15 großartige Filme über fehlgeschlagene Beziehungen

Nach ein paar Wochen VoD-Rundgang, den viele von Ihnen gesehen haben werden, Sarah Polley'S'Nimm diesen WalzerAb morgen in die Kinos kommen, und wir können es nicht genug empfehlen; Es ist ein chaotischer, manchmal frustrierender Film, aber ein tief empfundener, wunderschön gemachter und wunderbar dargestellter Film, den wir letzte Woche als einen der besten des Jahres bezeichnet haben. Es wird jedoch nicht als Date-Film empfohlen, der in eine lange filmische Tradition schmerzhafter Untersuchungen von zerbrochenen, zerfallenden, zusammenbrechenden oder toten Beziehungen passt.



Immerhin ist es eine der universelleren menschlichen Erfahrungen. Wenn Sie kein großes Glück haben, wird jeder, der sich verliebt, irgendwann die schlimme Erfahrung machen, dass er herausfällt oder sich verliebt. Und wenn es im Film am besten gelingt, kann es für einen Filmemacher und ein Publikum zu Blutergüssen und schmerzhaften Grenzüberschreitungen führen, aber auch kathartisch und heilsam sein. Anlässlich der Eröffnung von „Take This Waltz“ (und auch hier können wir nicht genug betonen, dass Sie es sich ansehen sollten) haben wir eine Auswahl unserer Lieblingsfilme zusammengestellt, die sich um das Ende von Liebesaffären, Beziehungen und ... drehen Ehen. Natürlich handelt es sich um eine subjektive und etwas zufällige Auswahl, die sicherlich nicht endgültig ist. Wenn wir Ihren Favoriten verpasst haben, können Sie Ihren Beitrag im Kommentarbereich unten vortragen.

'5 × 2' (2003)
Das Konzept, eine Geschichte rückwärts zu erzählen, ist an dieser Stelle nicht kühn und originell. Harold Pinter hatte es geschafft mitVerratVor Jahrzehnten und Francois Ozon'S'5 × 2, “Was wie das Pinter-Stück die Auflösung einer Beziehung im Laufe der Jahre zeigt, beginnend mit dem Ende und aufnehmend mit dem ersten Treffen, folgte direkt auf den Fersen von beiden Christopher nolan'S'Erinnerung' und Gaspar Noe'S'IrreversibelAber Ozons Stück zeichnet sich nicht nur durch seinen strengen Formalismus aus - wie der Titel vermuten lässt -, sondern auch durch das, was nicht gezeigt wird, was in den Abständen von Monaten und Jahren fehlt sehe nicht. Beginnend mit der Scheidung Anhörung von Gilles (Stéphane Freiss) und Marion (Valeria Bruni-Tedeschi), nach dem sie zu einem letzten Fick in ein Hotel gehen, kehren wir durch eine Dinnerparty zurück, die ihre Beziehung in ihren letzten Brüchen, die Geburt ihres Kindes, ihre Hochzeitsnacht und ihr erstes Treffen zeigt, jeweils skizziert mit dem Die gute Fähigkeit des Regisseurs, mit ein wenig viel zu sagen und sich in seiner Struktur nie unbeholfen zu fühlen. Es ist sicher ein düsterer Film - wie bei Noe wird das „Glück“ des Endes / Beginns durch das, was wir vorher / nachher gesehen haben, unterboten. Es gibt aber auch eine Besonderheit und ein Mitgefühl für die fragliche Beziehung. Keiner der Partner ist mehr schuld als der andere und es fühlt sich eher so an, als wären es zwei Personen, die einfach nie zusammen sein wollten. Es ist einer der prägnantesten und kraftvollsten Filme über die Ehe in der jüngsten Vergangenheit und verdient es, neben Bergman, Fassbinder, Nichols et al.



