Die 11 besten Musikvideos des 21. Jahrhunderts - IndieWire Critics Survey

'Das ist Amerika'



Jede Woche stellt IndieWire einer ausgewählten Handvoll Filmkritiker zwei Fragen und veröffentlicht die Ergebnisse am Montag. (Die Antwort auf die Frage 'Was ist derzeit der beste Film in den Kinos?' Finden Sie am Ende dieses Beitrags.)

Letzte Woche sah die Überraschung (oder zumindest kurze Notiz) Veröffentlichung von Paul Thomas Andersons 'ANIMA', einem 15-minütigen 'One-Reeler', der als ruhmreiches und ruhmreiches Musikvideo für drei der Tracks auf Thom Yorkes neuem Soloalbum dient.



Die Frage dieser Woche: Was ist das beste Musikvideo des 21. Jahrhunderts?



'Bad Cover Version' (Zellstoff)



Ethan Warren (@EthanRAWarren), helle Wand / dunkler Raum

Das Musikvideo zum Titel 'Bad Cover Version' von 2001 von Pulp ”; ist in mehrfacher Hinsicht unorthodox, vor allem aber in einer ziemlich wichtigen Hinsicht: Anstatt die von Frontmann Jarvis Cocker bereitgestellten Album-Vocals für dieses Lied glanzloser Nachahmer zu verwenden - seien es neue romantische Partner oder ein späterer Tom & Jerry, wenn die beiden es könnten talk ”; - das Lied wird hier von einer Kavallerie professioneller Nachahmer in einer Art “; We Are the Bizarro World ”; Jeder von ihnen nahm das Rampenlicht für ein oder zwei karikierte Ruhme. Während sich Tom Jones neben einem komischen Stakkato Björk um das Mikrofon schart und Kurt Cobain wie ein Mann mit einer Kehle voller brennender Zigaretten singt, ist es unmöglich, sich von dieser unheimlichen Talzucker-Rush-Zeit nicht verzaubern zu lassen Kapsel des Pop der Jahrtausendwende. Das Ergebnis ist weniger ein traditionelles Video als ein einzigartiger Kurzfilm, der die Themen des Songs buchstäblich zusammen mit endlos bezauberndem Interstitial-Filmmaterial zeigt, wie die Nachahmer, die Rockstars beeinflussen, cool sind, während sie Donuts knabbern und für Gruppenfotos posieren, versuchen und scheitern den Nervenkitzel der gesamten Oddball-Operation herunterzuspielen.

'Bevor ich vergesse' (Slipknot)



Joey Keogh @JoeyLDG (Nachrichtenredakteur für Wicked Horror), freiberuflich tätig für Birth.Movies.Death, Vague Visages, The List

Das erste Mal, dass die Welt Slipknot ohne Maske sah, fand auf einer Pressekonferenz nach dem frühen Tod des Bassisten Paul Gray statt. Acht große, haarige, tätowierte Metallköpfe saßen und weinten vor der Weltpresse, während sie versuchten, das Beileid für ihren gefallenen Bruder zu würgen. Vor diesem Moment hielten die neun Mitglieder der gruseligsten Metal-Band ihre Identität streng geheim (ähm, abgesehen von Stone Sour, das aus irgendeinem Grund nicht zählte). Das Musikvideo zum 2004 erschienenen Hit „Before I Forget“ neckte Hardcore-Fans (liebevoll „Maggots“ genannt, weil sie sich von der Musik der Band ernähren) spielerisch, indem sie gerade genug von Slipknots Füßen, Armen, Ellbogen und Haaren zeigten in einem Aufnahmestudio den Track rausgeschmissen.

