Katze in Paris' (Jean-Loup Felicioli und Alain Gagnol, 2010)


'A Cat in Paris' ist ein dunkler französischer Thriller, der sich als familienfreundlicher Zeichentrickfilm verkleidet. Er ist eine Meisterklasse von Tonschaltern, da er Wellen der Gefahr und tosenden Slapsticks reitet. Der Film dreht sich um drei Charaktere: Nico, ein Juwelendieb; Zoe, ein junges Mädchen, das sich mit dem Tod ihres Vaters befasst; und Jeanne, Zoes Mutter und Polizistin, die nach dem Mann jagt, der ihren Ehemann ermordet hat. Die gleichnamige Katze verbindet sie im Verlauf des Films, während die Untersuchung der Mutter mit einem der jüngsten Diebstähle von Nico in Verbindung steht und Zoe sich versehentlich in Gefahr bringt. Nicht alle Live-Actionfilme behandeln mehrere Erzählungen so geschickt wie 'Eine Katze in Paris'. Wenn die Fäden der Geschichte zusammenlaufen, wird das Tempo zu einer tickenden Zeituhr mit spürbarer Spannung, über die selbst Hitchcock hinwegschleichen würde.



Ariel von der kleinen Meerjungfrau


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