“; Eine unverheiratete Frau ”; (1978)
Weniger die Darstellung einer zerfallenden Beziehung, wie die meisten Filme in diesem Stück, als ein Porträt dessen, was in der Folge passiert. So etwas wie ein Durchbruch für den Mainstream Paul Mazurskyeines der eher unterschätzten Talente des amerikanischen KinosBob & Carol & Ted & Alice''Runter und raus in Beverly Hills' und 'Feinde: Eine Liebesgeschichte,' unter anderen). Es ist eine ziemlich einfache Einrichtung. die wohlhabende New Yorkerin Erica (Jill Clayburgh) denkt, sie hat so ziemlich das perfekte Leben, was schnell implodiert, wenn ihr Mann (Michael Murphy) erzählt ihr, dass er in eine andere Frau verliebt ist. Sie lässt sich scheiden, geht in die Therapie, taucht mit den Zehen in die Dating-Szene ein und verliebt sich schließlich in einen britischen Künstler (Alan Bates). Aspekte des Films wirken an dieser Stelle etwas veraltet - nicht zuletzt Bill Contis score - aber Mazursky behandelt alles mit einem Hauch von Leichtigkeit, ohne jemals die Integrität des Charakters zu opfern, und schafft so etwas wie ein zeitgemäßes Äquivalent zu den „Frauenbildern“ der 1940er Jahre. Mazursky hat immer gut für Frauen geschrieben - wie aus den Szenen mit Erica und ihren Freundinnen hervorgeht, die geradeheraus und lustig sind, ein klarer Vorläufer für so etwas wie „Sex & die Stadt'- aber Erica könnte seine schönste Kreation sein, eine komplexe, sich ständig weiterentwickelnde Figur, und Clayburgh (der 2010 leider verstorben ist, nachdem er ein wundervolles Cameo in'Brautjungfern“), In einer Karriere-Bestleistung, macht jeden Zentimeter ihrer Transformation nicht nur zu einer unverheirateten Frau, sondern zu einer unabhängigen, glaubwürdigen und überzeugenden; man kann nicht anders als das Gefühl zu haben, dass sie etwas betrogen wurde, als Jane Fonda schlug sie zum Oscar für “Nach Hause kommen(Der Film und das Drehbuch wurden ebenfalls nominiert). Es sagt etwas über den Mangel an Fortschritt in Hollywood aus, dass sich ein Teil wie dieser immer noch wie eine Seltenheit anfühlt.



Crichton Drachenzähne

“Blue Valentine” (2010)
In einem der mehr von der MPAA erlassenen Urteile zum Kopfkratzen, Derek Cianfrance’; s brutaler Blick auf eine sich auflösende Beziehung wurde mit dem gefürchteten NC-17-Rating für eine Szene mit Cunnilingus getroffen (ein langjähriges Nein-Nein für die Organisation, siehe “;Jungs, weine nicht”;). Nachdem das R-Rating wiederhergestellt war, konnte das Bild in den Kinos wieder aufgenommen werden - eine Premiere, die lange auf sich warten ließ und den Ruf von immens stärkte Michelle Williams und Ryan Gosling. Während der erstere eine Oscar-Nominierung erhielt, wurde der letztere aus unerklärlichen Gründen ausgeschlossen, aber keine Sorge, “;Blauer Valentinstag”; Es handelt sich kaum um ein preisgekröntes Bild, das sich stattdessen für eine emotional hektische, komplexe und naturalistisch agierende Aufzeichnung von Ehepartnern entscheidet, die darum kämpfen, eine Leidenschaft wiederzubeleben, die ihnen auf tragische Weise entgangen ist. Cianfrance schneidet zwischen der jugendlichen Vergangenheit des Versprechens und des Möglichen und einer erdrückenden Gegenwart, in der selbst die Luft zögert, sich in einige der Gespräche einzumischen, und enthüllt all die Dinge, über die die Leute nicht reden, bis Sie ihn bitten, aufzuhören. Williams und Gosling sind unvergesslich und “; Blue Valentine ”; Eine einfache Geschichte, meisterhaft erzählt.