Es ist hilfreich, dass der Song ein absoluter Knaller ist, aber das Konzept ist genial. Gleichzeitig lässt es uns raten, während wir weniger hochkarätige Mitglieder wie Sid oder Craig genauer betrachten als jemals zuvor. Das Ding ist auch wunderschön gedreht, was für ein Metal-Video nicht ungewöhnlich ist, aber für Slipknot überraschend ist, dessen körnige, mutige Ästhetik sie durch „Left Behind“ oder die mächtige „Duality“ trieb, die eine Flut von Schwindel erlebte Maden, die ein Grundstück zerstören, während sie der Band bei einem spontanen Auftritt zusehen („Warum sollten Sie ein Haus an ... vermieten? Slipknot'allowfullscreen =' true '>



Die besten Musikvideos sind diejenigen, die sowohl als Begleiter ihrer Musik als auch als Werke der Filmkunst an und für sich perfekt funktionieren. Das ist der Grund, warum Michel Gondrys Video zum Kyle Minogue-Song 'Come Into My World' die Antwort ist. Ein großartiges Video muss nicht nur visuell interessant genug sein, um es ein paar Minuten lang anzuschauen, sondern auch die Texte und die Klangpalette des Songs enthalten . Für einen erstklassigen Kylie Minogue-Song bedeutet die Verkörperung der Klangpalette, dass man wild fröhlich und doch sehr repetitiv und ziemlich fußgängerisch, aber absolut hinreißend ist. Und mit einem Song namens 'Come Into My World' stellt das Video eine Welt vor, in die der Zuschauer entkommen möchte.

Gondry schafft all diese Ziele, trotz der Duelliererei einiger von ihnen. Als wahres Meisterstück der Choreografie (Mensch und Kamera) präsentiert Gondry ein einmaliges Video, in dem Kylie eine Schleife um eine Straßenecke herumführt und dabei verschiedenen Menschen begegnet, die ihren Tag verbringen. Kylie braucht etwas mehr als eine Minute, um ihren Weg zu Ende zu bringen. Dann kehrt sie zu ihrem Startpunkt zurück und das Video wiederholt sich. Die Kamera und die anfängliche Kylie machen weiter, während alles von der ersten Reise wieder da ist, jetzt verdoppelt. Das Timing ist perfekt, so dass Kylie jedes Mal, wenn sie zum Anfang zurückkehrt, der Refrain von neuem beginnt und die lyrische Einladung, in ihre Welt zu kommen, den Eingang einer weiteren Kylie begleitet. Es ist eine leichte, beruhigende Faszination zu beobachten, wie diese Dupes bei einer stetigen Umdrehung an Zahl zunehmen, wenn Sie mit jedem neuen Refrain mithüpfen. Kylies Welt wächst weiter und zieht dich an. Als ein Werk der Technik und Ausführung muss das Video gesehen werden, um es zu glauben.

'Girl Walk // All Day' (Girl Talk)



David Ehrlich (@davidehrich), IndieWire

Aufruf von Jacob Krupnicks 'Girl Walk // All Day' a Musik-Video Das ist aus mehreren Gründen ein bisschen schwierig, aber ich werde jede Gelegenheit nutzen, um die Leute auf dieses Meisterwerk in Spielfilmlänge aufmerksam zu machen.

'Hey Ya!' (Outkast)



Luke Hicks (@lou_kicks), Filmschule lehnt ab / One Perfect Shot, Birth.Movies.Death.

Warum ist Jennifer Lawrence aus der Glasburg gefallen?

Bevor es 'Spider-Man: In den Spinnenvers' gab, gab es 'Hey Ya!' In den Andre-Vers. Wie wir alle (einschließlich Outkast) wissen, sind nur acht Andre 3000 besser als ein Andre 3000. Als Bassist, Schlagzeuger, Keyboarder, Leadsänger, Rhythmusgitarrist und Chorist aus drei Personen in der Titelband The Love Below spielt der brillante, schrullige Three Stacks, der sich dem Genre widersetzt, „Hey Ya!“ Auf einem Ed Sullivan-Esque Bühne mit einer St. Patty's Day Farbpalette sowohl im Kostüm- als auch im Produktionsdesign. Die Charaktere, die er auf der Bühne verkörpert, reichen von langhaarigen Damen über Derby-Jockey bis hin zu glattem Beatnik, faux-akademisch bis hin zu topless King.

Bryan Barber, Musikvideodirektor der Karriere, ist fantastisch hinter der Kamera, obwohl es so ist, als ob fast jede Idee, die im Musikvideo zum Ausdruck kommt, zu seltsam wäre, als dass sie von irgendwoher gekommen wäre, außer von Andre Benjamin selbst. Das Video zeigt nur die Bandperformance, zusammengesetzt aus Filmmaterial der Beatle-Mania-artigen Menge, die aus der Luft kreischt, und Aufnahmen eines Schwarz-Weiß-Fernsehers mit dem Konzert auf dem Bildschirm, von dem wir annehmen, dass jemand zuschaut auf ihrer Couch. Es ist optisch geradlinig, aber die Energie, die Vielseitigkeit und der Ausdruck von Andre 3000 sind so einzigartig, dass es sich wie ein eindringliches Musikvideo anfühlt, das nicht übertroffen werden kann. Nicht zu vergessen, es ist ein verdammt gutes Lied.