“; Fleischliches Wissen ”; (1971)
SeltsamerweiseFleischliches Wissen'Wurde bei der Veröffentlichung als Komödie vermarktet, aber für diesen Schriftsteller ist es eher ein prägnantes Drama moderner Kämpfe mit Sex, Beziehungen und dem Erwachsenwerden eines romantischen Zynikers und Regisseurs Mike Nichols. Der Film folgt ein paar College-Mitbewohner, Jonathan und Sandy (Jack Nicholson und Art Garfunkel), die zusammen über ihre verschiedenen sexuellen Missgeschicke und eventuellen Eroberungen besessen sind. Sandy verfolgt die scheinbar reine Susan (Candice Bergman) - Wer Jonathan heimlich und gleichzeitig Datteln und Betten (erstmal nicht weniger). Nach dem College gehen sie getrennte Wege, aber während Sandy Susan heiratet, verfolgt Jonathan alles in einem Rock und bettet jedes Jahr ein Dutzend ungerader Mädchen ein - und ist dennoch nicht in der Lage, sein körperliches Ideal zu finden (die winzigen Geigen auszubrechen), bis er Bobbie trifft (Ann-Margaret) Wer ist die ganze Zeit T-und-A? Ihre Leidenschaft zischt zu dramatischen Ausbrüchen (er schreit, sie weint), die in einer Überdosis und Scheidung enden. Wenn sie älter werden, werden Sandy und Jonathan vom anderen Geschlecht immer desillusionierter - aber während Jonathan wütend ist, fällt Sandy einfach in Selbstzufriedenheit und Lässigkeit. Obwohl die offenen Diskussionen und Darstellungen des Films über Sex (ein Kondom auf der Leinwand, quelle horreur) heute kaum noch so schockierend sind wie in den 1970er Jahren, sind die Abscheulichkeit und die offensichtliche Frauenfeindlichkeit der Charaktere immer noch so beunruhigend wie je zuvor. Jack Nicholson ist der herausragende Star, und Nichols regiert nach seinem Dafürhalten die Bosheit (in gewisser Weise) und verhindert, dass die Darbietung eine Karikatur ist. „Fleischliches Wissen“ bleibt eine zeitlose und emotional resonante Darstellung der hässlichen Seite der männlichen Sexualpsyche.

verloren in Übersetzungsende

'Katze auf einem heißen Blechdach' (1958)
Es könnte ein wenig durch Zensurforderungen in seiner Anpassung für den Bildschirm (Stern) zerfetzt werden Paul Newman und Schriftsteller Tennessee Williams kritisierte die Änderungen an der Filmversion), aber „Katze auf einem heißen Blechdach”Steht immer noch als eines der schönsten Darstellungen einer unglücklichen Beziehung eines Schriftstellers, der sich auf solche Dinge spezialisiert hat. In einem Paar elektrisierende Performances, Paul Newman und Elizabeth Taylor spiele Brick Pollitt und seine Frau Maggie 'the Cat'. Er ist ein alkoholischer ehemaliger Trackstar, der seine Zeit damit verbringt, sich selbst in Stupor zu stürzen. Sie ist frustriert und neckt. Besuch bei Brick in Mississippi für seinen Vater Big Daddy (Maser Ives) hat Geburtstag, es stellt sich heraus, dass Papa Pollitt im Sterben liegt, und dass sich Brick nach dem Selbstmord seines besten Freundes, in den er scheinbar verliebt war, in seinen betrunkenen Zustand zurückgezogen hat (obwohl man in den Zeilen etwas mehr lesen muss) Verfilmung). Es ist weniger erfolgreich als einige der anderen großen Williams-Adaptionen („Endstation Sehnsucht(Das ist das offensichtliche Wasserzeichen), aber immer unterschätzter Helmer Richard Brooks Ansonsten ist es eine großartige Aufgabe, den Ton und das Tempo sowie die drei zentralen Performances zu modulieren (plus Judith Anderson als 'Big Momma') sind donnernd und angesichts Taylors Ehemann besonders beeindruckend Mike Todd starb bei einem Flugzeugabsturz - auf einem Flug, auf dem sie auch sein sollte - auf halbem Weg durch die Dreharbeiten.

'Crazy Love' (2007)
Es ist die ultimative Liebesgeschichte … Art von … Dieser Dokumentarfilm von 2007 unter der Regie von Und Klores und Roboterenthusiast Fisher Stevens, erzählt die Geschichte des schmuddeligen New Yorker Anwalts Burt Pugach und seiner Frau Linda Riss. Die beiden tanzten, aber nachdem Riss herausgefunden hatte, dass Pugach eine Frau und ein Kind hatte, verließ sie ihn. Er nahm es nicht leicht. Nachdem er ihr mit Körperverletzung (oder Tod) gedroht hatte, wenn sie ihn verließ, stellte Pugach ein paar Unterweltdummköpfe ein, um ihr Lauge ins Gesicht zu werfen - und sie auf einem Auge zu blenden und ihr Gesicht dauerhaft zu vernarben. Pugach wurde zu 15 Jahren Gefängnis verurteilt. Die ganze Zeit über schrieb er immer wieder an Riss, und nach seiner Freilassung trafen sich die beiden wieder und heirateten dieses Mal. Es ist wie die Two-Face-Geschichte ausDer dunkle Ritter, ”In einem verdrehten romantischen Comedy-Stil gemacht. So beschissen die Romanze im Herzen von 'Crazy Love' auch klingen mag, sie erhebt auf seltsamste Weise. Es ist ein Beweis für die anhaltende Kraft der Liebe (und der Vergebung) und die Art und Weise, wie sich Beziehungen transformieren und offenbaren können. Die goldene Stimmung lässt etwas nach, als Sie feststellen, dass Pugach später beschuldigt wurde, eine andere Frau bedroht zu haben, mit der er eine Affäre hatte. Trotzdem - es hat Spaß gemacht, solange es dauerte, und der Dokumentarfilm, bestickt mit einer ausgelassenen, kitschigen Energie (ausgearbeitet und verfeinert, Jahre später, von Errol Morris im 'Tabloid“), Fesselt dich in seinem einzigartigen, von Liebe besoffenen Gefühl.