Q.V. Hough (@QVHough), Vague Visages, Screen Rant, RogerEbert.com

Unter der Regie von Bryan Barber, Outkast ’; s “; Hey Ya ”; kanalisiert den Popkulturwahn der britischen Invasion der 60er Jahre und unterstreicht gleichzeitig eine moderne Do-It-Yourself-Ästhetik. Insgesamt steuert Andre 3000 die Produktion mit seinem Charisma und Star-Appeal als Leadsänger “; Ice Cold 3000 ”; auf diese Weise wird die Prämisse des umgedrehten Skripts stabilisiert: amerikanisch Invasion von Großbritannien. Die Brillanz des Musikvideos zeigt sich jedoch in den Übergängen der Charaktergestaltung und -bearbeitung sowie in den Rollen der sieben anderen Bandmitglieder, die alle von Andre 3000 porträtiert wurden.

Die Love Haters haben mich nach all den Jahren immer noch verrückt gemacht. Bevor die Back-up-Sänger ihre erste Nahaufnahme erhalten, bereitet Barber die Bühne mit einer Einstellung vor, die jedes Mitglied von The Love Below zeigt. Für die erste “; Hey Ya ”; Lyrisch schwenkt die Kamera von links nach rechts, während The Love Haters enthusiastisch mit den Fingern herumwirbeln, während sie den Refrain anschnallen. Von diesem Punkt an behält mindestens einer der Liebeshasser die anderen immer im Auge und immer mit einem OMG-Lächeln. eine von vielen subtilen komödiantischen Berührungen, die an Harry und Lloyd aus 'Dumb and Dumber' erinnern. Wir machen das wirklich, Mann !!!

In “; Hey Ya, ”; Die konstante performative Bewegung erzeugt einen hypnotischen Effekt und die Bearbeitung / Stimulation hebt kleine Persönlichkeitsmerkmale für jeden Bandkollegen hervor. Die Crowd Shots sind vielleicht der schwächste Aspekt von “; Hey Ya, ”; Aber die kollektiven Bilder ergänzen den inhärenten Surrealismus. Und die letzte Minute “; Schütteln Sie es wie ein Polaroidbild ”; Sequenz ist einfach transzendent, mit The Love Haters die Show noch einmal zu stehlen. “; Hey Ya ”; ist Poesie in Bewegung; Ein Konzept, das aus einem klaren Traum von 3 Uhr morgens oder einer intensiven Brainstorming-Sitzung hervorgeht. Grün ist ein stark visuelles Motiv.

“Lazy Sunday” (Die einsame Insel)



Courtney Howard (@Lulamaybelle) Freier Mitarbeiter für Variety, SheKnows, FreshFiction.tv

Die einsame Insel ’; s “; Lazy Sunday ”; veränderte das Gesicht von Saturday Night Live, das Ende 2005 dringend einer Wiederbelebung bedurfte, und von YouTube, das sich in den Kinderschuhen befand. Das Lied zeigte die Darsteller Andy Samberg und Chris Parnell, die einen Hardcore-Rap über einen sehr gesunden Wochenendnachmittag gaben, Magnolia Bakery Cupcakes aßen, 10 Dollar ausgaben und eine Matinee von 'The Chronicles of Narnia' fingen. Frisch, wild und witzig, erregte es verdientermaßen sofort nationale Aufmerksamkeit. Das wegweisende Musikvideo, das schnell aufgenommen und zusammengestellt wurde, war der Beginn der Show 'Digital Shorts'. Serie und war eine Sensation über Nacht. Es hat nicht nur die Art und Weise geändert, in der wir Inhalte konsumieren, sondern auch die Art und Weise, wie SNL sie erstellt und verpackt hat, und den Umfang der Barrierefreiheit der Show erweitert.

'Die Odyssee' (Florenz + die Maschine)



Carlos Aguilar (@Carlos_Film), The Wrap, MovieMaker, Remix

Musik, Kino und Tanz in einem atemberaubend ehrgeizigen Paket verbinden, Florence + The Machine ’; s Musikvideo in Langform “; The Odyssey ”; ist ebenso ein mittellanger Film (48 Minuten), der eine Geschichte von Herzschmerz erzählt, wie eine visuelle Darstellung von neun Liedern aus dem Album 'How Big, How Blue, How Beautiful'. verbunden durch die Verbindung von Szenen, die eine fast transzendentale Erfahrung hervorrufen.

Unter der Regie von Vincent Haycock in Großbritannien, den USA und Mexiko zeigt Florence Welch eine leidenschaftliche und emotional rohe Performance, bei der jede intensiv choreografierte Sequenz (mit freundlicher Genehmigung von Ryan Heffington und Holly Blakey) mit explosiver Kraft eingebettet wird. Steve Annis ’; Die Kamera verleiht einem Stück, das bereits von Dante Alighieris 'Inferno' inspiriert wurde, eine traumhafte Qualität.

Kapitel wie St. Judas ”; und “; Königin des Friedens ”; was im Gegensatz zu der hinreißenden Kraft von “; What Type of Man ”; und “; Schiff zum Wrack ”; Die Lead-Singles des Albums. Als einheitliches Kunstwerk ist “; Die Odyssee ”; fungiert als musikalische Achterbahn, die über Schmerz, Begierde und Trauer fährt, um in der heilenden Erlösung ihres letzten Abschnitts zu landen, “; Drittes Auge ”; eine Spur, die als persönlicher Brief dient, durch den sich Welch sagt, dass sie am Ende der verräterischen Reise noch am Leben sein wird, eine schöne Unvollkommenheit, “; Fleisch und Blut ”; Sein.

'Bring mich zur Kirche' (Hozier)



Anne McCarthy (@annemitchmcc), Teen Vogue, Ms. Magazine, Bonjour Paris

Ein effektiver Zusammenfluss ist eine beeindruckende Leistung, und genau das geschah, als der Balletttänzer Sergei Polunin im Musikvideo zum Song mit dem mächtigen und gefühlvollen „Take Me to Church“ des irischen Sängers Hozier verschmolz. Polunin, ein in der Ukraine geborener Ballettmusiker, der sich im Londoner Royal Ballet einen Namen gemacht hat, tanzt im Musikvideo mit der eleganten und präzisen Technik, die typisch für einen osteuropäisch ausgebildeten Tänzer ist. Nackter Oberkörper und nur in nackten Tanzstrumpfhosen mit Ballettschuhen und seinen typischen Tattoos fliegt er mit allégro „choreo“ von Choreograf Jade Hale-Christofi durch die Luft, synchron mit Hoziers Texten, im Einklang mit den Crescendos des Songs.

Die Präzision und Leidenschaft hinter seinen Pirouetten und Fouetté-Kurven sind legendär. Unter der Regie von David LaChapelle erregte die Hochzeit eines beliebten Songs und eines weltberühmten Balletttänzers im Jahr 2015 nicht nur mehr Aufmerksamkeit für Hozier, sondern erweckte auch die Zuschauer für die Relevanz und Kraft des Balletts. Diese jahrhundertealte Kunstform wird manchmal als schwerfällig, steif und veraltet angesehen - wenn es in Wirklichkeit alles andere als ist; “; Bring mich zur Kirche ”; ist eine willkommene Erinnerung an seine Relevanz.

'Das ist Amerika' (Childish Gambino)



Ken Bakely (@ kbake_99), freier Mitarbeiter für Film Pulse

Es gibt viele Musikvideos, die berühmt genug sind, um in Bezug auf ihre Bekanntheit neben ihren Songs zu stehen, aber weniger, die auf grundlegendere Weise Teil der Songidentität zu werden scheinen - das heißt, Sie können nicht an den Song ohne das Video denken und das Video fühlt sich wie eine inhärente Erweiterung der Musik an. Ich würde jedoch argumentieren, dass ein aktuelles Beispiel für diese Leistung das Video zu Childish Gambinos „This Is America“ ist, einem unauslöschlichen Kurzfilm, der die kraftvollen Botschaften des Songs über Rassismus und Gewalt in den Vereinigten Staaten von Anfang an unterstreicht und hervorhebt die Geschichte der Nation bis zum heutigen Tag.