“;Auf Wiedersehen”; (1961)
Mit Ingrid BergmanFranzösischer Schlagersänger, der zum Schauspieler wurde Yves Montandund post- “PsychoErfolg Anthony Perkins, Ukrainischer Filmemacher Anatole Litvak’; s “Auf Wiedersehen, “Und sein schwieriges Liebesdreieck müssen seinerzeit eher umstritten gewesen sein. Die Beziehung zwischen dem relativ glücklichen Paar Paula (Bergman), einem erfolgreichen Pariser Innenarchitekten, und Roger (Montand), einem philandering business executive, ist immer noch sehr unkonventionell: Beide sind geschieden und leiden unter dem Konzept der Ehe und doch sind die beiden sehr engagiert. Nun, bis zu einem gewissen Punkt. Der verrückte Roger spielt immer noch offen mit 'bedeutungslosen' Dingen, die mit jüngeren, hübschen Dingen zu tun haben, aber Paula akzeptiert dies nur als 'seinen Weg'. Aber die Natur der Liebe und ihre lockere, Roger-freundliche Beziehung beginnen sich zu verwandeln, wenn der Sohn einer von ihnen ist Paula gehört zu den wohlhabenden Kunden von Paula, und ein junger 25-jähriger Freier namens Philip (Perkins) erstrahlt in einem Licht, das sie seit Jahren nicht mehr gefühlt hat. Währenddessen verwandeln sich Rogers offene Trysten in Lügen, als eine junge französische Torte (Michèle Mercier) überredet ihn, sie für einige Wochenenden mitzunehmen - Roger und Paula ’; s kostbare besondere Zeiten. Dies lässt die Tür offen für den romantisch schwachen und verliebten Phillip, der sein Bestes für die einsame und zunehmend unglückliche Paula gibt. Schließlich gibt die abgenutzte und verwirrte Paula auf Philipps unerbittliche Fortschritte und lässt Roger zurück, der jetzt merkt, dass die Schärfe seiner Freundin nachgelassen hat und alles, was übrig bleibt, ist ein nerviges und forderndes Kind. Paula und Roger sind jedoch von der besonderen Beziehung, die sie haben, heimgesucht und erkennen schließlich, dass sie sich geirrt haben Filmfestspiele von Cannes für seine lebhafte und leidenschaftliche Darstellung - im Staub. Letztendlich eher ein oberflächliches Melodram im Vergleich zu einigen der Cutter auf dieser Liste, 'Goodbye Again', ist immer noch ein anständiger kleiner Streifen und eine denkwürdige warnende Geschichte darüber, dass Liebe für selbstverständlich gehalten wird.

“; Ehemänner und Ehefrauen ”; (1992)
Wenn 'Ehemänner und Ehefrauen'Hat eine Moral, es ist, dass die Ehe nicht das Glücklich-Immer-Nachher ist - nur das' Nachher '. Es ist Allens übliche Besetzung von Personen, die auf der Upper East Side leben und ein Bündel von Neurosen haben, die sich über Beziehungen lustig machen. Der Film folgt zwei verheirateten Paaren und besten Freunden - Gabe und Judy (Woody Allen und Mia Farrow) und Jack und Sally (Sydney Pollack und Judy Davis) - Letztere haben sich einvernehmlich zur Trennung entschlossen oder sagen zumindest, es sei einvernehmlich. Jack und Sally testen den Datierungspool und die Grenzen ihrer eigenen Unabhängigkeit und Abhängigkeit voneinander. Währenddessen finden Gabe und Judy die Grundlage ihrer Beziehung zerbrochen, als Gabe sich von einem jungen frühreifen Studenten angezogen fühlt (Juliette Lewis) und Judy entwickelt Gefühle für einen Mann in ihrem Büro (Liam Neeson). Das gesamte Ensemble zeigt eine brillante Leistung, insbesondere Davis als brillante und überneurotische Sally, die für ihre herausragende Wendung in dem Film als beste Nebendarstellerin nominiert wurde (Woody wurde auch für sein Schreiben nominiert). Der Film, der im Dokumentarfilmstil mit scheinbar wenigen Lichtern und Effekten für hübsche Dinge gedreht wurde, macht den „hässlichen“ Charakteren nichts aus, aber ästhetisch ist es ein sehr inspirierter Schachzug, ein Hauch frischer Luft und eine B-12-Aufnahme für die kreative Energie des Films. Der Dialog ist, wie immer, auf den Punkt gebracht und erleichtert das Zerfallen der Beziehungen, wenn sich die Menschen in ihnen weigern, sich zu ändern.

“; Kramer Vs. Kramer ”; (1979)
Auch wenn es jetzt etwas veraltet ist, was macht Robert Benton’; s “;Kramer Vs. Kramer”; bis heute ist es unerlässlich, wie gekonnt die nervösen Gefühle erfasst werden, die die Scheidung und Vertreibung zwischen zwei Personen hervorruft. Die Geschichte wird meistens mit den Augen von Ted Kramer gesehen (Dustin Hoffmanin einer seiner schönsten und ergreifendsten Performances ein erfolgreicher Werbefachmann auf dem Weg nach oben, der eines Tages nach Hause kommt, um herauszufinden, dass seine emotional instabile Frau Joanna (Meryl Streep, auch exzellent) verlässt ihn, um sich selbst zu finden. Außerdem überlässt sie ihm die Leitung ihres kleinen Sohnes Billy (Justin Henry). Ted hat nichts mehr zu tun, als sich dem bevorstehenden neuen Leben zu stellen. Er gibt sein Bestes, um ein alleinerziehender Modellvater zu sein, während er sich mit den emotionalen Folgen seiner Scheidung befasst (siehe die denkwürdige französische Toastsequenz des Films). Und seine Hingabe an seinen Sohn steht außer Frage (die Szene, in der er Billy nach einem Sturz auf dem Spielplatz ins Krankenhaus führt und ihn durch Sticheleien überredet, ist ein bewegendes Beispiel für ihre Verbundenheit). Aber Teds Welt ist wieder erschüttert, als Joanna ein Jahr später aus Kalifornien zurückkehrt und das Sorgerecht für ihren Sohn beantragt. Was dabei herauskommt, ist eine absolut hässliche Schlacht vor Gericht, in der beide von Anwälten rücksichtslos zerschlagen werden, wobei jede Nuance und Entscheidung von Ted und Joanna auf den Kopf gestellt, untersucht und in die falsche Richtung getrieben wird, was dazu führt, dass niemand glücklich ist. Während das Gerichtssystem seitdem fortgeschritten ist, was “; Kramer Vs. Kramer ”; So vollkommen richtig und real ist die paradoxe Länge, die zwei Menschen haben können, um sich gegenseitig zu verletzen, auch wenn sie sich im Grunde immer noch umeinander kümmern. Während sich das Drehbuch irrt, weil Joanna manchmal zu sehr zum Bösewicht wird, werden diese Momente von vielen anderen verdrängt, die die gequetschten und komplizierten Gefühle einfangen, die nach einer Trennung zurückbleiben. “; Kramer Vs. Kramer ”; ist ein wundervolles Porträt von Verletzungen und Heilung, das zu Recht versteht, dass selbst Scheidungen und erbitterte Fehden die Verbindung, die ein Paar zuvor hatte, nicht immer vollständig auflösen können. Und in den letzten, bewegenden Schlussmomenten des Films stimmt dieses Gefühl genau.