Zu diesem Zweck wurden viele lange Artikel über das Video verfasst, in denen die zahlreichen kulturellen und gesellschaftspolitischen Referenzen analysiert werden, die gleichzeitig auf aktuelle Ereignisse zugreifen und Jahrhunderte zurückreichen. Der Effekt ist eine ausgedehnte Arbeit in nur vier Minuten; Obwohl es so viele einzelne Komponenten und Elemente hat, die ausgiebig diskutiert wurden, bewegt es sich als eine fließende Erfahrung zusammen und demonstriert seine große Kunstfertigkeit.

'Waffe der Wahl' (Fatboy Slim)



Joel Mayward (@joelmayward) Cinemayward.com

Ich gehe mit Fatboy Slim, 'Weapon of Choice' von Spike Jonze. Absolut transzendent. Obwohl es mehr Kuhglocken hätte gebrauchen können.

atypischer Netflix-Trailer

Clint Worthington (@clintworthing), Konsequenz des Klangs, Die Spule

Es gibt hier eine Menge großartiger Kandidaten, aber in meinem Herzen muss ich es Spike Jonzes hellem, frechem Video für Fatboy Slims 'Waffe der Wahl' überlassen - ein Mem, bevor Meme Meme waren. Es ist eines der O.G. virale videos, eine wunderbar bizarre kombination eines alten charakterdarstellers, der verrückte dinge mit einem völlig geraden gesicht macht - es war das perfekte futter für die web 1.0 google-suche. Das Video selbst ist eine traumhafte Freude, und Walkens stoischer Geschäftsmann wurde plötzlich von den kratzenden Beats von Slims Track aktiviert, um plötzlich durch ein verlassenes Hotel in eine zarte Odyssee zu stürzen. Es ist eine schillernde Erinnerung daran, dass Walken als Tänzer und Musiktheaterdarsteller angefangen hat, bevor er zu grobkörnigen Gangstern überging und Vietnam-Tierärzte heimgesucht hat. Selbst Ende fünfzig wechselt Walken mit energetischer Grazie den Kick-Ball. Es ist, als würde ihn das Lied selbst in die Jugend zurückbringen.

Der Song selbst ist einigermaßen eingängig, ein blippiges Artefakt aus den frühen Anfängen, als das Big Beat-Genre noch in den letzten Lebensjahren war. (Ich liebe mich jedoch als Dune-Referenz, so dass 'Gehen ohne Rhythmus / und Sie werden den Wurm nicht anziehen' noch heute kitzelt.) Aber dies ist ein Fall, in dem das Musikvideo das Lied selbst in den Schatten stellt und ein Leben von annimmt sein eigenes, und dafür sollte es gefeiert werden.

'Du und ich und du' (The Dig)

Richard Brody (@tnyfrontrow), der New Yorker



Der ursprüngliche Musik-Video-Regisseur ist Busby Berkeley, der den Unterschied zwischen der bloßen Darstellung und der Umwandlung von Performances entdeckt hat. Das Musikvideo, ob als Werbespot für eine Schallplatte oder als Teil eines Films, ist eine entscheidende Untergruppe der Kinogeschichte, und das Filmen von Musik ist ein Prüfstein der Regiekunst. Das beste, das ich in diesem Jahrhundert gesehen habe, ist von einem der besten aktuellen Filmemacher, Terence Nance, für das Lied 'You and I and You' von The Dig. Mit Choreografie, Kostümen, wechselnden Blickwinkeln, metaphorischer Geschichte, der Mischung von Schauspielern und Effekten, der Verschmelzung von Familienmelodrama mit mythopoetischer Fantasie und der grundlegenden Frage nach der Position der Kamera, die aus einfachen Handlungen komplexe Texturen und Vektoren erzeugt Verdichtet und intensiviert Nances Vorstellungskraft zu einem großartigen Musikvideo, das zu den großen Kurzfilmen des Jahrhunderts zählt.

F: Was ist der beste Film, der derzeit in den Kinos läuft?

A: „Toy Story 4“ und „Der letzte Schwarze in San Francisco“ (Krawatte)



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