'Martha' (1974)
Ein Sirk-ian-Drama der häuslichen Unzufriedenheit - die Hauptfigur gibt sogar nach “Douglas Circus Road “als ihre Adresse an einem Punkt - wie viele Fassbinder-Melodramen versetzt„ Martha “die Titelfrau in eine Situation emotionaler Bedrängnis und lässt uns hilflos zusehen, wie sie eskalierenden Krisen ausgesetzt und desabused, praktisch brutal, aller romantischen Vorstellungen. Ein Film, der sarkastisch betitelt sein könnte “Die gute EhefrauDas Melodrama dreht sich um Martha (Margit Carstensen) der von einer schlechten Situation in eine andere übergeht und man kann wohl von einer trostlosen Studie sowohl in Bezug auf Grausamkeit als auch auf die Fähigkeit zur menschlichen Unterwerfung sprechen. Während eines Urlaubs mit ihr in Italien stirbt Marthas kontrollierender Vater plötzlich an einem Herzinfarkt, und sie muss nach Deutschland zurückkehren und sich um ihre Mutter kümmern: eine alkoholische Jungfrau und ein grotesker, empörender Mensch auf jeder Ebene, der Selbstmordversuche unternimmt Überdosierung der Pille jedes Mal, wenn Martha versucht, etwas gegen ihre Wünsche zu tun. Die Befreiung erfolgt scheinbar in Form von Helmut (‘ Fassbinder der 70er Jahre regelmäßig) Karlheinz Böhm ein hübscher und wohlhabender Gentleman, der sie heiraten und entführen will. Es klingt alles gut und schön, bis Helmut sein wahres Gesicht als sadistischer, dominierender Soziopath offenbart. Wir haben diese Geschichte unzählige Male in Hollywood gesehen - im Allgemeinen mit B-Thrillern Tom Berenger oder Patrick Bergin - Aber Fassbinders 16-mm-Fernsehfilm ist kein Stück Late-Night-Entertainment. Es ist eine Bestrafungsübung, da Martha aufgrund ihres missbräuchlichen, tyrannischen Arschlochs eines Ehemanns weiterhin psychisch blutet. Schließlich verwandelt sich ihre demütigende Kapitulation in Paranoia und dann in eine Beinahe-Störung, die auf tragische Weise endet. Es ist nicht immer leicht zu sehen, aber es ist eine schneidende Chronik des häuslichen Missbrauchs durch Fassbinders eigene, verstärkte Interpretation des Hollywood-Melodramas der 50er Jahre.

Vogelkastenmonster enthüllt

'Moderne Romantik' (1980)
Es könnte eine Komödie sein, und es könnte ein Ende haben, wo das zentrale Paar zusammenkommt, aber “Moderne Romantik“Ist genauso blutig wie einige der anderen Filme auf dieser Liste. Albert Brooks'Follow-up zu seinem Regiedebüt 1979'Wahres Leben(Wieder zusammen mit Monica Johnson), in dem das Comicstück Robert Cole zu sehen ist, ein Filmredakteur, der verzweifelt versucht, einen schrecklichen Science-Fiction-Film fertigzustellen, während er sich ständig trennt und sich wieder mit seiner Freundin Mary Harvard zusammenfindet (Kathryn Harrold). Er kann nicht mit ihr leben - die beiden treiben sich gegenseitig in den Wahnsinn -, aber er kann auch nicht ohne sie leben, die innerhalb weniger Stunden nach dem Ende wie ein Junkie davonkommt und sich über die Möglichkeit Gedanken macht, dass sie mit anderen zusammen ist Männer. Es ist eine der giftigsten Beziehungen des Kinos und es gibt einen bewundernswerten und völligen Mangel an Eitelkeit in beiden zentralen Performances (es ist eine Schande, dass Harrold danach keine bessere Arbeit bekommen hat), auch wenn es aus männlicher Sicht fest gesagt wird. Brooks wuchs sowohl als Regisseur als auch als Performer. Es gibt eine beeindruckende Kontrolle und Klarheit in der Gestaltung, und der Film läuft eine magere, nachgiebige 90-minütige Wiedergabe, ohne die Begrüßung zu überbieten. Seltsamerweise war es tatsächlich ein Favorit von Stanley Kubrick, der Brooks nach seiner Veröffentlichung anrief und den Autor / Regisseur fragte: „Wie hast du diesen Film gemacht? Ich wollte schon immer einen Film über Eifersucht drehen. 'Und wenn das keine Empfehlung ist, wissen wir nicht, was das ist.

“; Szenen aus einer Ehe ”; (1973)
Ursprünglich für das schwedische Fernsehen gedreht, fast fünf Stunden lang, Ingmar Bergman’; s Erforschung einer sich auflösenden Ehe, die langsam zerfällt und dann im Laufe der Zeit implodiert, ist eine der schmerzhaftesten klaustrophobischen und verheerenden Bemühungen des Regisseurs in der späteren Ära, und vielleicht konnte er das Bild nur allzu gut artikulieren - der Autor war fünfmal verheiratet und er zeugte neun Kinder (eines davon war Liv Ullmann’; s, aber der Regisseur und seine reguläre Schauspielerin waren nie verheiratet). Natürlich mit Ullmann (ihr Kind war sieben Jahre zuvor geboren) und dem Späten Erland Josephson (Ein Bergman-Stammgast, der auch in Tarkovsky ’; s “;Das Opfer”;), “;Szenen aus einer Ehe”; verfolgt die bröckelnde Ehe des Paares über ein paar Jahre hinweg mit einigen schmerzhaften Meilensteinen auf dem Weg, darunter Abtreibung, außereheliche Angelegenheiten, Scheidung, andere Ehen und ein ängstlicher, erfolgloser Versuch der Versöhnung. Ursprünglich in sechs Teilen im schwedischen Fernsehen ausgestrahlt, bietet das durchdringende und dennoch unsentimentale Drama einen naturalistischen, hyperrealistischen Kinostil, der mit inhaftierenden, quälenden Nahaufnahmen, die nicht nachlassen, und bitteren und unbarmherzigen Monologen (man schaudert, wenn man ans Sein denkt) gefüllt ist verheiratet mit Bergman). Auftritte von Bibi Andersson und Jan MalmsjöAls die Serie in die USA kam, wurde sie für eine fast dreistündige Kinoveröffentlichung gekürzt, in der sie mehrere Lobeshymnen erhielt, darunter eine Golden Globe-Nominierung für Ullmann und eine Nominierung für den besten fremdsprachigen Film. 30 Jahre später veröffentlichte Bergman die unwahrscheinliche Fortsetzung mit demselben Paar, das jetzt in den Siebzigern ist und “;Sarabande, ”; aber es würde nicht den gleichen grausamen Biss oder die gleiche tragische Stichwunde von zwei Liebenden haben, die versuchen, Zäune zu flicken, aber der Schaden wurde erkannt. Wenn Themen wie Verlassenheit, Einsamkeit, Angst und Reue allzu real werden, ist es selten, dass eine zusammenbrechende Beziehung auf dem Bildschirm so unheimlich ist.

Soundtrack 13 Gründe warum

'Der Tintenfisch und der Wal' (2005)
Die Sünden des Vaters werden nach dem Sohn in wieder aufgesucht Noah Baumbach’; s beunruhigendes, bewegendes und aufrichtig lustiges Wiederaufleben - acht Jahre nach 1997 ’; s angenehmes, aber nicht zu merkendes “;Herr Eifersucht, ”; “;Der Tintenfisch und der Wal”; dient als hohes Wasserzeichen für Jeff Daniels, hier porträtiert er einen steifen und verstopften Intellektuellen, der an seiner selbst gemachten Größe festhält, bis die Welt unter seinen ohnehin unsicheren Füßen versagt. Bernard Berkmans früher gefeierte Karriere schwindet im Rückblick schnell, und er ist zufrieden damit, seine Frau zu unterbieten (Laura Linney, ausgezeichnet wie immer) Erfolg, während seine beiden Söhne Walt (Jesse Eisenberg) und Frank (Owen Kline), nehmen Sie das Drama und die Flunder ohne Anleitung auf. Der Film hat so viel zu bieten, dass sich die Konzentration auf die zerbrochene Ehe wie ein schlechter Dienst anfühlt, da Baumbach einen zarten Spagat schafft, den Schmerz, der im Herzen des Films pulsiert, nie aus den Augen verliert, aber die unvollkommene Freude am Lachen genau kennt die hartnäckigen, verletzenden, liebevollen und fehlgeleiteten Handlungen, die wir gegeneinander unternehmen. Daniels ist großartig, trocken verwandt mit Walt, dass er seinen langjährigen (und wahrscheinlich langmütigen) Agenten entlassen hat, weil letzterer eine abfällige Bemerkung über die Knicks auf einer Party gemacht hat. Seine Szenen mit Linney gehören zu den besten des Films. Understatementiert und geprägt von der Sehnsucht zwischen den beiden Ehepartnern, die auf gegenüberliegenden Seiten eines Abgrunds stehen, der wahrscheinlich nie repariert werden wird.

'Der Krieg der Rosen' (1989)
Man kann mit Recht sagen, dass die meisten Filme auf dieser Liste, Filme, die sich mit zerbrochenen oder aussterbenden Beziehungen und Ehen befassen, keine Studio-Komödien mit großem Budget sind, die sich als große Hits erwiesen haben. Andererseits sind die meisten Studio-Komödien mit großem Budget nicht so Danny DeVito'S'Der Krieg der Rosen', So herrlich böse eine schwarze Komödie, wie sie jemals von einem großen Konzern finanziert wurde. Rechtsanwalt Gavin (DeVito) sagt einem Klienten mit einem etwas unnötigenSimpsons' Und Castellaneta!) über Oliver und Barbara Rose (Michael Douglas und Kathleen Turner), ein ehemals glückselig glückliches Ehepaar, das mit zunehmendem Wohlstand lernte, sich zu verabscheuen. Die Dinge erreichen endlich ihren Höhepunkt, als Barbara erleichtert ist, wenn sie denkt, dass Oliver einen Herzinfarkt hat, und sie sich scheiden lassen, aber das ist nur der Beginn eines immer weiter eskalierenden Abnutzungskrieges, der letztendlich fatale Konsequenzen haben wird. DeVito hält andere Parteien schlau davon ab und konzentriert sich ganz auf zwei Leute, die sich einfach hassen, aber die bösen, Roald Dahl- Der Ton wird durch die erkennbaren Emotionen im Spiel auf Kurs gehalten. Jeder, der eine zusammenbrechende Ehe gesehen hat oder an ihr teilgenommen hat, wird erkennen, was vor sich geht, trotz des gesteigerten Gefühls für alles. In der Tat gibt DeVito jedem Moment ein fast comicartiges Gefühl, regelmäßig Brian DePalma Dop Stephen H. Burum Aufnahmen mit einer Sammlung von einfallsreichen Kamerawinkeln, die verhindern, dass sich der Film jemals zu schwer anfühlt. Douglas und Turner, zwei Talente, deren Comic-Fähigkeiten etwas unterschätzt werden, sind beide großartig und spielen Rollen, die nicht anders sind als die, die sie zuvor gespielt haben. Oliver ist keine Welt entfernt von den Gekko-ähnlichen Yuppies, die Douglas zu seinem Namen gemacht hat auf, Barbara könnte fast ein älterer Matty aus sein “Körpertemperatur. “Und vielleicht am eindrucksvollsten: Der Film hat den Mut seiner Überzeugungen; Abgesehen von der Moralisierung des Rahmens sieht DeVito die Dinge bis zu ihrer bitteren, blutigen Schlussfolgerung durch, ohne viel Erlösung für jeden Beteiligten.

'Wer hat Angst vor Virginia Woolf?' (1966)
Eine Filmversion von „Wer hat Angst vor Virginia Woolf?? 'Hätte mit ziemlicher Sicherheit nicht funktionieren sollen. Ein dreistündiges Bühnenstück, auf zwei Stunden reduziert, an einem einzigen Ort und mit einer Sprache und einem Thema, die die MPAA niemals mit ihrem Gütesiegel auszeichnen würde. Ein Regisseur zum ersten Mal ohne Filmerfahrung. Zwei Sterne, Elizabeth Taylor und Richard BurtonBeide haben eine berühmt-stürmische Ehe und spielen deutlich älter als sie sind (die Charaktere sind in den Fünfzigern, aber Burton war 41 und Taylor 34). Oh, und auch in immer weniger modischem Schwarz-Weiß gedreht. Und doch funktionierte es wie ein Gangbuster, indem es 13 Oscar-Nominierungen gewann (der einzige Film, der jemals in jeder Kategorie, für die es in Frage kam, einen Zuschlag erhielt) und bis heute ein beständiger Klassiker blieb. Edward Albee'S Stück - über ein älteres Ehepaar, George und Martha (Taylor und Burton), die junge Kollegen einladen (George Segal und Sandy Dennisist eine der schönsten dramatischen Errungenschaften des 20. Jahrhunderts Ernest Lehmann ('Norden durch Nordwesten“) Reduziert es fachmännisch auf eine angenehmere Länge, ohne dass es sich kompromittiert oder abgeschnitten anfühlt. Nichols 'Regie (es ist bemerkenswert zu glauben, dass er zuvor nur Bühnenspiele geleitet hat und auch dann nur mit ein paar Jahren Erfahrung) hält es klaustrophobisch und doch filmisch, unterstützt von Haskell Wexler'S herrliche Linse. Und die Leistungen sind tadellos, besonders in den titanischen Wendungen von Taylor (der einen Oscar gewann) und Burton; feurig und wütend und gefoltert und liebevoll. Fast 50 Jahre später ist es immer noch eine bemerkenswerte Leistung.

- Oliver Lyttelton, RP, Kevin Jagernauth, Drew Taylor, Mark Zhuravsky, Sam Chater,



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